Por el lado oscuro

CAMBIO DE SITIO

2010-01-02T09:16:00.001-08:00

Agradezco a todos los seguidores que durante 2009 estuvieron pendientes de este blog que con este post declara su muerte. Pero al mismo tiempo los invita a ver el renacimiento del mismo en un sitio que ofrece más opciones y espero sea de su agrado, ahora podrán seguir las críticas del 2010 en http://porelladooscuro.webs.com/, én donde además recomendaré películas en dvd, cortometrajes y habrá trailers.

Un saludo.

Un Avatar vacío

2009-12-29T20:51:00.000-08:00

El director de Terminator, Aliens y Titanic, James Cameron, llevó a cabo su sueño realidad este 2009 gracias a la tecnología y a varios millones de dólares, por fin concretizó Avatar, un filme espectacular en lo visual, que promete para más entregas, pero que se queda muy corto en el guión, el cual es inversamente proporcional a la calidad de sus efectos especiales.

La trama se centra en Jake Sully (Sam Worthington), un ex marine quien está destinado a vivir el resto de su vida en una silla de ruedas y que es enviado a Pandora, un planeta lejano para participar en un proyecto científico en el que estaba involucrado su hermano gemelo. Este proyecto tiene como fin la creación de los avatar, cuerpos vivos pero que son controlados por otra persona a través de una máquina sofisticada que permite la conexión cerebral, así Sully tiene la oportunidad no sólo de volver a correr y sentir, sino de involucrarse en la vida de su nuevo hogar, ya que su avatar es idéntico a los Na'vi, la cultura más desarrollada de Pandora. Por otro lado, el ejército de Estados Unidos más que descubrir los secretos del lugar y hacer contacto con la civilización, busca explotar los suelos de Pandora para apoderarse de un mineral valioso para proveer de energía a la Tierra. Sully se ve envuelto entre dos misiones; simpatizar con los Na'vi para descubrir más de su cultura (origen del proyecto Avatar) e infiltrarse como espía para proveer de información al ejército.

Lo más destacable del filme de Cameron sin duda es la parte visual. Cada centavo gastado se nota, los mundos de Pandora son de ensueño, los movimientos de cámara, la tecnología para desarrollar a los avatar y hacerlos expresivos, que se pueda sentir el trabajo de los actores a pesar de no estar ahí. Es evidente el uso de la tecnología que permitió grabar cada detalle de los gestos. Por otro lado, las criaturas de Pandora sino son originales si se ven bien logradas, particularmente las montañas, que hacen que visualmente la cinta sea inolvidable desde su comienzo. Flores y árboles que se encienden, animales con ojos de neón, Cameron crea un sitio lleno de energía, groovy, casi hippie, psicodélico, lo que hace de esta experiencia casi un viaje místico. No hay duda, visualmente Cameron quizá logró la mejor película en mucho tiempo, el problema radica en que el cine no es sólo eso.

Su mayor defecto es la falta de originalidad. Lo que en un comienzo se plantea como una cinta de ciencia ficción en donde veremos cómo alguien puede controlar un cuerpo desde una máquina y el descubrimiento de un nuevo mundo, termina por convertirse en la misma historia de conquista y de buenos contra malos que hemos visto siempre. Cuando se está frente a esta cinta se tiene la sensación de observar varias películas al mismo tiempo, el guión parece una mezcla de Pocahontas (el conquistador que se enamora de la nativa), El Señor de los Anillos (en las criaturas fantásticas y el mensaje ecológico incluido) o Matrix (parte de los efectos especiales y la idea de un elegido) sólo por citar algunas. No hay mucha coherencia en lo que plantea Cameron, su filme se basa más en la acción y en que todo luzca bello más que en presentar personajes conmovedores, secuencias creíbles y una idea concreta de lo que quiere comunicar.

La ideología al principio de cuentas parece ser que el humano siempre acaba con todo, que no respeta, que debemos aprender a estar en contacto con la naturaleza y hacer esa conexión mágica que tienen los Na'vi, los cuales por un momento son planteados como seres desarrollados que conocen los secretos de su planeta, pero al mismo tiempo como una civilización muy rústica que basa todo su poder en un árbol de almas y en rezos grupales que dan risa.

Además, más allá de toda la independencia y espiritualidad que poseeen los Na'vi, su futuro recae en un norteamericano en silla de ruedas, un perdedor que deberá enfrentarse a un malo muy malo y ambicioso. Cameron pone así los clichés y las fórmulas básicas, su cinta no tiene un sólo diálogo memorable y el guión sin duda hace agua, pero esto puede pasar por desapercibido si sólo nos fijamos en lo que se ve y no en lo que se siente.

Por otra parte, más allá de los cabos sueltos y que hay que concederle a la cinta todos sus errores argumentales para pensar que todo va bien, hay secuencias que sirven para una serie televisiva pero no para un filme que costó tanto. Cito como ejemplo el escape de Jake Sully de la base militar para instalar su "sucursal" clandestina del manejo del avatar, la cual nunca se sabe cómo logra funcionar. Hay muchos huecos que no se explican y más vale no seguir con la lista porque podría ser muy larga.

En la parte actoral lo más destacable es que los avatar lucen como seres reales, lo que es animación por computadora se ve como maquillaje y tanto Sam Worthington como Zoe Saldana, quien interpreta a Neytiri (princesa de los Na'vi y pareja de Sully) logran alta expresividad adentro de sus "máscaras", sin embargo no hay nada destacable, ya que se prioriza la acción y hay pocas escenas que requieran un alto esfuerzo histriónico. De cualquier manera, Worthington logra consolidarse como un héroe creíble de acción y muestra que tiene el talento suficiente para atreverse a separarse de este terreno en un futuro y ahondar en los dramas, por lo pronto su próxima cinta a estrenarse (The Debt, un filme que aborda el tema nazismo) está a cargo de John Madden, director de Shakespeare Enamorado.

Así, Avatar puede definirse como los excesos de Cameron, como su locura, el juguete grande, grande, que siempre deseó y que por fin tiene en sus manos, un parque de diversiones para el sólo, no más, su valor cinematográfico no va más allá de lo espectacular que luce. Avatar es el título perfecto para este filme, ya que no representa algo más que un cuerpo vacío, con poca sustancia y que si no hay nadie manejándolo desde una máquina termina por desmayarse. Eso le pasa a este filme, se cae, se desploma porque es sólo forma, le falta mucha sustancia que llene todo el cuerpo que es, quizá sea porque el director que controla la máquina, hace mucho dejó de preocuparse por los guiones y sólo se divierte como un niño con su juguete, aunque Cameron no debe preocuparse, en su kindergarden lo acompañan el George Lucas de los últimos años y un Steven Spielberg que no encuentra la brújula.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

El viaje de Sam Mendes

2009-12-18T10:53:00.000-08:00

El quinto filme del director británico Sam Mendes es personal, simple y busca en los detalles conmover al espectador. El Mejor Lugar del Mundo (Away We Go), tal vez no sea el trabajo más logrado del realizador de joyas como Belleza Americana, Camino a la Perdición o la desgarradora Sólo Un Sueño, sin embargo tiene su punto más fuerte en ser sencilla y que alcanza la belleza al no pretender mucho.

La trama narra la vida de Burt (John Krasinski) y Verona (Maya Rudolph), una pareja de treinteañeros que están a punto de tener su primer hijo. Él se dedica a vender seguros vía teléfonica y ella es una dibujante, pasan por una etapa en la que se sienten perdidos en el camino, y se cuestionan el lugar dónde vivir y qué sitio es el adecuado para criar al nuevo ser.

Los aciertos de la dirección de Mendes radican en centrar su cinta en un viaje alrededor de lugares como Phoenix, Madison, Montreal y Miami, todos diferentes entre sí y en cada uno la pareja se encuentra con amigos y familiares los cuales les muestran su estilo de vida y la manera en la que ellos han educado a sus hijos. Burt y Verona confrontan sus propias creencias contra las de los demás y van dándose cuenta de los errores y aciertos de sus conocidos.

Los sentimientos están a flor de piel en El Mejor Lugar..., Burt y Verona van aprendiendo uno del otro a lo largo del viaje, y es una pareja memorable porque es un amor puro, simple, cotidiano pero a la vez entregado por completo. Sin necesidad del matrimonio, ambos tienen un lazo muy fuerte y nada los despedaza, más que ser una pareja perfecta, saben amarse y eso los hace sólidos. La química entre Krasinski y Rudolph aporta en gran medida a que la pareja en pantalla sea entrañable.

La dificultad de prepararse para la paternidad es abordada sin mayores dramas en la cinta, a pesar de que los personajes, sobre todo Verona, tienen un pasado trágico, el filme se pinta más de melancolía que de dolor, es una cinta ligera pero con escenas y momentos inolvidables que son capaces de conmover hasta las lágrimas, en principal al público femenino, ya que uno de los personajes principales es una mujer embarazada.

Mendes hace un paneo de las diferentes formas de educar a un hijo y el daño que se les puede hacer al intentar influir en sus creencias o lastimarlos con palabras ofensivas que pensamos no afectan. También aborda el tema del abandono de los padres y aprovecha para mostrar la capacidad de dar cariño de quienes deciden adoptar, aunque menciona que nunca será lo mismo un hijo propio por más que se pretenda otorgar el mismo afecto.

Mendes no ofrece soluciones y eso se agradece, no hay una moral escondida en su cinta. De hecho la única solución es prometerse un amor incondicional y tratar de que todo salga bien, el lugar ideal quizá sea lo de menos mientras exista el amor, la vida es un lugar complejo y Mendes lo sabe, es por eso que deja a sus personajes en un punto en el que de ahí en más todo dependerá de ellos.

La parte actoral es la más fuerte de la cinta, dos caras frescas en la pantalla grande se encargan de los personajes principales. John Krasinski, quien ya había trabajado con Mendes en Soldado Anonimo (2005), se apodera de Burt y logra una actuación muy natural, casi como si estuviéramos siguiendo a una pareja verdadera. Ese es uno de los valores de esta película, la pareja de Burt y Verona, luce tan común, despreocupada, simple, que en verdad creeemos que existen en algún lugar de los Estados Unidos y esto sólo es un documental de cómo una pareja decide el lugar para vivir. Por otro lado, Maya Rudolph, a quien hemos visto con regularidad en Saturday Night Live, logra una espléndida Verona al reflejar todos los problemas de las embarazadas, sus preocupaciones a futuro y en ella hay una mirada en la que su pasado está presente, una tristeza escondida que espera el momento justo para alforar, la escenas finales son de lo más logrado por Mendes. Mención aparte merece Maggie Gyllenhaal, quien más allá de verse muy bella, interpreta a LN, una excéntrica prima de Burt, quien tiene una forma muy particular de educar a sus hijos, al punto de no usar carriolas para transportarlos y no separarse de ellos en ningún instante para no perder el contacto físico, una de los momentos más entretenidos de la película.

La parte visual quizá sea lo menos afortunado de la cinta, ya que a pesar de ser un road movie, no se aprovecha en gran parte los paisajes, faltó un poco más de despliegue técnico o de presupuesto que permitiera a Mendes más tomas en exteriores y mostrar un poco más de cada ciudad que se visitaba. Al contrario, el viaje es acompañado por una excelente banda sonora llena de un folk exquisito en manos de Alexi Murdoch, sus melodías agregan la cuota perfecta para bañar de melancolía y un poco de lágrimas la pantalla.

Este viaje de Mendes resulta tierno, conmovedor y simple, bello en su sencillez y memorable por su frescura y naturalidad. No es su mejor cinta, pero quizá una de las más personales, se nota la necesidad de Mendes de expresar el viaje de ser padres que emprendió con Kate Winslet en el 2003. Quizá sea el filme con más luz en su trayectoria y que agrega un tono de esperanza, una oportunidad al amor, el viaje de Mendes sale bien librado porque nos hace libres, nos permite que hagamos promesas que estemos dispuestos a cumplir.

CALIFICACIÓN: BUENA.

De locura y aceptación

2009-12-14T21:18:00.000-08:00

El director y guionista James Gray (Dueños de la Noche, La Otra Cara del Crimen) ya es toda una realidad y su talento ha quedado más que demostrado a pesar de tener sólo cuatro filmes en su filmografía. Amantes (Two Lovers) es su más reciente filme y se encuentra en cartelera para hacernos ver que las cintas románticas no tienen que poseer esa melosidad a la que nos acostumbró Meg Ryan.

La trama se centra en el personaje de Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix), un hombre judío que ha pasado los treinta años y vive con sus padres y trabaja en la tintoreria que es el negocio familiar. Tras sufrir el abandono de su prometida hace unos años, Leonard ha intentado suicidarse varias veces y áun tiene problemas emocionales. Sus padres quieren relacionarlo sentimentalmente con Sandra Cohen (Vinessa Shaw) una chica judía e hija del dueño de una tintorería que está a punto de comprar el negocio de la familia Kraditor. Todo parece ir en los planes convenidos hasta que se presenta Michelle Rausch (Gwyneth Paltrow), una asistente de un abogado y que es vecina de Leonard, él queda impactado al verla y se enamora de ella pero no todo será fácil.

Los aciertos del filme de Gray son varios, en primer lugar no trata de suavizar el drama o esconder el sufrimiento con una comedia ligera. No hay clichés y los personajes son complejos, dañados emocionalmente y con poco que perder, buscan encontrar la felicidad a sus vidas frustradas en una última luz que aparece ante ellos y desean aferrarse a ella, a esa esperanza de tener lo que siempre desearon. El amor también se plantea de una forma exquisita, la barrera que existe entre la amistad y una relación más seria, lo inevitable de que siempre alguien se entrega más y de que al parecer el amor no se vive si no hay un dolor que esté ímplicto, hay que sufrir para sentir. Si el amor llega de manera fácil parece que no sabe, nos enamoramos del desprecio, de lo que parece imposible pero creemos que puede tocarse.

Hay obsesiones, locura, personajes destrozados y bien delineados, que al mismo tiempo que están dispuestos a terminar con su vida, aún tienen un lado tierno que mostrar, por más que se esté en un pozo la esencia permanece para recordarnos que hay posibilidad de una sonrisa.

El guión que escribe Grey junto a Ric Menello es sencillo y no se esperan muchas sorpresas en el desarrollo de la trama, sin embargo hay altos momentos de tensión y de incertidumbre que lo hacen sólido. La fuerza del mismo radica en la complejidad de los personajes que agregan varios matices a la historia, un Leonard que ve en Michelle la posibilidad de rehacer su vida y de amar de nuevo, Michelle que encuentra en Leonard a un confidente en quien puede confiar pero no necesariamente al hombre que ama. El tema no es original pero la tensión de que la tragedia está cerca (planteada desde la primera secuencia) mantienen a este filme muy alejado del convencionalismo de los filmes románticos y lo hace oscuro, denso, camina por la orilla todo el tiempo con altas posibilidades de caer al precipicio. Hay varias escenas muy bien logradas, las miradas son fundamentales para comprender los sentimientos.

En el nivel actoral Joaquin Phoenix debería reconsiderar su decisión de abandonar la actuación para ser un cantante de hip hop, no dudo que tenga éxito en su nueva actividad, pero como actor es de lo mejor que hay en este momento. Lo demostró desde Gladiador (Ridley Scott), La Aldea (M. Night Shyamalan) lo tiene a él como único elemento rescatable o en Walk the Line (James Mangold) desarrolló a un delicioso Johnny Cash que quedará para la posteridad, por lo que su talento lejos de la pantalla es un desperdicio. Aquí se apodera del papel de Leonard, quien tiene una actitud infantil, obsesiva, a la vez oscura y tierna, atormentado por su pasado y casi entregado a dejarse morir en un mundo que no le ha entregado nada hasta que aparece una luz rubia en su camino que quizá pueda cambiarlo todo. La actitud corporal de Phoenix, sus gestos y la manera de pronunciar sus líneas lo hacen dueño de su papel, se lo ve en control todo el tiempo y nos olvidamos de sus otros personajes, logra que Leonard viva, lo hace memorable, uno más de nosotros. Por otra parte, Gwyneth Paltrow se anima a despojarse de su actitud de niña buena y tierna al interpretar a una Michelle atromentada y que no está nada bien a pesar de lo que refleje su interior, la chica es una caja de sorpresas, un tren que Leonard tratará de detener y llevarla hacia el rumbo de sus sueños. Paltrow lo hace bien, no al nivel de Shakespeare Enamorado (John Madden) en donde su actuación requería un mayor esfuerzo pero se consolida como una gran actriz que demuestra que tiene varios alcances.

Visualmente la cinta no ejecuta grandes secuencias y es limitada en presupuesto, se maneja la mayor parte en interiores y su aporte está en que los tonos oscuros dominan y no hay mucha luz como tampoco la hay en los personajes. Lo más aplaudible son las escenas en las que Leonard y Michelle conversan de departamento a departamento, cuando se miran a escondidas por la ventana o la admiración hacia la mujer desde lejos, esa cercanía que al mismo tiempo es una gran distancia, en ocasiones recuerda a la Ventana Indiscreta de Alfred Hitchcock.

El filme resulta entonces conmovedor, hay identificación con los personajes porque son problemáticos y están muy lejos de ser unos ganadores. El amor se presenta como es, con todas sus dificultades y la incapacidad de concretizar los deseos, la locura interna que se exacerba al intentar obtener la compañía de alguien más, nos demuestra que el otro no es más que una creación de ese ser prefecto que queremos, al final de cuentas el amor no es más que aprender a querer lo que está cerca, lo que se logra natural, sencillo, sin dramas, aprender a disfrutar aunque la verdadera felicidad esté en ese país de las cosas irrealizables.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

Un abrazo al cine

2009-12-10T08:10:00.000-08:00

2009 se acaba, pero en la parte final del año aún hay espacio para varias películas que vale la pena destacar y no perder de vista. Una de ella es el más reciente filme de Pedro Almodóvar: Los Abrazos Rotos. El director español demuestra que está en muy buena forma, que es un genio al escribir dramas con tintes cómicos y que promete llevar el cine español a grandes niveles.

La trama de su nueva cinta se centra en un guionista y director de cine llamado Mateo Blanco (Lluís Homar), quien se ha quedado ciego y desde ese instante decidió hacerse llamar Harry Caine y escribe gracias a la ayuda de Diego, el hijo de su representante llamada Judit (Blanca Portillo) y con quien ha trabajado a lo largo de varios años. A través de una plática entre Mateo y Diego, el filme viaja al pasado, a los recuerdos, resolver las dudas del muchacho y llegaremos hasta 1994, año en el que Blanco se preparaba para filmar su primera comedia: Chicas y Maletas, en donde conocerá a Lena (Penélope Cruz) quien además de soñar con ser una gran actriz está casada con Ernesto Martel, un poderoso empresario, quien produce la cinta para no apartarse de Lena, ya que está obsesionado con ella a tal punto que le encarga a su hijo que filme un documental de la cinta para grabar todo lo que hace y dice Lena en el set.

Con estos elementos, Almodovar le basta para construir un drama disfrutable, delicioso en diálogos y divertido. El estilo en esta ocasión es un poco más sobrio, no es un Almodóvar tan barroco o lleno de hsiteria como en Kika, Todo Sobre Mi Madre o Mujeres Al Borde De Un Ataque de Nervios. Los Abrazos... cabe más en la línea de Hable Con Ella, aquí el español se toma su tiempo, va al pasado y sólo nos cuenta cómo una historia de amor nace y se rompe en medio de un set cinematográfico, tal como en cualquier ficción.

Los personajes están excelentemente construidos, un guionista y director que no cae en los clichés, es apasionado pero la ceguera le ha quitado vitalidad, un director ciego es casi un muerto, sólo le queda su escritura asistida, al ver un realizador ciego recordamos el filme de Woody Allen, en donde el neoyorquino abordaba la necesidad de la vista para los cineastas en formato cómico. Con la muerte de los ojos de Blanco no sólo se perdió su capacidad creativa, sino el amor que guardaba en ellos, todo lo que sus pupilas podían capturar. El personaje de Lena es una mujer apasionada y hermosa, capaz de enloquecer a cualquiera y dispuesta a conseguir lo que quiere, harta de estar sometida bajo los caprichos de un hombre de poder y que se entrega a Mateo, quien la enaltece en la pantalla y en la cama.

Más allá de un guión que se acerca a la perfección, lo disfrutable de esta nueva cinta de Almodóvar es que para los cinéfilos no es sólo es una historia más, este nuevo filme es un homenaje al cine, hay miles de referencias, desde el seudónimo del escritor, los filmes del neorralismo italiano que "observa" en compañía de Diego, las alusiones a otros escritores como Arthur Miller, y las propias referencias que Almodóvar hace hacia su propio cine.

Chicas y Maletas, la falsa cinta dentro de Los Abrazos... podría formar parte de la filmografía de Almodóvar, es decir, Blanco no es un personaje muy alejado del director, por lo que Pedro está adentro de su propia cinta, ama al cine como lo hace Mateo y siente la misma pasión hacia las mujeres, es capaz de hacer que la pantalla emane sensualidad en detalles como tacones, faldas ceñidas, escotes o miradas.

En cuanto a las actuaciones, Penélope es la chica Almodóvar por excelencia. Nunca se la ve tan bien como cuando está bajo el mando de su amigo, la cámara de Almodóvar la ama y ella corresponde con sus mejores gestos, llantos, y emociones que es capaz de reflejar con su mirada oscura, la boca amplia y ese cuerpo natural y sin silicones que se mueve preciso. Los diálogos del español la ayudan a crear a una mujer que pasa de ser una mujer interesada sólo en el dinero y que acepta maltratos, a una chica que está dispuesta a luchar por sus pasiones, el cine y el hombre que ama.

Lluis Homar también aporta un gran trabajo, recientemente lo recuerdo por su trabajo en La Habitación de Fermat (2004) como uno de los matemáticos encerrados. Aquí su personaje se mueve con frescura, siempre es complejo interpretar a un ciego con naturalidad y en este aspecto Homar logra su objetivo. En sus expresiones vemos el dolor acumulado, la añoranza de otros días y el pasado trágico que lo rodea.

En la parte visual Almodóvar es un genio y alguien que se atreve a innovar. En planos y secuencias el director trata de utilizar toda la gama posible, en este aspecto lúdico se parece a Tarantino, la cámara juega, está viva siempre en Almodóvar y nunca se conforma con ubicarse en el lugar perfecto, ni siquiera es indispensable estar o no en foco, cada toma agrega signficados a los diálogos, a la acción en pantalla y no sólo es un objeto que filma lo que ocurre, en Almodóvar la cámara es otro personaje y desde su silencio participa en la acción. En cuanto a fotografía el gran Rodrigo Prieto (de los orgullos nacionales) se hace cargo y logra una gran diversidad de tonalidades tanto para Los Abrazos Rotos como para los segmentos de Chicas y Maletas, un gran trabajo ya que aquí se construyen dos cintas, incluso tres con el documental que es grabado por el hijo de Martel.

Si el filme tiene algún error, es que en su afán de construir un epílogo, Los Abrazos... decae hacia la parte final en intensidad, es obvio que si se tratara de un libro el último punto estaría antes y un título anunciando el epílogo nos regalaría unas diez páginas para acentuar el amor que siente Almodóvar por el cine. Los últimos minutos son un regalo al público, es casi una clase de montaje y hacerle ver al espectador cómo la misma película, dependiendo las tomas que se elijan puede ser una obra maestra o un fiasco que destruya la carrera de un director. Almodóvar reconoce así el trabajo de post producción, más allá de lo que pueda hacer el guionista y los actores, al final tanto editores como el director son los encargados de que todo luzca perfecto. En la parte final de Los Abrazos..., Almodóvar muestra cómo se concluye una película y ese gesto lúdico se agradece aunque le reste intensidad a la parte final. Otro punto a comentar es que quizá por momentos la voz en off de Homar relatando el pasado suele ser explicativa, a niver personal prefiero la narración del pasado sin reflexiones en el presente y que éstas queden para el público.

Como conclusión, Almodóvar realiza otro estupendo filme, para muchos no será el mejor de su carrera pero sigue estando por lo menos a su nivel y eso es superior a las obras maestras de muchos. Aquí conserva su estilo pero siendo más refinado y sutil, elegante. Almodóvar abraza al cine y le da un beso, lo acaricia, vive un tórrido romance con él, lo lleva a la cama para tener el mejor sexo como lo buscan todas las chicas Almodóvar, le habla al oído y le agradece. Con los ojos cerrados el español confía en el gran amor de toda su vida.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE.

La humanidad de trapo

2009-11-04T11:42:00.000-08:00

Surgida de un cortometraje que fue nominado a los Oscares en el 2005, este año llega a las pantallas 9, dirigida por Shane Acker, un joven que promete convertirse en uno de los mejores directores de animación. Para ser llevado a la pantalla grande este cortometraje fue apoyado por varios productores, entre ellos Tim Burton, quien al parecer vio en Acker un gran potencial además de identificarse con la oscuridad del futuro apocalíptico creado hace cuatro años por el joven director.

La trama nos narra la vida de 9, un muñeco de trapo con todo y cierre, que despierta un día en un futuro dominado por las máquinas, sin ningún humano, un lugar en el que sólo hay desolación. Tras aventurarse al mundo descubrirá que hay algunos otros como él que sobreviven y deben luchar contra una máquina que busca poseerlos para alimentarse de ellos, de la esencia humana que cargan entre su tela. La lucha comienza y 9 se ve destinado a convertirse en un héroe en pocos minutos.

Si se observa primero el cortometraje, uno puede resumir de lo que se trata 9, la cinta de Acker tiene varios aciertos y entre ellos se encuentra el que respeta la esencia original de la obra de diez minutos. Sin embargo hay añadidos que ayudan a la cinta a durar más tiempo aunque tampoco aportan demasiado.

Se nota que la esencia de 9 radica en la parte inicial y en el desenlace. En el primero al hacer una introducción genial, sólo en silencio, de lo que ocurre en el mundo, no necesitamos más explicaciones y sabemos que sólo esos muñecos de hilo son los sobrevivientes y que corren un grave peligro. El filme de Acker se muestra adulto, desde el inicio nos hace saber que no tendrá reparos en mostrarnos la muerte, en presentarla tal cual es y en poner en peligro a sus personajes, la cinta no es del todo complaciente con los niños, conserva su espíritu adulto de un planeta Tierra deshecho, en el que una máquina insaciable puede acabar con todo.

El deselence es el otro momento climático de la cinta, no mencionaré lo que ocurre, pero al mismo tiempo que Acker se muestra esperanzador, hay oscuridad y tristeza, no se puede decir que uno sale con una sonrisa de oreja a oreja tras observar 9, es brillante que un filme animado genere reflexiones de nuestro presente y la capacidad que tenemos de dirigir el destino.

El corto original se maneja en silencios, no hay diálogos y quizá en el largometraje tampoco hubieran hecho falta, pero se entiende que Acker los incluya para no hacer tan cansados los ochenta minutos, sobre todo para el público infantil. La inclusión de diálogos se aprovecha por momentos al poner en boca de los personajes palabras inteligentes y no llevarlos hacia la broma fácil o las frases hechas, el que hablen no le quita su esencia a los muñecos silenciosos del cortometraje, por lo que no afecta demasiado a la cinta.

A pesar de que la trama impacta y se crea una historia que si no es del todo original resulta fresca, es la parte visual la que hace que 9 resulte simplemente inolvidable. Sus espacios oscuros, los detalles de cada uno de los muñecos, cierres, botones, manos de metal, máquinas asesinas con cabezas de cráneo, elementos de la humanidad destrozada, libros, todo bajo un cielo contaminado, pasajes desérticos, generan una atmósfera única y en donde se nota sólo la mano de Acker, no hay influencias evidentes de Burton. Los ojos de los personajes son altamente expresivos y en ellos se encuentra esa alma humana que Acker quiere trasnmitir, la esencia del creador de los personajes se muestra a través de diferentes personalidades y el director crea un mundo mágico pero al mismo tiempo posible en casi todos los aspectos.

Otro de los mayores aciertos, como mencionaba anteriormente, es atreverse a tratar a la muerte como algo posible, varios muñecos se convierten en víctimas a lo largo de la cinta y Acker muestra su lado cruel, la esperanza se pierde conforme la máquina logra su objetivo, rescato este punto y lo subrayo porque en cintas que suelen atraer un público infantil suele omitirse este tema, Up fue otro filme que se atrevió a mostrarlo y es importante que desde pequeños se aprenda a lidiar con una condición a la que el ser humano no puede estar ajeno.

Las fallas de 9 se localizan principalmente en todo su desarrollo, en la necesidad de convertirse en un largometraje. Para lograr crecer setenta minutos, el guión agrega varias secuencias de acción y persecuciones interminables, que si bien entretienen, no profundizan. No se aprovechó este tiempo para conocer más a los personajes o para ir explicando poco a poco cuáles son las causas de todo, las cuales se dan de golpe hacia el final. Es claro que incluir este tipo de secuencias de acción es para entretener al público infantil y poder escaparse un poco de la oscuridad, sin embargo 9 debió preocuparse más por los adultos y hacer de 9, el muñeco, un personaje que fuéramos descubriendo minuto a minuto y no de forma tan vertiginosa. Es el problema de las películas de animación que no se atreven a ser para adultos a pesar de englobarse en un mundo fantástico, el cortometraje respeta más esa esencia y es más cuidadoso con la cantidad de tiempo que dedica a la acción.

De cualquier forma Acker logra un gran filme, porque 9 era un cortometraje que se prestaba a ampliarlo, a explicarlo no sólo para sacar un provecho comercial, sino porque su valor artístico se merecía un largometraje que lo impulsara a niveles masivos. Si 9 hubiera respetado en la totalidad su esencia se hubiera convertido quizá en la mejor película de animación de la historia, aunque su comienzo y final son memorables. Acker logra hablar del alma, o si se no se cree en ella entenderlo como la esencia humana que reside en los muñecos, en estos trapos indefensos y frágiles ante las máquinas, pero que son capaces, si se lo proponen, de lograr grandes hazañas, de darle una esperanza al futuro aunque al mismo tiempo pueden traicionar y detenerse por sus miedos, lo cual puede llevarlos a la destrucción. La esencia de la vida está en manos de muñecos de trapo, y no me refiero sólo al entorno de 9.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

A continuación agrego dos videos: El cortometraje 9 y el trailer de la cinta.

Destruyendo el destino

2009-10-27T17:36:00.000-07:00

Este año llegó a las pantallas mexicanas una cinta producida en Hong Kong en el 2007, nos referimos a El Latido del Tambor (Zhan.gu), filme dirigido por Kenneth Bi, quien en su tercer trabajo nos demuestra su gran capacidad para acercarse a los detalles y conmover a través de imágenes.
La trama nos narra la vida de Sid (Jaycee Chan), un adolescente, hijo de Kwan, (Tony Leung Ka Fai) jefe de una de las bandas de mafiosos de la ciudad. Los problemas surgen cuando Sid tiene relaciones sexuales con la esposa de Stephen Ma (Kenneth Tsang), jefe de una las bandas rivales de su padre y uno de los más poderosos. Al enterarse, Ma exige a Kwan que le entregue las manos de su hijo para pagar la ofensa, sin embargo Sid es perdonado por su padre y lo envía a Taiwán en donde encontrará algo más que descanso y soledad, la música que él lleva en su sangre forma parte de su nuevo entorno.
Uno de los mayores aciertos radican en que a pesar de que la cinta se basa en elementos muy básicos para desarrollar la trama, logra internar al espectador en la vida de Sid. Primero a través de un romance prohibido que se evidencia que no es amor, sino capricho, y segundo, al establecer este mundo de códigos entre mafiosos del cual Sid no puede escapar por más que intente mantenerse ajeno a los negocios ilegales de su padre.
Las relación padre-hijo es fundamental, Kwan es violento y maltrata tanto a Sid como a su hermana, hay un pasado que carga la familia, una infidelidad que obligó a Kwan a desterrar a su esposa y dejar a sus hijos sin madre, un ser que busca imponerse a la fuerza y que trata de controlar el destino de sus hijos.
La búsqueda interna, saber quién es uno y aprender a controlar los vicios de la personalidad, la arrogancia y buscar la humildad son los mensajes que transmite la cinta sin necesidad de caer en frases hechas o en lo trillado. Sid, al conocer en una montaña a músicos zen que tocan tambores y practican artes marciales, no sólo aprende a ser un mejor músico (él es baterista de un grupo de rock), las notas de los tambores también le ayudan a controlarse, a descubrir su pasión y frenar los impulsos de violencia que había en él, la paz lo aborda, y a través de la soledad que lo rodea descubre el paisaje que lleva adentro de su cuerpo. En ningún momento esta búsqueda de Sid resulta aburrida, Bi sabe manejar estas escenas con música imponente, el sonido de los tambores se apodera del cine, además, su cámara atrapa paisajes espectaculares, ríos, flores, montañas que invitan al silencio, ejercicios marciales, largos paseos, sabe apreciar los detalles. Bi se toma su tiempo y logra el contraste entre el Hong Kong frenético y lleno de violencia con estos montes en donde late el corazón de la música y los nuevos compañeros de Sid lo enfocan a su vocación.
Como mencionaba anteriormente, esta cinta destaca en su parte visual, es muy poética y su mayor logro radica en el lado asrtísitco, en esta búsqueda espiritual que no sólo se da en Sid, sino que es ofrecida al espectador.
En la parte actoral no hay mucho que destacar, quizás lo más relevante es que Jaycee Chan muestra capacidades suficientes como para heredar las glorias de su padre (Jackie Chan) e incluso superarlas, todavía se lo ve joven y con poca experiencia, no hay grandes duelos actorales que atrapen la atención, sin embargo son interpretaciones que cumplen para lo que requiere la cinta. Chan logra llevar a cabo la transformación de Sid, de un muchacho rebelde citadino, a un músico zen que se consagra y que se encuentra a sí mismo.
Uno de los errores de la cinta es que no hay muchas sopresas, en realidad la trama puede ser previsible incluso desde el trailer, quizás la parte final sea lo que más sacude al espectador y levanta al filme. Es obvio que la fuerza de esta película no está en su argumento, El Latido... es muy buena pero destaca más su lado visual (su enfoque artístico casi inherente al cine oriental) que su trama compleja o su capacidad de mantener al filo de la butaca. Es un filme sencillo, que no pretende más que evidenciar una mutación del "alma" y que logra lo que busca, aunque como he mencionado anteriormente, quizás un guión con mayores riesgos o más aportes de subtramas hubieran agregado cuotas de interés.
El punto más importante es el tema del destino que maneja la trama asociado a la música, a ese latido del corazón que escuchamos desde que eramos fetos en el vientre de nuestra madre. Ese poder sonoro que corre con nuestras venas y que es imparable, que nos lleva a encontrarnos con nosotros mismos, con la esencia que somos y que puede ayudarnos a romper con ese destino que se nos marca. La tragedia nos busca, así nos encontremos en el rincón más apartado del planeta, la tragedia también está en nuestra sangre, sin embargo puede haber un resquicio, algún lugar para atrevernos a decirle basta y romperla, hacerla añicos con el sonido de un tambor que se oye por todo el universo.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

Fallida mezcla de géneros

2009-10-21T21:03:00.000-07:00

En ocasiones suele ocurrir que tras observar el trailer de una película, las ansias por disfrutarla se acumulan y se espera impaciente el día del estreno. Tal es el caso de Sector 9 (District 9) cinta dirigida por el joven Neill Blomkamp, quien debuta con este filme bajo el manto protector de Peter Jackson, uno de los productores. Las expectativas eran demasiado altas, el avance nos hacía pensar que se trataba de una joya cinematográfica, sin embargo decepciona.

La trama nos introduce a Sudáfrica, en donde un grupo de alienígenas semejantes a unos langostinos, pero con una estructura parecida a la humana, han estacionado su nave madre sobre el cielo de Johannesburgo desde hace veinte años. Al estar enfermos y en un estado crítico, las autoridades decidieron establecer a los extrarrestres en la ciudad, en un sector restringido en donde las condiciones de vida son deplorables para estos seres, además de sufrir la violencia por parte de grupos violentos de Nigeria. El gobierno, en un plan para mejorar las condiciones de vida de los aliens y apartarlos de la ciudad, contrata a la empresa Multi National United para reubicar a los rechazados, es aquí cuando interviene Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley) quien a pesar de su carácter débil, es el hombre encargado de liderar el proyecto.

El mayor acierto de Sector 9 es su alegoría al racismo vivido en Sudáfrica durante la era del apartheid o segregación, en donde los negros eran confinados a diferentes distritos, violentados y se les prohibía acceder a diversos puntos de la ciudad, una opresión que duró cerca de tres décadas hasta que la resistencia negra y diversos movimientos sociales pudieron cambiar la situación en África. En este filme es inevitable ver en los aliens a los negros, su condición es la misma, enfermos, comen de la basura, son utilizados en experimentos y de ser aceptados en un principio, son rechazados por la mayoría que busca apartarlos en distritos restringidos y lo más distanciados de la ciudad. Se toca con precisión el tema de humillar al que en apariencia es débil, diferente, la película en el fondo es una cinta comprometida con su lugar de origen (el director es sudafricano), es una manera novedosa de señalar lo que fue una era penosa para el mundo entero y que todavía no desaparece por completo.

Existe la preocupación por entender al otro, es un mensaje claro, sólo estar en las mismas condiciones nos hace comprender a quien rechazamos, no hay mejor formar de comprender a alguien diferente a menos que vivamos bajo sus mismas condiciones. En principio el planteamiento de trasladar el tema del racismo a la ciencia ficción y manejarlo como documental sonaba maravilloso, la idea Sector 9 es una de las más originales de los últimos tiempos, sin embargo el problema es la ejecución.

Visualmente la cinta es impactante, tensiona y resulta incómoda para algunos espectadores y ese es un gran logro, hacer sentir a través de las imágenes. No escatima en crudeza, mostrar la sangre tal como es, las cicatrices, la carne viva. Los efectos especiales están bien desarrollados y se nota que Blomkamp tiene experiencia en este rubro. Los extraterrestres más que lucir bajo un formato cotidiano, se asemejan más a una unión de diversos animales de la Tierra y su mirada es muy expresiva, como si en los ojos el realizador nos recordara que está la esencia de cada ser. En la parte actoral todo el peso de la cinta recae en el también debutante Sharlto Copley, quien interpreta a Wikus Van De Merwe y lo hace con solvencia. Sobre todo porque su personaje evoluciona de un simple oficinista conocedor de la vida de los aliens en Sector 9, a encabezar un proyecto de gran importancia, con todos los riesgos que esto implica. Su personaje es el motor de la cinta y pasa de la alegría a la desesperación y su debilidad tendrá que desaparecer para sobrevivir.

Los problemas del filme comienzan cuando se traiciona a sí mismo. En un inicio se planteaba como un falso documental, con entrevistas a especialistas acerca del caso y como un reportaje con cámara en mano del traslado de los aliens. En este punto la cinta conserva su esencia de proyecto diferente, sin embargo conforme se dispara la acción, se presentan escenas inverosímiles, persecuciones fuera de lugar, actos heroicos que no van de acorde a su estética y la cámara en mano desaparece y volvemos a una narrativa común y corriente. Si se pretendía una nueva mirada de la ciencia ficción, al punto de acercarla a un nivel de realismo -tratado como un tema de investigación- no había porqué introducir elementos tan dispares. Si se quería agregar violencia o acción se hubiera podido lograr bajo el mismo tono realista, como un reportero de guerra. La cámara juega con nosotros y en ocasiones sentimos cotidianos a los extraterrestres y en otras volvemos a estar apartados al darnos cuenta que sólo vemos una película de aliens, con su nave similar a la del Día de la Independencia, y máquinas que parecen extraídas de Transformes, eso si, sin Megan Fox incluida. El valor de Sector 9 estaba en apartarse de todo eso y ser diferente. A estos fallos, se agregan incoherencias en la trama, no se explica cómo extraterrestes y humanos lograron entenderse y por momentos los aliens parecen débiles cuando en verdad cuentan con armas capaces de destruir a un gran ejército. Es triste que la cinta se caiga al incluir un héroe que un principio no sabía ni levantar un arma y se convierte en Bruce Willis, además de incluir villanos que caen en los clichés. Conforme avanza la película pierde sutileza ymisterio y su lenguaje de denuncia se pierde entre tanta explosión y balacera.

Se espera que una cinta seria no juegue con el espectador, quien busca aferrarse a la idea original, a la frescura, pero la trama destruye cualquier buena intención.

Se agradece la denuncia, el hacernos ver que cualquiera puede ser diferente y segregado en cierto punto de su vida y sólo sintiéndose así comprenderá lo dañino del racismo, también se aplaude la idea de llevar la ciencia ficción y el tema alienígena a terrenos nuevos, casi desconocidos para este género, sin embargo no se le perdona cambiar el rumbo, perder la esencia y traicionar al espectador que buscaba en Sector 9 una de esas joyas coleccionables que cambian las estructuras del cine y no explosiones sosas que no aportan nada nuevo. Las excelentes ideas no siempre concluyen en obras de igual magnitud.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

El cine: la mejor arma

2009-10-18T10:11:00.000-07:00

Esta crítica es especial, ya que hablaré uno de los mejores filmes exhibidos este año en México (compite con El Luchador), se trata de la obra maestra de Quentin Tarantino, su mejor obra hasta ahora sin lugar a dudas y que lo muestra más maduro. Bastardos Sin Gloria (Inglourious Basterds) es simplemente una joya, sin fallas, perfecta de principio a fin. Este Tarantino da miedo, asusta su capacidad fílmica no sólo para complacerse con un filme lúdico sino creado también para entretener a las masas. Con esta cinta el director de Pulp Fiction termina de consagrarse y entra a la historia del cine.
No hablaré de la trama, eso mejor que lo descubra usted. Prefiero decir que Tarantino se aventuró a hacer un western que hablara de los nazis y lo logró. Cuadro a cuadro la cinta es un homenaje al cine, a todas las influencias que este gran director tiene en el cerebro, ya que antes que otra cosa Tarantino es un consumidor de películas. Las devora y aprende de cada una de ellas para luego vomitarlas con su particular visión. La banda sonora incluye tanto música clásica como al maestro Ennio Morricone, es un filme el cual hay que observar miles de veces para descubrir cada referencia de otras cintas. La trama pasa a ser lo secundario, ya que el espectador está ante una clase de cine, un filme de época que debe ponerse como ejemplo en las escuelas cinematográficas, lo que importa es el fondo, el tratamiento que hace Tarantino, su venganza.
Hablando de las actuaciones simplemente son espectaculares, tanto de los tres actores principales como del batallón de personajes secundarios que habitan en la cinta. Cada uno tiene su personalidad y Tarantino se encarga de describirla, hablaré de los protágónicos para no extender este post hasta el infinito, pero cabe señalar que cada actor se merececía unas líneas y eso sólo se debe al trabajo del director, quien pone cuidado en los diálogos, en que los personajes tengan un esqueleto sólido, se fija en que la cinta se hable en lenguaje original de cada sitio en el que se supone se desarrolla la acción, más allá de que esto sea sólo una nueva fábula sobre la guerra con muy poco rigor histórico.
El que se lleva el filme es el actor austriaco Christoph Waltz, quien interpreta al villano principal, el coronel nazi Hans Landa. Waltz tiene una larga trayectoria, sobre todo en la televisión europea, y ahí el mérito de Tarantino de buscar caras nuevas para Hollywood, pero más que apostar por alguien, sabe que ese "desconocido" le va a dar lo que necesita, su basta experiencia como consumidor de cine le da la intuición para cosechar lo mejor de sus descubrimientos. Waltz desarrolló uno de los villanos más deliciosos de la historia del cine, a pesar de su maldad, de su fineza antes de perpetrar acciones violentas (la genial secuencia inicial por ejemplo) el espectador no puede más que enamorarse del cinismo de este personaje, de su tranquilidad que está a punto de estallar en cualquier momento, esa capacidad para controlar todo su entorno, hablar a la perfección el inglés, el alemán, el francés y el italiano, su maldad se siente en cada uno de sus gestos pero no es repulsiva, simplemente brillante, una clase de actuación que debe aplaudirse y se merece miles de premios, Óscar incluido.
Brad Pitt es el gancho comercial, el nombre más conocido en el filme de Tarantino que no podía quedarse sin una estrella y qué mejor que una representativa de nuestra época. También el esposo de Angelina Jolie se gradúa, había mostrado parte de su genio actoral en cintas como Cerdos y Diamantes (Guy Ritchie, 2000), El Club de la Pelea (David Fincher, 1999), 12 Monos (Terry Gilliam, 1995) y Quémese Antes de Leerse (Ethan y Joel Coen, 2008), en todas estas películas hay un común denominador, grandes directores atrás de ellas. Bien dirigido, Pitt alcanza niveles muy altos, y aquí no fue la excepción al interpretar a Aldo Raine, "El Apache", sureño y encargado de liderar a los Bastardos en el exterminio de los nazis, quitándoles el cuero cabelludo después de matarlos, hermosa referencia western. Pitt logra el acento, la frescura y el dominio de la comedia, esperamos una broma de humor negro de su personaje cada momento, su actuación es inolvidable porque nos hace olvidarnos que en otros tiempos fue considerado sólo un galán. Hay una escena memorable en donde se hace pasar por un italiano en donde su cara a lo Marlon Brando hace reir a carcajadas, también excelente y por lo menos será nominado al Óscar, debe serlo si lo fue por Benjamin Button (Fincher, 2008) en donde sólo se basó en el maquillaje para lograr una actuación decente.
El personaje femenino principal es el de la francesa Mélanie Laurent, quien interpreta a Shosanna Dreyfus, una joven judía que logró escapar de niña de loshombres de Landa. En ella habita la venganza, su mirada suave y tierna esconde a un ser a punto de desmoronarse pero al mismo tiempo con el deseo de desahogar todo su dolor. El Tour de Cine Francés nos había permitido conocerla a través de El Cuarto de los Muertos, en donde interpretó a una detective novata. Aquí su mirada dulce sirve para enamorarnos de su belleza que atrapa pero nos advierte que no hay ingenuidad en ella. La francesa se luce cuando se trata de momentos de tensión y a través de este filme se abrirá paso en los caminos del cine estadounidense, su belleza le ayuda, pero su capacidad de mutar y convencimiento la sostienen.
A pesar de ser un filme altamente violento y explícito, cada gota de sangre está justificada, incluso divierte, de hecho no son los momentos de mayor tensión. La violencia está antes de los disparos, en el previo, en el acoso, en un vaso de leche, en comer un strudel de manzana al lado del enemigo, ahí es donde la película se sufre, no en los disparos o en batazos destruyendo cabezas, en esos instantes todo se libera. El filme es eso, una catarsis, consumar la venganza.
Lo genial también se da en la mezcla de géneros, la cinta es un wetsern, un filme de guerra, de humor negro, de venganza a lo Kill Bill, de espionaje, todos los Tarantinos están aquí, y confluyen de la mejor manera, incluso el que tiene la fascinación por el cine clase B. La película nunca se siente forzada y uno se pregunta porqué nadie se había atrevido a tratar el tema de la guerra de la manera como lo hace el director de Perros de Reserva. Todo fluye natural.
Visualmente es impactante. No sólo en la ambientación de los años cuarenta, o en las escenas de violencia. Quizás Tarantino sea uno de los directores que mejor maneja la cámara. En la cinta se encuentran todos los planos, ángulos y movimientos posibles y cada uno de ellos utilizados de la mejor manera para acentuar el discurso de la escena.
Otro detalle interesante es que, como lo hizo en Kill Bill, Tarantino utiliza la capitulación que va dividiendo la cinta. Esto le ayuda a lo siguiente: desarrollar sus secuencias de manera aislada pero al mismo tiempo con un hilo donductor. Dar en cada capitulo énfasis a diversos personajes y así hacerlos crecer en cada momento. Brindar respiros a los espectadores y hacerlos ver que son parte de una fantasía, que la ficción-a pesar de tenerlos interesados como en un libro-no los absorba por completo, mantener esa distancia necesaria para que la cinta sea disfrutable como obra y no por su realismo.
El cine es un arma, muy poderosa y Tarantino lo sabe, por eso las escenas finales de la cinta son maravillosas, me gustaría contárselas y describir la perfección lograda pero quizás no haya visto ya el filme y lo arruinaría todo. Puedo decirle que el director utiliza el cine como la mejor bomba, ese medio para lograr la catarsis, la venganza, cambiarlo todo, la ficción aplastando a la historia, a la versomilitud, los fantasmas del pasado reviviendo en celuloide para cambiar el presente y lograr lo que la mayoría de la humanidad hubiera querido.
Sin duda, el Tarantino de los Bastardos... es el mejor hasta ahora, y él lo sabe y se atreve a decirlo en la misma película a través de Aldo Raine. Es por eso que estamos frente a un monstruo dispuesto a seguir comiéndonos con sus películas y marcar sus huellas profundas en la historia del cine. Sí, esperemos que esa bestia nos siga recordando los poderes del cine. No, que este no sea el clímax, y Tarantino nos lleve a lugares insospechados.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA.

La moda como discurso

2009-10-14T14:26:00.000-07:00

El Tour de Cine Francés de este año llegó a su fin con el estreno de su carta más fuerte: Coco Antes de Chanel (Coco avant Chanel), filme dirigido por Anne Fontaine, quien ya tiene una destacada trayectoria en el cine galo, pero esta película es sin duda la que la coloca en un plano de fama mundial, sobre todo por la relevancia del personaje a quien retrata.

La trama se encarga de mostrarnos la vida de Coco Chanel (Audrey Tautou) desde que era una pequeña y fue abandonada por sus padres, su camino en los cabarets en búsqueda de su sueño de convertirse en cantante y sus relaciones amorosas tanto con Etienne Balsan (Benoît Poelvoorde) y Arthur "Boy" Capel (Alessandro Nivola) que le permitirían llegar a posicionarse en lo que sería su carrera definitiva, además de marcarla como persona en lo que concierne a su capacidad de relacionarse con los hombres, y la definición de lo que el amor era para ella.

Los aciertos en esta cinta radican en explotar de manera sutil el discurso revolucionario de la moda que impuso Chanel. La francesa abogaba por una mujer libre, liberada de las plumas, del corsé, de todo aquel artificio que la hiciera parecer sometida y superficial. Su fuerza femenina la impulsó a crear diseños para una mujer dispuesta para el trabajo, valerse por sí misma y al obtener independencia económica, conseguir su libertad en todos los aspectos, incluso en la manera de sentir el amor, al no idealizar el matrimonio y sólo dejarse llevar por la pasión del momento.

En cada detalle del vestir, en cada frase, se muestran los pensamientos de una mujer que más que cambiar el mundo de la moda, intentó modificar las concepciones machistas que la rodeaban, quizás si se hubiera desarrollo en otros ámbitos Chanel no hubiera sido modista, tal vez si hubiera tenido un arma en vez de una aguja los caminos de la revolución la hubieran adoptado, era un ser que se expresaba desde la tribuna que mejor sabía y se atrevió a mostrarle a su género la puerta hacia la libertad. Desde el miedo a perderse surge el cambio, la ambición por no haber tenido nunca nada y luchar a través de lo que para ella era casi un talento natural. Destrozar esos parámetros y hacer que las mujeres se dieran cuenta que su idea de felicidad sólo era una máscara, Chanel podía verlas, intuir el deseo que había en ellas. Esto es lo que muestra la cinta y lo hace de gran manera, es un filme que más que intentar crear una simpatía hacia el personaje, es sólo un retrato de una mujer que se atrevió a ser diferente, que puso palabras en la moda.

La cinta se sostiene porque nunca intenta endulzar a Chanel, es decir, la muestra como un personaje distante, que carga la oscuridad de su pasado, con resentimientos, desconfiada, con una coraza que la protege. La cinta narra bien la oscuridad que rodeaba a esta mujer, además de establecer la tragedia como un punto base, sin embargo se agradece que nunca se intenta manipular al espectador, todo sucede en un tono real y crudo, no hay melodramas ni llantos falsos, Chanel pone el rostro duro y encara al destino.

A pesar de que la vida de Chanel es otra más de estas historias de superación en donde alguien de la nada construye un imperio, es un acierto que Fontaine prefiera mostrarnos el lado amargo, ese que ni siquiera contaba con el sustento económico para sobrellevar las soledades y las marcas dejadas por el pasado. Es un filme que tampoco aspira al triunfalismo, al sí se puede, no recurre a las estragegias empleadas por cineasta como Gabriele Muccino en cintas como En Busca de la Felicidad. Todos sabemos antes de ver el filme que el éxito llega, que Chanel pasó a la historia como una de las más grandes de la moda pero para Fontaine esto no implica que la sonrisa se apodere del rostro y sea capaz de borrar el pasado. Al contrario, el éxito se vuelve más como una cachetada al mundo que un disfrute personal.

Visualmente la directora logra una gran ambientación y sobre todo, como era de esperarse, es en los vestuarios donde se acentúa su preocupación, principalmente en esos detalles que permitan que Chanel hable sobre lo que piensa, qué significan las plumas en los sombreros, el exceso de joyas, todo aquello que gracias a personas como ella ya no consideramos elegante.

En la parte actoral quizás para muchos Tautou no va a dejar de ser la actriz de Amélie y se extrañe esa frescura con la que se apoderó de la pantalla en esta cinta del año 2001 que la lanzó a la fama, pero aquí logra representar a un personaje más seco, al cual es difícil ingresar, contenido, que debe expresar más con la mirada y adoptar una actitud masculina para apoderarse del mundo. Tautou logra convencernos, se la ve físicamente preparada para el personaje, quizás con unos kilos menos, además de que es una actriz que sabe mantener a flote películas en donde sólo ella debe hacerse cargo de todo y lidiar con la responsabilidad del éxito o fracaso de la creación del personaje.

Si hay fallas en Coco... es que por momentos la fuerza narrativa que arrastra desde el comienzo cae un poco hacia el desarrollo, tal vez el ser sólo un pequeño retrato de la vida de Chanel nos obliga a concentrarnos en las historias de amor y en su relación con los hombres. Quizás más extractos de su infancia, de su lucha personal e interna hubieran agregado una mejor panorámica al sufrimiento de Chanel. Intensidad es la palabra de la que carece este filme, sin embargo tampoco se espera que sea la cinta del año, es sólo una fotografía bien narrada y que a pesar de ser simple no decepciona.

Es un lenguaje a través de un botón, de un cuello, del escote de una espalda que se atreve a ser atrevido pero acompañado de la elegancia del negro. Color que Chanel decía reafirmaba los ojos. Fontaine nos lleva una vida que ayuda a quitarle el lado superficial a la moda que nunca ha tenido sin embargo goza de ese mal prestigio. La ropa es un discurso, un reflejo de lo que pensamos, de lo que somos, de lo que se nos permite o se nos obliga a ser y Chanel lo sabía, por eso deseaba más que el éxito la libertad, demostrarle a los demás que podía triunfar a pesar de estar destinada a vestirse de tragedia.

CALIFICACIÓN: BUENA

El camino hacia la virtualidad

2009-10-09T10:14:00.000-07:00

Después de seis años sin dirigir en la pantalla grande (quizás por el fracaso que significó Terminator 3) Jonathan Mostow regresa con Identidad Sustituta (Surrogates 2009) y a pesar de que no logra una joya maestra de la ciencia ficción, es indudable que da un paso adelante en su carrera.

La trama se desarrolla en un futuro cercano en donde los seres humanos ya no desarrollan sus funciones por sí mismos, sino que utilizan un robot sustituto hecho a sus gustos para que trabaje, se comunique y desempeñe todas las funciones cotidianas e incluso relaciones personales. Mientras tanto, el dueño de ese sustituto lo maneja a distancia desde un sistema computarizado. Más que una Matrix en donde todo se desarrollaba en el mundo de las computadoras, aquí los humanos viven a control remoto. Todo es perfecto, es un mundo idealizado donde todos son bellos hasta que sucede un asesinato. Un robot es destruido sólo que el arma capaz de matarlo también acaba con la vida del hombre que lo maneja, aquí entran a escena los detectives Tom (Bruce Willis) Greer y Peters (Radha Mitchell).

El filme no pierde tiempo y con pocos minutos ya estamos inmersos en esta nueva realidad humana y el misterio a resolver, es un acierto ya que logra atrapar al espectador desde el inicio y en este caso no se ve apurada sino directa. Es un filme muy rico en la parte visual sin llegar a grandes logros en efectos especiales, la estética del mundo bello, los rostros de los sustitutos, la tecnología empleada para manejarlos, describe a la perfección los deseos humanos de ser ese otro que soñamos.

Más que en el desarrollo de la trama o como obra en general, Identidad... es valiosa por los temas que trata, que si bien no son del todo originales, sí tienen una visión más actual y sobre todo posible, cercana, lo cual la acercan a una credibilidad que el espectador puede comprar y no tiene que concederle mucho terreno a la fantasía, debido a que de alguna u otra forma ya vivimos una especia de virtualidad, ya somos otros, podemos tener otro nombre en una red social y poner una foto de alguien más; al mismo tiempo de estar comiendo en el trabajo estamos platicando con un amigo de otro continente, cada vez somos más absorbidos por estas redes de computadoras en vez de simplemente platicar, las charlas en los cafés no son tan populares como el twitter (el sumum de la dependencia a estas redes), la comodidad de la silla, la seguridad de la virualidad que nos hace menos vulnerables al roce social, al posible secuestro, a esos estornudos que acarrean virus, todo eso nos apega a la máquina, que nos cobija de nuestras inseguridades y de nuestros miedos. De una u otra manera todo esto se plantea en el filme, tener a alguien más que corra riesgos mientras vivimos en la comodidad de un cuarto.

La persecución del cuerpo perfecto va de la mano, cada quien puede tener el sustituto a su medida, pintar el cabello del color exacto, las mujeres tener las curvas soñadas, hombres con abdominales perfectos y sobre todo un rostro de juventud eterna, sin esas horribles arrugas que marcan los años, otra de las obsesiones de nuestra época, por eso el filme es próximo y el espectador lo adopta, más allá de sus logros artísticos.

El otto tema interesante que se aborda es que no todos tienen un sustituo, hay humanos que por ideología o por simple incapacidad de acceder a este beneficio, se vuelven seres relegados, subersivos, ajenos al sistema que ha implantado como norma vivir con un sustituto. Se crea una lucha entre los humanos y las "máquinas", los nostálgicos son los marginales.

La trama se desarrolla de una manera aceptable y además de servir para cuestionar esta nueva forma la existencia, también se va generando un interés en el espectador a pesar de que no hay grandes sorpresas.

Las fallas aparecen porque más que realmente dedicarse a un ejercicio en el que se profundize en los temas anteriores, Mostow agrega la acción que tanto le atrae. Bruce Willis tiene que ser Bruce Willis. Identidad... se aleja de la elegancia u oscuridad de cintas como Blade Runner (Ridley Scott, 1982) y prioriza más el aspecto del héroe y explosiones, acercándose más a películas como Yo Robot (Alex Proyas, 2004) o La Isla (Michael Bay, 2005) aunque no tan fallida como esta última. El filme de Mostow transcurre con temas inteligentes y un guión entretenido pero le faltaron menos lugares comunes para concretarse como una obra a recordar.

Por el lado actoral ,Bruce Willis es muy difícil de juzgar, sigo sin poder emitir un juicio sobre su capacidad histriónica, en ocasiones demuestra que tiene el talento para interpretar diversos roles y generar matices en sus personajes, pero hay ocasiones en que confirma que sólo es un tipo rudo. Aquí su actuación se balancea entre sus posibilidades y sus desatinos al dar vida a un detective adaptado a la nueva vida de los humanos pero que añora el pasado, etraña a su hijo que falleció y desea volver a ver a esa esposa con imperfecciones en el rostro pero es la que ama y no esa belleza falsa a la que saluda todos los días. Por momentos Willis agrega sensibilidad, pero por instantes su cara de chico malo lo hacen risible, quizás por eso funciona cuando se burla de su propia imagen.

Como conclusión, podemos decir que Identidad Sustituta es un buen ejercicio para señalar hacia dónde podría devenir todo este mundo virtual que nos consume, y nos aleja de la vida. Representa también un paso adelante para Mostow, que con este trabajo borra la mala imagen de Terminator 3. Se habla que su próximo proyecto es una nueva versión de La Familia Robinson. Por lo pronto, es tiempo de poner el punto final y escapar de este mundo virtual, mejor hablemos de cine en un café.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Estancados en Siberia

2009-10-08T07:52:00.000-07:00

Brad Anderson, quien con El Maquinista (2004) se mostraba como uno de los directores norteamericanos más prometedores, realizó una apuesta al aventurarse a un cine más comercial pero al que mismo tiempo conservara esa esencia oscura de su filme anterior. Sin embargo, todo lo conseguido por el realizador hace cinco años, se perdió en una mala jugada, ya que El Expreso De Medianoche (Transsiberian) es una caída dolorosa en su carrera.
La historia nos narra el viaje que realiza una pareja estadounidense en el tren Transiberiano, que viaja desde China hasta Rusia por toda la Siberia. Roy (Woody Harrelson) y Jessie (Emily Mortimer) aparentemente viven un presente feliz. Él es fanático de los trenes por eso optan por esta opción en vez de la comodidad de los aviones. Dentro de los vagones entablarán una amistad con la pareja formada por Abby (Kate Mara) y Carlos (Eduardo Noriega), quienes no son lo que aparentan y es ahí donde comienzan los problemas, las intrigas y la avalancha de nieve. A todo esto, se suma el personaje del detective Grinko (Ben Kingsley) quien investiga el asesinato de un traficante de drogas.
El comienzo de la cinta y la forma de involucrar al espectador quizás sea el mayor acierto de Anderson. El ritmo de los primeros minutos es interesante ya que la cinta nos sitúa pronto en el centro de los hechos sin ser apresurada, se logra generar un interés en los personajes y en cada instante se aguarda por el catalizador que lleve todo hacia la tragedia. Esa tensión y oscuridad que el director pretende en sus personajes se evidencia y hacen saber que algo se esconde entre toda esa alegría.
Aunado a esto, conforme los minutos avanzan se agradece que el guión sea sopresivo y tenga un par de escenas memorables. La mayoría de los personajes están bien construidos y muestran varios matices, á excepción de Roy, quien es el más detestable de la cinta debido a su falta de complejidad. Más allá del buen inicio y de diversas sorpresas en un guión, que tiene que serlo para no morir a la media hora, esta nuevo trabajo de Anderson no muestra muchas más cualidades. Quizás la parte visual sea otro punto a favor, ya que es diíficil filmar bajo estos escenarios naturales tan complicados y es interesante ver cintas de suspenso que se atrevan a salir de la comodidad. La sensación de viaje y estar en un medio desconocido agrega un toque de fragilidad a los personajes, los cuales s sienten vulnerables en cualquier momento.
Entrando en las fallas, lo peor de El Expreso... es que se derrite, la nieve sirve para muchas analogías y en este caso queda perfecta. Sobre la parte final se cae a pedazos, se vuelve inconsistente y algo que podía salvarse por su inteligencia inicial se derrumba al buscar la salida fácil, la solución increíble a un filme que hubiera podido mantener su elegancia, todo se vuelve inverosímil y eso ofende a un espectador que debe creerse lo que Anderson le propone, el director apela a la complacencia y en una película de este tipo no debe presentarse este hecho porque si no cae en el error de la mayoría de los filmes de acción.
Otro punto que se diluye es la profundidad de los personajes, los cuales se vuelven planos y sólo ejecutores de acciones, sus puntos de vista de la vida se olvidan en la parte final, como si lo importante fuera sólo resolver la cuestión más allá de la personalidad de cada uno de ellos. Todo sucede muy rápido y lo que se planteaba como un misterio que iba a saborearse poco a poco se nos presenta a pasos apresurados para resolvernos todo lo que ocurre y sólo ser partícipes de lo evidente.
En cuestión ideólogica para muchas mujeres el filme puede ser machista, quizás sea una forma de verlo o Anderson sólo quiso ser original. Lo que sí, y ahí no hay espacio para polémicas, El Expreso... es racista, ubicando a los chicos malos con nacionalidades ajenas a la estadounidense, además de ser confusa ya que no se establece en un punto concreto, su visión sobre el capitalismo puede ser crítica, pero luego hay frases de desprecio ante los rusos, ante China, problemas en los que incluso ni siquiera tenía que haberse inmiscuido el director, la cinta hubiera sonado menos artificial con diálogos sólo encaminados a la trama y alejados de cualquier discurso que no vale la pena incluir si éste ni siquiera tiene una postura.
En la parte actoral la película decepciona. Cuando en el reparto se presentan los nombres de Harrelson, Kingsley y Noriega uno espera duelos actorales, los cuales nunca se presentan. El personaje del primero es plano, un típico norteamericano bien portado, noño y que no tiene lados oscuros, para colmo Harrelson lo hace aún más exagerado y vemos casi a un tonto en pantalla. Lejos han quedado los días de ese actor que impactó en Asesinos Por Naturaleza (1994) o La Gente Contra Larry Flint (1996), realmente ver a Woody causa tristeza. En lo referente a Kingsley es obvio que es garantía en lo que hace, pero tiene pocos minutos en pantalla y no es un personaje que le permita lucir sus condiciones, desaprovechado totalmente. Noriega luce pero es víctima del estereotipo que se le impone a los actores latinos, tiene que ser el típico español cachondo que conquista a todas la mujeres, su galanura le ayuda a desarrollar el personaje además de que se nota su capacidad de agregar frescura pero no es el mismo de Abre Los Ojos o Tesis en donde no era víctima de su nacionalidad, también le faltó protagonismo. Quizás por ser el personaje con más claroscuros y mejor desarrollado, Mortimer, se termina apoderando del filme, también le ayuda que la trama gira en torno a ella y es el hilo conductor. La británica tiene una larga trayectoria en películas como Match Point pero en pocas ocasiones había tenido un rol principal.
Brad Anderson debe olvidarse de estos filmes comerciales y dedicarse a lo que demostró sabe hacer: ahondar en la mente del ser humano, ser innovador, presentar propuestas radicales y entregarse a su arte más que al éxito económico el cual tampoco está garantizado. Esperemos que el director regrese a su camino y pueda salir de esa nieve en la que se ha hundido antes de que se muera de frío, congelado en la búsqueda de la taquilla.

CALIFICACIÓN: MALA.

Los demonios del pasado

2009-10-04T10:08:00.000-07:00

Dentro del Tour de Cine Francés de este año, se presentó una cinta que demuestra el interés del cine galo en el desarrollo de películas de suspenso interesantes, inteligentes y que puedan mantener al espectador al filo de la butaca. El director Alfred Lot hizo su debut con El Cuarto De Los Muertos (La Chambre Des Morts), y a pesar de que hay ciertas fallas que la alejan de ser una gran obra, sí se convierte en una cinta memorable.
La trama une de manera perfecta a los personajes desde el principio. En Lyon, un secuestrador está a punto de matar a una niña, al mismo tiempo dos hombres manejan en un carro a toda velocidad tras haber cometido un acto vandálico en la empresa que los despidió, sin embargo, en su camino se les cruza un hombre al cual atropellan y que lleva un maletín lleno de dinero el cual deciden mantener en su poder ante la crisis económica que viven, el secuestrador ve todo desde su ventana, a partir de ahí, la joven detective Lucie Hennebelle (Mélanie Laurent) será la encargada de resolver el misterio tras las muertes del hombre atropellado y de la niña secuestrada.
Uno de los principales aciertos de la cinta es que logra mantener al espectador emocionado y en la búsqueda del culpable, lo vuelve un detective más y hace que con los pequeños guiños que nos presenta ayuden a descubrir poco a poco el misterio.
Los diversos personajes que se nos muestran en El Cuarto... están bien desarrollados y con varios matices, no hay malos ni buenos en un sólo plano. El personaje de Lucie es una detective fuera de lo común, ya que es una madre de gemelas, joven y que gana protagonismo minuto a minuto, se va haciendo fuerte y refleja la fuerza femenina de la cinta. Es un filme en donde mujeres afectadas en su pasado buscan de diversas maneras hacer cenizas los demonios que las atormentaron de pequeñas.
Otro punto a destacar es que Lot sabe que a pesar de los toques únicos con los que maneja el guión y su particular ojo, está consciente que no ha creado un filme cien por ciento original y aprovecha para hacer un homenaje a El Silencio De Los Inocentes, tanto a la obra escrita de Thomas Harris como al filme de Jonathan Demme, de hecho diversas secuencias son ejecutadas de una manera muy similar.
Otro punto importante es que a pesar de que está construida para buscar el entretenimiento de la audiencia y llevarla de la mano por los caminos del suspenso, trata de poner mayor énfasis en los problemas femeninos que en la búsqueda de la gran sopresa o del final impactante, se preocupa más por ser una obra redonda y no perder la elegancia. El destino es otro tema abordado, la cinta arranca de esa manera y los involucrados en el hecho ven una forma de cambiar su suerte, incluso la situación de pobreza y de estar perdidos en una Francia con pocas oportunidades nos muestra a personajes dispuestos a llegar al límite para salir del agujero en el que se encuentran.
Por otra parte, el perfil del secuestrador se delinea de forma correcta, ya que no se trata sólo de un demente o alguien malo por naturaleza, en su modus operandi hay todo un perfil de alguien afectado por su pasado y obsesionado por la búsqueda de la belleza, por lograr que la vida permanezca, por detener lo efímero, congelar la infancia en un instante, quizás dejar grabada en una niña la sonrisa para que la vida no se la quite. El Cuarto... funciona de manera poética y adquiere cierta profundidad cuando se aleja de los momentos típicos como persecuciones o el investigador solucionándolo todo con horas de trabajo y un gran cerebro que le permite conectar todos los detalles.
Quizás ese el mayor error de la cinta, resolverlo todo de manera muy rápida y acomodarlo casi de forma obligada hacia el final que se pretende. Considero que rumbo a los últimos minutos se pierde la naturalidad que se presentaba desde su escena inicial y todo trata de embonarse de una manera muy súbita. No hay espacio para un final más climático, el desenlace es anunciado y decepciona no tanto por lo que ocurre en la trama, más bien por la manera de ser presentado.
En la parte actoral no hay grandes despliegues que merezcan una mención aparte, el peso de la cinta se basa en la juventud de Laurent para hacer creíble a un personaje femenino que busca la verdad y está dispuesta a todo por descubrirlo todo, la actriz mantenie el nivel de fragilidad necesario para no crearla capaz de lograr cualquier objetivo.
Un aspecto que destaca es la parte visual, hay escenas impactantes, sobre todo aquellas que se relacionan con el disecado de animales, así como secuencias y encuadres que ayudan al manejo de suspenso de una manera muy acertada. La cámara de Lot es elegante acompañada de una fotografía que apoya el discurso de la intriga, oscuridad, luces tenues y un mundo oscuro en el cual se esconden los pecados de otros días.
Más allá de que no escapa a algunos lugares comunes, El Cuarto... se sabe un homenaje al cine de suspenso norteamericano, es consciente de lo que es y logra su mayor objetivo: tener en la palma de la mano al espectador. Más allá de que se cae sobre la parte final y de que los secretos no son tan difíciles de deducir, el secreto es que el ritmo narrativo es imponente y eso hace fuerte a este filme. Lot entrega así un buen primer trabajo que le servirá en su carrera como un punto de partida sólido el cual lo puede llevar a hacerse cargo de proyectos más ambiciosos.
Mujeres atormentadas por su pasado y la diversas formas de enfrentarlo es una manera de resumir este filme, el cual tiene su mayor virtud en no perder la elegancia, mantenerse como una coherente película de suspenso y que al no buscar la originalidad y concentrarse en seguir un ejemplo obtiene buenos resultados, aunque quizás éstos hubieran sido superlativos con mayor cantidad de reisgos y con la capacidad de mantener el aliento y la misma fuerza hasta el final, llegar a ese cuarto en donde el espectador se queda atónito y le dan ganas de aplaudir, por ahora Lot sólo se gana un reconocimiento silencioso y la esperanza de que un futuro se habrá atrevido a despojarse de sus demonios fílmicos para ser él mismo.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Como una cebolla

2009-10-01T09:52:00.000-07:00

El experimentado director Claude Chabrol, se hace presente en el Tour de Cine Francés de este año con dos filmes, Una Chica Para Dos (La Fille Coupée En Deux) y El Inspector Bellamy, hoy hablaremos de la primera y que el realizador estrenó hace dos años.

La trama aparenta sencillez, Gabrielle una joven hermosa (Ludivine Sagnier) es sólo una cara bonita que se encarga de dar el pronóstico del tiempo en una televisora de Lyon, por este medio conocerá al emitaño escritor Charles Saint-Denis, (François Berléand), un hombre de más de cincuenta años, quien goza de una gran fama, además de ser un seductor y sucumbir ante la belleza femenina. Sin embargo, en medio de ambos se interpondrá Paul (Benoît Magimel), un joven millonario y caprichoso que odia al escritor y que también queda impactado con la hermosa Gabrielle al conocerla en una librería.

El filme tiene varias capas y ese es su mayor acierto, lo que al parecer es sólo un filme en donde queda de manifiesta un triángulo amoroso sirve para sacar a la luz varios sentimientos del ser humano los cuales distan de ser puros o carentes de malicia.

Es un filme muy femenino, en donde las mujeres son parte de los caprichos de los hombres las cuales las perciben como un objeto manipulable. El personaje de Gabrielle representa esa inocencia inherente a su juventud, posee una gran belleza de la que parece no darse cuenta, es víctima al cree en el amor y su condición social también la define. Es el único personaje protagónico que no forma parte de la aristrocacia francesa, Paul es un millonario que vive de la herencia y lo que le dejó su padre, Charles debido al éxito de sus libros se encuentra en una posición cómoda y que también le permite sólo dedicarse a la literatura y a satisfacer sus placeres. Gabrielle nunca rompe esa inocencia, se entrega sin más, es un personaje casi puro que no busca algo más allá de sus acciones.

En cambio, los personajes masculinos se relacionan con Gabrielle alejados de cualquier utopía del amor eterno, de la pasión entregada. Desde el principio Charles deja claro que él será quien marque los ritmos, dice amar a la chica pero la usa más como un trofeo, la endulza con palabras que distan de los hechos y no desiste a su matrimonio el cual se presenta como sólido más allá de las infidelidades que están sobre la mesa.

Paul tampoco ama, se encapricha por tener, poseer todo lo que le gusta y más si se lo puede quitar a alguien que odia. Esta rabia surge porque el escritor conoce su pasado, sin embargo el filme deja claro que ningún hombre puede juzgar al otro.

Gabrielle se mueve casi sin voluntad, busca complacer y dejarse llevar más por el corazón, lo cual la hace frágil ante seres tan cerebrales, un hombre que necesita un juguete y un joven que sólo busca poseer para lastimar.

Si se sigue adentrando en la cebolla, la cinta no sólo indaga en los sentimientos relacionados al amor, es una crítica a la aristrocacia francesa, a los caritativos que buscan quedar bien en sus círculos pero no son capaces de darle nada a quien tienen cerca, familias adineradas llenas de secretos que ensuciarian cualquier pared.

Más hacia el corazón de la cebolla, Una Chica... también golpea al esnobismo, a la literatura, a hombres sabios pero carentes de sensibilidad, fríos y mentirosos. No hay nunca en esta cinta un amor idealizado, por más que Gabrielle crea que algo le conviene el espectador sabe que en cada hombre que aparece hay algo oculto, cada uno huele un poco mal, por momentos ni siquiera Gabrielle queda inmune. El filme está muy bien dirigido por Chabrol, maneja bien los ritmos y hay verdadera empatía con los personajes; más allá de en ocasiones parece que no pasa mucho siempre hay una sensación de una pesadez latente, la tragedia anunciada y que sólo espera el momento justo para atacar.

Más allá de que el desarrollo de los personajes es muy bueno, hay detalles en ellos que por los vuelven clichés y es donde pierden su fuerza, esto le pasa sobre todo a Paul, la interpretación de Magimel no es del convincente, su estereotipo de rico caprichoso está caricaturizado y es en ese punto donde Una Chica... resulta molesta, de ahí en más Sagnier y Berléand logran buenas actuaciones y la primera agrega varios matices que hacen que la hacen irresistible.

Otro error es que la última escena del filme muestra lo que faltó durante los minutos anteriores. La belleza del final es muy eleveda a comparación de la carencia de poesía que se presentó en los 110 minutos anteriores, más detalles como el del desenlace (el cual no voy a contar) hubieran hecho de esta cinta una experiencia más rica en el aspecto visual. Como último detalle negativo, me parece que hay escenas sobrantes y que el filme se alarga, en ocasiones es necesario dejar ir al espectador minutos antes y ansioso de más.

Una Chica Para Dos es una excelente radiografía de cómo cada individuo tiene una forma distinta de acercarse a la pasión y de comprometerse ante el amor; es también un mapeo de las clases altas y la hipocresía que las caracteriza, es una forma de no idealizar a la literatura ya que los escritores no son sólo personajes románticos y taciturnos, éstos también son oscuros y no se escapan del vacío.

Sí, de primera impresión esta cinta parece simple y plana, pero al siguiente día nos daremos cuenta que comimos una cebolla que tarda en digerirse.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Prision Break a la francesa

2009-09-22T15:48:00.000-07:00

Dentro del Tour de Cine Francés en México se exhibe una cinta que parece todo menos francesa. Por Ella, película dirigida por Fred Cavayé, realizador de una trayectoria naciente y que puede tener un gran futuro si es que cuida los detalles en sus guiones, ya que demuestra tener un buen ritmo cinematográfico.
La trama se centra en la pareja formada por Julien (Vincent Lindon) y Lisa (Diane Kruger) quienes se ven felices, apasionados y compartiendo los primeros meses de la vida de su hijo. Un día la policía llega y detiene a Lisa por haber cometido un asesinato. De ahí, el filme brinca tres años para mostrarnos la transformación del Julien, quien de ser un simple profesor terminará diseñando un elaboradísimo plan para que su mujer pueda fugarse de la prisión en la que se encuentra.
Lo más sobresaliente del filme es el ritmo con el que se desarrolla. El guión nunca suelta al espectador y lo mantiene atento a toda la intriga y los pasos cada vez más complicados y oscuros que da Julien. El ritmo inicial y la primera media hora es lo más destacable ya que funciona como un excelente gancho que no permite escapar ni caer en el aburrimiento, hay misterios que resolver, esperamos una intriga mayor y creemos que el personaje de Julien será frágil en algún momento y evidenciará que es un profesor que no puede hacer nada más que aceptar la realidad. Por Ella es una cinta bien dirigida y que con el poco presupuesto que tiene logra su objetivo principal que es el entretenimiento y que el público que asiste a la sala cinematográfica pase un buen rato, sin embargo por ahora Cavayé sólo deberá conformarse con haber cumplido ese objetivo, ya que su obra carece de oscuridad, profundidad y parece diseñada en un estudio de Hollywood, ya que pondera el ritmo y desdeña la inteligencia y credibilidad del guión el cual se va derritiendo como una vela.
El mayor problema es que resulta increíble el plan trazado por el profesor para liberar a su mujer, es un personaje que no concuerda con lo que se propone y termina dando risa por instantes. Los clichés de varias escenas son un gran error, maneras de escapar vistas miles de veces, una Policía que pasa de lo sublime a lo ridículo, así como los delincuentes franceses que de ser crueles se convierten en fácil presa de los engaños de un profesor.
La idea de llevar a una persona común a sus máximas consecuencias es interesante, sin embargo funciona cuando las hazañas del tipo ordinario se desarrollan dentro de un marco verosímil, cuando la suerte interviene o simplemente porque la historia conlleva tintes fantásticos que apoyan al personaje a lograr sus objetivos. En este caso todo se fundamenta en la inteligencia de un profesor que actúa como el más experimentado de los delincuentes, como si el rescate a su esposa fuera otro trabajo más en su lista de escapes de prisiones, sorpresa que podría haber llegado al final en el guión pero nunca se hace presente.
De hecho esa es otra falla de este filme, hay pocas sorpresas. Aunque no siempre son necesarias, resulta decepcionante esperar algo más y no obtenerlo. Por Ella se queda en la anécdota de hasta dónde puede llegar un hombre por amor. Cuando el filme ya toma su forma y sabemos que se engloba sólo en una cuestión, nos queda sólo la sensación de estar presenciando el resumen de una temporada de Prision Break sólo que con menor presupuesto, las tramas son igual de inverosímiles.
En el aspecto visual la cinta no aporta mucho y parece que improvisa en el guión para no tener que filmar grandes escapes de la cárcel. Los exteriores franceses son poco aprovechados y la edición ayuda al buen ritmo y hay escenas interesantes que aportan a la narrativa, aunque tampoco es sobresaliente en este aspecto.
La parte actoral cumple, Vicent Lindon (de amplia trayectoria en Francia) quizás es lo mejor de la cinta. Ya que logra imponer algo de credibilidad a un personaje que no la tiene en el esqueleto del guión, además de que soporta sólo la cinta. Diane Kruger (a quien proximamente veremos en Bastardos Sin Gloria de Tarantino) no participa en escenas climáticas como para hacer de Lisa un gran personaje, además que el posible misterio de la cinta se revela pronto y convierte le roba todos los matices que pudo tener este personaje.
A pesar de todo esto Cavayé debe estar contento, demuestra que su trabajo tras la cámara es interesante, ya que logra entretener con un guión pobre y sin fuerza, quizás con una historia más inteligente consiga una obra de más calidad. De cualquier forma, vaticino que encontrará trabajo en Hollywood, seguramente alguien le ofrecerá un guión de mediana calidad que él intentará rescatarlo de esa prisión del fracaso.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

El silencio

2009-09-11T16:42:00.000-07:00

Aunque lamentablemente no llega a nuestro país la totalidad del cine turco, aún se encuentra en cartelera Tres Monos (Üc Maymun) película dirigida por Nuri Bilge Ceylan, quien a pesar de no contar con un gran reconocimiento, tiene ya una amplia trayectoria y su oficio se demuestra en su más reciente filme.

La trama es sencilla: Servet, un candidato político, atropella y mata a una persona en la carretera y de noche, por lo que nadie se da cuenta que él es culpable. Para no ver afectada su trayectoria y futuro electoral, le pide a Eyup, su chofer, que él asuma la culpabilidad del asesinato a cambio de darle en un años una gran suma de dinero y protección a su familia. Las cosas comenzarán a enredarse cuando Hacer, eposa de Eyup e Ismail, hijo del chofer, acudan con Servet para reclamar lo que les pertenece.

Uno de los principales aciertos de la película es la estética que maneja. Está creada bajo las normas instauradas por el movimiento Dogma 95, ya que la iluminación es escasa y toda parece surgir de fuentes naturales, de igual forma, la música sólo se presenta cuando se escucha a través de un radio o de los tonos de celular. Es sobria, elegante y su austeridad más que evidenciar falta de recursos se muestra como una preocupación por mantener al cine en su estado natural.

En lo referente al guión, la cinta va creciendo en dramatismo como si un gato fuera enredando poco a poco un estambre. Todo parece ir en calma, hay secuencias que quizás varios pensarían pueden evitarse, en varios momentos se omite la elipsis y vemos trayectos de un punto a otro casi irrelevantes, sin embargo todo cumple la función de transmitir ese mensaje de que nada pasa, soportar la calma de las ciudades turcas, el calor desesperante, la pesadez que flota en el aire, saturación de colores sepias que hacen todo aún más aburrido, la película incluso parece tener la misión de cansar al espectador, mientras un drama se gesta.

El filme es una oda al silencio y todo lo que éste representa. El sometimiento de las mujeres que no pueden entregarse a una pasión, los hombres a los que les es complicado expresar sus sentimientos, el mutismo ante la corrupción, el callarlo todo, no ver lo que sucede, el silencio como sinónimo de complicidad en sociedades que prefieren esconder los pecados, callar los conflictos y dejarlos encerrados bajo las cuatro paredes. El silencio ante el pasado, que queda oculto en la memoria, situaciones trágicas que surgen como fantasmas de la nada. La película incluso se atreve a dar guiños de terror , quizás sea la parte más genial del guión, agregar uno o dos elementos realmente sopresivos en una cinta que no es del género y que aparentemente transcurre en una quietud de río muerto, casi como un lago, sin embargo un remolino duerme en las entrañas.

En lo referente a las fallas, considero que hicieron falta un par de subtramas o tener un par de secuencias más dialogadas para aligerar este camino desértico y contemplativo, pequeños oasis que sirvieran para refrescarnos un poco y permitirnos disfrutar el paisaje a pesar del calor.

Como mencioné anteriormente, en el aspecto visual no hay nada que reclamarle, no puede negarse la elegencia de la cinta así como el tener una propuesta de fondo, que si no es original le agregan un sentido muy apreciable de naturalidad.

En la cuestión actoral es Hatice Aslan (quien interpreta a Hacer) quien lleva el peso de la cinta aunque la trama sea disparada por los actores masculinos. Es ellla quien mayor responsabilidad actoral carga sobre sus hombros al interpretar a una mujer víctima de sus circunstancias y de sus pasiones inontrolables. Los demás actores cumplen pero tampoco tienen oportunidad de actuaciones destacadas, ya que la cinta más que centrarse en el lucimiento de sus intérpretes funciona como un todo que engloba a los personajes en seres comunes afectados por un destino trágico.

Tres Monos es una obra que confirma el estilo turco de hacer un cine silencioso, diseñado para esperar, profundo, que aborda varios temas desde historias sencillas y que al mismo tiempo sabe encontrar la mejor manera para que el tema principal luzca. Este filme es una obra completa, que quizás muchos ansiosos amantes del placer inmediato no podrán soportara, sin embargo si se le tiene paciencia y se emite un juicio hasta su último minuto habremos obtenido una gran recompensa por saber aguardar y ser un cómplice más.

CALIFICACIÓN: BUENA.

La misma mentira

2009-09-05T22:47:00.000-07:00

La Cruda Verdad (The Ugly Truth) dirigida por Robert Luketic (21, Legalmente Rubia) promete ser una cinta diferentey dispuesta a romper con los parámetros de las comedias románticas, su problema es precisamente ese, sólo lo promete.

La trama se centra en la Abby (Katherine Heigl) una productora de televisión cuyo programa se ve afectado en el rating y está a punto de ser cancelado. Para revitalizar el show los ejecutivos deciden contratar a Mike Chadway (Gerard Butler), un conductor de otro canal que está a cargo de un programa en en que se encarga de mostrar la cruda verdad a las mujeres acerca de los hombres y de la forma en la que deben tratarlos y entenderlos, además de que dejen de buscar al hombre ideal y perfecto que idealizan ya que no existe. Al principio Abby y Mike no pueden relacionarse, pero en un punto ella necesitará su ayuda y ahí el guión de la cinta sugiere que vendrá lo interesante, ya que la productora deberá modificar bastante sus actitudes para conquistar al hombre de sus sueños con la ayuda de los consejos de Mike.

Si la cinta tiene aciertos es que por momentos logra algunas risas con diálogos inteligentes. Sobre todo las mujeres más ingenuas descubrirán los verdaderos pensamientos del hombre, además algunas frases interesantes y sueltas que hay que pescar para obtener algo en este lago muy seco. La irrevencia es lo de lo poco rescatable del film, y esto en parte se debe a que Butler entiende muy bien su personaje y encaja a la perfección cuando tiene que interpretar a chicos malos o poco convencionales, quizás lo mejor del filme sea la naturalidad y la gracia con la que el británico actúa, aunque tampoco es una interpretación genial. El último punto destacable es la crítica a la televisión y a la poca dignidad que se guarda con tal de conseguir audiencia, sin embargo este tema se deja de lado y se pierde, el golpe a las cadenas televisivas no es contundente y el guión prefiere ahondar en la guerra de sexos.

Aunque estoy consciente que no hay que pedirle peras al olmo, sí hay que esperar de cada árbol su mejor futro, por eso hay que ser exigente con todo filme y no se pude ser condescendiente, esa es la causa por la que encuentro una lista de fallas en La Cruda...

Las dos primeras y quizás las más importantes, es que se vende como una película en la que podrá encontarse con algo diferente, sin embargo sólo es lo mismo que se ha visto una y otra vez, guerra de sexos, hombres machistas, consejos de conquista, situaciones embarazosas de poca creatividad. El segundo error es que a pesar de sus noventa y seis minutos, la cinta no pasa ligera porque es aburrida, le faltan momentos en donde realmente se generen más risas o si su tendencia es ser más profunda , atreverse a la crítica fuerte, a diálogos despedazadores y contrapuntos que generen en el espectador un shock.

Otro descalabro es que el guión se encuentra lleno de momentos forzados, como bromas aisladas capaces de hacer reir en sketches pero en un filme no lucen naturales, están puestos con calzador y además durante todo el tiempo en la cinta hay escenas que uno ya ha visto y la sopresa prometida o la esperanza de encontrar algo distinto se diluye. Otro punto negativo es que en vez de obtener al final ese mensaje de irreverencia y que la película sostenga un discurso coherente, se encamina hacia donde iría cualquier cinta clásica del género. Toda sesgo de originalidad se desvanece entre los dedos.

En la cuestión visual y musical el filme tampoco aporta nada, la banda sonora parece una calca de todas las cintas de verano, un ejemplo es que el tema Right Round interpretrado por el rapero Kesha aparece en los créditos finales de igual forma es utilizada en ¿Qué Pasó Ayer?, quizás este año no habrá comedia en donde no aparezca esta canción. En la parte actoral ya hablé del buen trabajo desempeñado por Butler, al contrario, Katherine Heigl no se luce y a pesar de ya tener varios protágonicos, no deja de ser la actriz Grace's Anatomy, ya que es difícil separarla de su interpretación en esta serie porque la actriz no logra hacer únicos sus personajes.

La cruda verdad y triste es que nos enfrentamos a otro filme romántico desechable y que no aporta, su irreverencia es una máscara y su poco atrevimiento la hacen mentirosa, poco disfrutable, sólo los fans de Butler confirmarán su capacidad actoral, de ahí en más podemos mandarla al cajón del olvido sin ningún problema.

CALIFICACIÓN: MALA.

Más amor que ciencia

2009-09-01T21:04:00.000-07:00

Lo más destacable de Te Amaré por Siempre (The Time Traveler's Wife) es la excelente química que muestran en pantalla los actores Eric Bana y Rachel McAdams, quienes a través de sus interpretaciones mantienen a flote y llevan a puerto seguro a esta cinta dirigida por el alemán Robert Schwentke, de corta y poco relevante trayectoria.

A pesar de que el director no tenga un gran nombre y de que el título en el español de la cinta nos devele una historia solamente de amor, la visión de los viajes en el tiempo agrega fuerza a este filme. La trama se basa en la vida de Henry DeTamble, un hombre afectado por una enfermedad que lo hace viajar en el tiempo, lo peor es que además de trasladarse a otros años de su vida no puede intervenir ni cambiar nada de su pasado o futuro, lo cual lo hace por ejemplo observar varias veces cómo muere su madre cuando era un niño. Sin embargo la historia fundamental es cuando en uno de sus viajes al pasado, un Henry de alrededor de cuarenta años se encuentra con Clare Abshire una niña que se enamorará de este personaje que la convence de que es un viajante en el tiempo y con el cual se casará cuando ella sea grande, de esta forma nos damos cuenta que Henry se trasladada recurrentemente a los momentos más importantes de su vida.

Más allá de la química actoral que muestran Bana y McAdams, el mayor acierto de esta película es que se nos narra una historia de amor eterno, se toca el tema de la muerte, la fragilidad de los momentos, la imposibilidad de derrotar al destino pero combinada con el aderezo de los viajes en el tiempo, lo cual agrega un mayor punto de interés a una simple historia romántica.

Esta propuesta que busca (aunque no siempre encuentra) agregar mayor inteligencia al guión, hace que Te amaré... se vuelva un poco más compleja y agradable para varios tipos de espectador.

En el aspecto visual tanto en lo que respecta a fotografía como edición la cinta es elegante y no apela a grandes efectos especiales para ejemplificar los viajes en el tiempo, cuando Henry desaparece de un lugar, se esfuma y se borra de la pantalla como un recuerdo que se pierde. La cinta no pierde ese toque narrativo y de novela de la cual se origina, al estar basada en el texto de la escritora estadounidense Audrey Niffenegger.

Pero quizás el mayor logro es la capacidad de conmover del filme, aunque el espectador no quede completamente satisfecho al final, es indudable que Te amaré... es de las cintas capaces de generar lágrimas, más que por el poder de su guión lo logra porque los dos actores principales están bien dirigidos y entre ellos se genera una relación memorable en cintas donde el amor es el pilar fundamental.

Los errores radican cuando se sale del terreno romántico y tiene que darle fuerza al tema de los viajes en el tiempo. No hay rigor científico en las teorías de los trasladados. L visión de que se trata de una enfermedad genética es novedosa e interesante pero poco fundamentada y cuando el espectador trata de ensamblar los tiempos y si es posible que esté aquí o allá y la confusión comienza, la cinta no hace mucho por ser clara, no se preocupa por este aspecto. Los viajes en el tiempo terminan siendo un pretexto para justificar la metáfora de la ausencia, de la permanencia eterna en la mente y de que no podemos cambiar el destino para bien o para mal. Viendolo así, funciona a la perfección, pero aplicando un análisis de errores, coherencia y credibilidad la cinta no sale bien librada, ya que hemos visto otras cintas o series que manejan este tema y se rompen la cabeza para buscar algo de credibilidad, aquí simplemente no hay esa preocupación. Otro error es que la película se toma demasiado tiempo en disparar los puntos de interés, y aunque en ocasiones se agradece esta paciencia aquí hace que la primera parte transcurra un poco lenta y carente de ritmo.

Te Amaré por Siempre es una historia de amor novedosa y que bajo la visión del tiempo se alimenta de metáforas ya dichas pero nunca hartantes. Es efectiva, ya que logra su mayor objetivo el cual es conmover con excelentes actores y entretiene más allá de que no logrará ser recordada como una gran obra, sin embargo se agradecen cintas que busquen tratar el tema del amor eterno desde diferentes ángulos. Un poco de mayor atención a los detalles científicos y un mejor ritmo en el guión hubieran hecho de este filme uno de las mejores del año, pero sólo puede ser catalogada como un buen intento. Lo más importante: la confirmación de Bana y McAdams como grandes estrellas capaces de dominar una pantalla.

CALIFICACIÓN: BUENA.

El mismo efecto que el alcohol

2009-08-24T22:07:00.000-07:00

¿Qué Pasó Ayer?, (The Hangover) película dirigida por Todd Phillips (Starsky and Hutch, Old School) no trasciende como una gran cinta y tampoco alcanza niveles de esas comedias inteligentes para recordar por muchos años, sin embargo, logra su objetivo primario: las risas sin necesidad de bromas estúpidas o totalmente escatológicas y a través de un paseo por Las Vegas brinda al espectador el material suficiente para que durante sus cien minutos las carcajadas se hagan presentes sin interrupción en las salas de cine, lo cual es aplaudible.

La trama narra la aventura de cuatro hombres que celebran una despedida de soltero y están dispuestos a pasar un loco fin de semana en Las Vegas, Doug, Phil, Alan y Stu harán miles de locuras durante una noche y al otro día los problemas aparecerán uno a uno formando una bola de nieve imposible de controlar.

Uno de los principales aciertos de la cinta es que se desarrolla con fluidez, no pierde el tiempo y desde el primer instante sabemos que los personajes principales se encuentran en un gran problema: Doug (el novio) se ha perdido y será complicado que regrese a la boda, de ahí la cinta nos hace viajar días atrás para saber cómo se llegó a ese punto, de esta forma a su tono cómico se agrega la necesidad de descubrir el misterio de cómo se han involucrado en ese embrollo.

A pesar de que por momentos la comedia es física y no se basa tanto en los diálogos, el ser partícipes de esta decadencia, de cuatro pobres tipos que no recuerdan nada, y que sólo van cayendo en un abismo provocado por la resaca resulta entretenido; más allá de que no se esté frente a un guión de excelente manufactura, cada una de las secuencias que persiguen la risa están bien estructuradas y lucen naturales. Es una comedia fresca, disfrutable por cualquier espectador, un humor fácil de digerir pero no es estúpido al nivel de muchas cintas norteamericanas, con su desfachatez e irreverencia hacen que el espectador se sienta involucrado en las aventuras de estos hombres.

Si la película tiene fallas es que no se preocupa por trascender o ser ambiciosa y tratar de perdurar por varios años en la mente del espectador. Es sólo un golpe que dura mientras se está en la sala, de ahí en más la cinta no se hace memorable ni se puede decir de ella que es una joya cinematográfica o capaz de colocarla en la lista de nominaciones a varios premios como pasó con la inteligente y perfecta Little Miss Sunshine, que al agregar toques de drama y seriedad, incluso hasta filosofía a una comedia de un viaje crearon una de las cintas de humor más inteligentes de los últimos años. Lo que pasa con The Hangover es que estar frente a ella produce el mismo efecto del alcohol al que hace referencia su nombre, divierte, nos hace reír, nos emborracha, pero no nos acordaremos mucho de lo que pasó, lo mismo sucede con este fime, produce el mismo efecto que el alcohol.

Uno de los puntos más fuertes de la cinta es la parte actoral, los tres hombres que más minutos tienen en la pantalla saben sostener la cinta y cada uno con agrega la personalidad a su personaje y lo hace fuerte y disfrutable. Bradley Cooper, el nuevo galán y perfecto para las comedias románticas de Hollywood, interpreta a Phil, un profesor irrevente, divorciado y que aboga por la libertad de los hombres a divertirse y no someterse a las mujeres, es el motor del grupo y quien toma el papel de líder, su presencia e samena y sabe agregar varios matices a su personaje que está bien logrado y va más allá de su papel de galán en el cual puede ir encasillándose. Otro de los roles sobreslientes es el trabajo que realiza Ed Helms, que a pesar de tener una larga experiencia en la comedia de televisión nunca se lo había visto en un protagónico. Aquí sabe confeccionar a Stu, un hombre dominado por su esposa y que encuentra en Las Vegas su oportunidad de otra vida, aunque para él todo sea preocupación a no ser descubierto será el personaje que mayor cambio sufre y quizás el más interesante según lo planteado por la cinta. Como no podía faltar un excentrico, Zach Galifianakis da vida a Alan, cuñado de Doug y que se une a este viaje para agregar su locura, un personaje extraño, que aporta incertidumbre, está bien trabajado y su falta de límites sirve para llevar a los niveles más extremos la comedia, un personaje fuerte e importante. Si la cinta no cae es por estos tres actores, ya que quizás en manos de figuras más conocidas en este proyecto -Adam Sandler o Ben Stiller por ejempl-, se hubiera caído en dar más fuerza a ellos y en lo que son sus estilos que en dejar que los personajes fluyan naturales a través de estas caras aún poco familiares, la dirección de Phillips también aporta para lograr este resultado honesto.

De ahí en más ¿Qué Pasó Ayer? funciona pero sólo como una comedia, como una gran fiesta de casi dos horas, sin embargo le faltó ser más arriesgada, quizás un poco más oscura como lo vimos en Malas Compañías (Very Bad Things ,1998) de Peter Berg, otro viaje a Las Vegas que termina en un caos. Sin embargo, más allá de que The Hangover es sólo risa, a veces quizás no haga falta más que eso, dejarse perder en esos ríos de carcajadas y olvidarse de todo, es a lo que apuesta Phillips y lo consigue con un filme dinámico, no hay que pedirle más que lo que se espere de una buena fiesta, al final de cuentas el espectador se convierte en otro integrante que acompaña a estos cuatro tipos a ese lugar en donde todo puede ocurrir, a ese desierto lleno de placeres y juegos en donde incluso se puede descubrir que la vida fuera de ahí para muchos es sólo falsedad para apagar sus instintos.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Entre el destino y las letras

2009-08-18T10:42:00.000-07:00

Vivir de Nuevo (Reprise), película realizada por el debutante Joachim Trier, llega a nuestro país tres años después de su año de realización, sin embargo este filme danés vale la pena ser apreciado ya que acierta en su trabajo formal y temático al ser una buena obra que no sólo habla de escritores jóvenes sino de las posibilidades del destino.

La trama nos narra la vida de dos autores Erik y Philip, ambos mandan al mismo tiempo el manuscrito de sus novelas a la misma editorial y sólo el segundo recibe la buena noticia de que será publicada. Tras su breve éxito, Philip es internado debido a varios problemas con su novia Kari y a la obsesión que ella le provoca, además de no poder tolerar el triunfo repentino. La película parte desde ese punto, Erik deberá ayudarlo para que vuelva a escribir, recuperar las ideas y reincoporarse a la vida cotidiana y a sus relaciones con sus amigos.

La cinta posee varios aciertos, ya que en poco más de hora y media alcanza a tocar diversos temas referentes a la literatura además de establecer a ambos jóvenes en sus relaciones personales y las implicaciones que las mismas tienen para su escritura, por ejemplo, si tener pareja afecta en la creación de un genio, si lo distrae de su verdadero objetivo . Uno de los tópicos tratados es la fama repentina, el éxito que depende las críticas más que del talento, jóvenes escritores que buscan crear su obra perfecta en donde el fondo sea más que la forma y no sólo ser recordados por un momento o moda. La pelea por mantener los ideales es otro aspecto tratado, la lucha por la individualidad y permanecer fiel a lo que se cree también es puesto sobre la palestra, la imitación de los ídolos, ambos son seguidores de un escritor que se hace llamar Sten Egil Dahl en alusión a Stendhal y esperan un día poder conocerlo e igualarlo en sus logros. Philip y Erik se encuentran en la búsqueda de su sueño, sin embargo el primero está más sumido en sus problemas existenciales, depende más del amor, Erik en cambio sólo lucha contra el trabajo cotidiano, el talento que quizás no es tan natural como el de su compañero.

La forma en la que está construida la cinta ayuda a narrar la vida de estos autores, el guión habla como un libro, presenta las diversas posibilidades que pueden atravesar los personajes, aunque nunca deja abierto esto, sólo lo hace como un juego dejándonos claro qué es lo que ha sucedido. Plantea el destino de cómo un acto va modificando el futuro siguiente y el camino hacia un triunfo o una derrota.

Otro de los mayores logros es la relación de amor entre Philip y Kari, es poética y a la vez cruel, tormentosa, una pareja que trata de renacer, volver a ser la misma antes de que el escritor fuera internado, repetirse para encontrar los mismos puntos románticos, aunque esto sea casi imposible. El personaje de Philip se encuentra sumido en una falta de motivaciones para volver a escribir y quizás nunca las encuentre, tal vez porque eso no es lo más importante para él.

Si la película tiene fallas radican principalmente en que a pesar del dinamismo formal con el que plantea varias posibilidades, por momentos Vivir... es un poco lenta y le cuesta avanzar en un guión que a pesar de ser complejo en temática en simple en su trama y eso hace que la cinta se estanque en una historia plana, ya que más que moverse a través de hechos pone su intensidad en los temas y en la necesidad de la segunda oportunidad para todos.

Formalmente este filme más que original es preciso. La selección de la estructura para lo que se quiere contar es atinada, además de que habla precisamente de eso, de escritores que buscan la mejor manera de narrar una historia y que la originalidad tenga un contenido y esta cinta lo logra. Funciona como una novela-ensayo en donde el destino, la amistad, los ideales y la escritura como una aventura complicada para el cerebro se mezclan creando a jóvenes complejos, los cuales tratarán de escapar de las garras de la mediocridad, del miedo y la soledad.

Actoralmente tanto Anders Danielsen Lie (Philip) y Espen Klouman-Heiner (Erik) ambos jóvenes con poca experiencia logran desarrollar bien a sus personajes, al interpretarlos con frescura, inteligencia y la naturalidad que requieren dos escritores que tienen problemas a pesar de vivir en una Noruega que aparentemente no tiene problemas económicos y es privilegiada. Su manejo de los personajes ayuda a que resulten creíbles y no un estereotipo del escritor y del joven con problemas emocionales, en sus facciones camina la alegría a lo igual que la desesperanza y una inteligencia que busca la manera de hacerse presente en los textos.

De esta manera, Trier da un paso firme como debutante y si sigue por este camino quizás pueda unirse a esos dos grandes nombres del cine actual danés que son Lars von Trier y Thomas Vinterberg. Con Reprise Joachim entregó un filme inteligente, capaz de conmover sin ser manipulador, con varias frases poderosas y con la visión de que cualquier hecho en nuestra vida es capaz de cambiarnos para siempre, un filme de prioridades, hambriento de encontrar un ideal, ese sueño que quizás ya se pudo haber escapado, tal vez ya vivimos nuestro mejor momento y no lo sabemos, tal vez todo ya vaya en descenso, por eso Trier propone vivir de nuevo, dar otra vuelta para reescribir nuestra historia y sentir las glorias de otros días, borrar los errores y esperar por un final distinto.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Esa visión tan dulce

2009-08-10T14:41:00.000-07:00

El británico Mike Leigh (director de películas como Vera Drake y Secretos y Mentiras) llega a nuesro país este año con una cinta que estuvo nominada a mejor guión en la más reciente entrega de los Óscares: La Dulce Vida (Happy-Go-Lucky), la cual desarrolla a un personaje maravilloso e inolvidable, generando así una comedia de alto grado de inteligencia.

La trama es simple, se centra en la vida de Poppy, una maestra de primaria cuya característica principal es ver la vida sin preocupaciones, relajada, siendo amable con los demás, sonriente todo el tiempo, despreocupada por las relaciones personales con el sexo opuesto y siempre dispuesta a ayudar a los demás y a creer que hay una oportunidad para todos. En medio de conocer su peregrinar cotidiano, su trabajo, la relación con su familia, con sus alumnos Poppy se embarca a la tarea de aprender a manejar, sin embargo se encontrará con Scott, su maestro de manejo, un tipo maniatico, con una visión de la vida totalmente opuesta a la suya, un poco machista, racista y que no tuvo una infancia feliz, lo que lo lleva estar totalmente desencatado de nuestros tiempos, en este choque la cinta establece su potencial y nos plantea dos maneras de ver el mundo.

Los aciertos de La Dulce... son varios, ya que más allá de ser una comedia en donde vemos a Poppy en miles de ocurrencias y bromas que a muchos llevan a las carcajads, el lado más fuerte de la cinta es cuando se vuelve inteligente y crítica, deja de ser entonces una simple comedia de las aventuras de una mujer divertida para convertirse en todo en un ensayo sobre la felicidad y el cristal con el que escogemos mirar nuestra realidad. La cinta tampoco propone en Poppy a alguien evasivo, sino más bien a un ser consciente de que la amargura no la lleva a nada y que para la acción sólo le sirve la sonrisa que es parte de ella, su esencia, una felicidad real, conforme con lo que es, más allá de ser una mujer ya en los treinta, no casada, sin hijos y alejada de los estándares de la felicidad que se establece para las mujeres (entiéndase el matrimonio, la casa perfecta y el marido soñado), ella es única y en su autenticidad reside gran parte de su capacidad para poder ser alegre y natural.

También el guión aprovecha para hacer una crítica al sistema educativo y cómo sólo se desarrolla un lado del cerebro, se educa nada más para memorizar datos quizás irrelevantes y se bloquea a ese individuo con capacidades críticas. Sin forzarse, y como parte natural, la trama también llega a tratar temas como el reciente racismo nacido en las sociedades europeas debido al gran número de migrantes y cómo esto es visto por muchos como un símbolo de decadencia. En Poppy la mujer se reivindica, porque es una chica feliz sin ser tonta, una belleza natural, no se la encasilla, además de transmitir una gran frescura y naturalidad, es la mujer moderna, libre, capaz de ser ella sin necesidad de estar rodeada de alguien para sentirse bien o de poseer las comodidades del siglo XXI.

Si la película tiene debilidades deben centrarse quizás en la trama, no tanto porque la misma contenga huecos o fallas en la coherencia, más bien porque es simple y aunque va de acuerdo al tono del guión, hace que la cinta luzca un poco débil en cuanto a una historia a seguir y sólo seamos testigos de las aventuras de Poppy que nos permiten adentrarnos a la visión de su vida, más que una película que nos narre algo, La Dulce es un filme de personaje y no de trama, hubiera sido más redonda e impactante si esta cinta hubiera enfocado esas mismas características de su personaje en un trama un poco más compleja, de ahí en más no hay nada criticable.

Leigh realiza una estupenda dirección con un presupuesto limitado, su cámara permite conocer a fondo los personajes, se mete a la intimidad de ellos y hace incluso de cada sonrisa de Poppy un mensaje, logra llevar a Sally Hawkins (en su primer protagónico de relevancia en cine) a una actuación memorable, la actriz londinense con experiencia en televisión y quien ya había trabajado para Woody Allen en Los Inquebrantables, da vida a uno de los personajes que serán más recordados este año, ya que lo más brillante de su trabajo es la naturalidad con la que expresa la felicidad de Poppy, lo hace fresco, vivo, un personaje casi de carne y hueso. Además en los momentos en que debe contenerse e incluso llorar, la actriz logra conmover al mostrarnos la transformación que es capaz de hacer. Todo el peso de la cinta está en sus hombros y logra que no se caiga, el personaje tan bien construido le ayuda, y más allá de que el guión tenga sus momentos exagerados en un par de escenas, Hawkins las logra desarrollar con la maestria de una experta.

Visualmente la cinta concuerda con la visión alegre de Poppy, el Londres que se nos enseña es colorido y alejado de su aspecto sombrío, el vestuario extravagante de la protagonista y el mundo infantil que la rodea son otra sonrisa sin necesidad de palabras.

La Dulce Vida es una lluvia de sonrisas para estos tiempos de sequía de felicidad, un filme que no propone evadirse ni cerrar los ojos ante la dura realidad, ya que el sufrimiento les llega a todos y hay quienes no tienen la posibilidad de evitar una vida sin dolor, sin embargo nos muestra que así como hay personas que facilmente caen en la depresión, hay quienes tienen el privilegio de tener esa visión dulce y pasar por esta vida con una sonrisa en los labios, ya que el buen humor, como dicen, es un deber hacia el prójimo. Poppy nos recuerda que sonreir puede ser nuestra última arma para luchar contra lo evidente.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

McG se salva

2009-08-06T08:56:00.000-07:00

A pesar de no tener más experiencia que como un director de videos (realizó trabajos para Korn, Sublime, Offspring) y haber digido los dos filmes de Los Ángeles de Charlie, McG sale bien librado de su trabajo más serio hasta el momento y una empresa que resultaba muy complicada: llevar a buen puerto Terminator La Salvación (Terminator Salvation) y por mucho supera a Terminator 3: The Rise of The Machines dirigida por Jonathan Mostow.

La trama de la cinta transcurre en el futuro anunciado por las tres anteriores entregas, John Connor ya es el líder de la resistencia en la lucha contra las máquinas quienes se han apoderado del mundo tras destruir a gran parte de la humanidad en un holocasuto nuclear. Connor es uno de los líderes de esa lucha basada en la fe y en la esperanza, ya que como se lo anticipó su madre en diversas grabaciones, él será quien pueda llevar a la raza humana a un triunfo. Como elementos esenciales también aparecen Kyle Reese (padre de Connor pero que en el futuro es más joven que su hijo) y quien deberá sobrevivir para luego ser mandado por su hijo al pasado (en donde morirá) para que el líder pueda nacer (suena complicado pero así es), además, el otro elemento importante de esta cinta es el personaje de Marcus Wright, un ejecutado por asesinar a su hermano, quien aparece otra vez vivo en el año 2018 y que es un Terminator con tejido humano y del cual iremos descubriendo poco a poco si sus intenciones son proteger o aniquilar a Reese y Connor, los dos objetivos de Skynet.

Uno de los principales logros de la cinta es el buen manejo de la acción, durante gran parte de las escenas nos sentimos como si estuviéramos bajo el fuego enemigo y las máquinas dejan de lucir ajenas y como una fantasía futurista para verse como una amenaza real y parte del mundo cotidiano, a diferencia de los otros filmes de la saga que al ubicarse en el presente, el elemento proveniente del futuro era más apantallador por sus desconexión con el entorno, en cambio, aquí las máquinas son ya parte de la vida cotidiana de los humanos y hay tantas de ellas que es difícil que el impacto sea el mismo, pero de cualquier manera éste se logra al haber secuencias que entretienen al espectador y que por momentos se asemejan más a una película de guerra que a una de ciencia ficción. La estampa del futuro desolador, con poca agua, alimentos y combustible en páramos desérticos agregan aún mayor intensidad a la búsqueda de la supervivencia en un mundo mecanizado y en el cual hay pocos indicios para pensar en una esperanza. Un punto importante es que en su conjunto la cinta está bien armada y no se siente como una entrega forzada, esta parte de la historia la tenía que conocer el espectador para entender porqué tanto alboroto con John Connor y el interés de las máquinas por cortar su existencia cuando era sólo un adolescente. En esta ocasión el líder ya ha crecido y representa una amenaza para Skynet y eso se logra evidenciar en esta cinta, ya vemos al héroe casi consolidado aunque con ciertas dudas sobre las decisiones que debe tomar. Otro punto que se destaca es que la película se da su tiempo para hacer homenaje al pasado con la inclusión de la canción You Could be Mine de Guns N Roses (la cual aparece en una secuencia histtórica de Terminator 2) y una aparición, aunque sea con un rostro digitalizado, de Arnold Schwarzenegger para establecer el punto de conexión con la primera cinta.

A pesar de que esta cuarta entrega está bien diseñada para hilarse con las tres anteriores, en el guión es donde se encuentran las mayores fallas, ya que al parecer es redondo y todo cuadra. Sin embargo en varios momentos surgen preguntas que no son contestadas y la trama genera confusiones en el aspecto de la relación Reese-Connor en el futuro, y cuál sería el destino si por ejemplo el padre muere antes de ser enviado por su hijo o si las máquinas sólo deben matar al padre en el pasado o si Reese deja ser importante y sólo se convierte en una carnada para atraer a su hijo, cuestiones que el espectador debe responderse por sí solo para darle un armado coherente a la cinta y justificar lo que sucede en pantalla. No hay duda de que faltó mayor solidez en el guión para que éste careciera de fisuras que son evidentes, por momentos parece que algunos hechos sólo ocurren para justificar llegar al final que la cinta se propone y no como un orden lógico de toda la trama, pero si el espectador hace estas concesiones el filme funciona.

Como lo mencionaba líneas arriba, la parte visual cumple y está a la altura de las mejores películas de acción, sin embargo tampoco destaca ni trasciende en avances tecnológicos como lo hicieran las dos primeras entregas, las cuales fueron vanguardistas en ese aspecto y es lo que el fan de Terminator está esperando. Quizás el mayor aporte radica en la gran cantidad de máquinas nuevas que aparecen, los mototerminators son un ejemplo, la visión sepia de ese mundo arrasado, así como el personaje de Marcus Wright que conforme avanza la cinta se va haciendo notoria la estructura metálica en su interior y que convive con ese corazón de humano, clave en la cinta.

En la parte actoral, quizás la más pensada, es importante que el personaje de Connor adulto haya sido entregado a alguien con tanta fuerza interpretativa y capaz de apoderarse de la pantalla como Christian Bale, quien en cada filme que lo vemos nos hace olvidar a su anterior personaje y no hay rasgos de Batman en este héroe que nos haga confundirlos, ambos tienen un pasado lleno de tormentas pero el primero tiende más hacia una locura y soledad que no puede evitar y el segundo a la aceptción de saberse un líder que no puede fallar. El británico tampoco tiene muchas escenas para lucirse ya que la acción es prioritaria sobre los rostros, pero en el par de momentos que tiene que comerse el filme lo hace y convence. La gran sorpresa y para muchos una gran relevación que promete, es el australiano Sam Worthington, quien sabe contener los misterios de su personaje al interpretar bien su humanidad y también su lado de máquina, nunca hace evidente sus intenciones y es el punto más interesante del filme, saber si este personaje es un protector o alguien enviado por Skynet para aniquilar a Connor, lo cual se mantiene hasta el inicio del desenlace de la cinta. Muy bien por el australiano, quien con este papel ya dio el gran paso a convertirse en estrella, Avatar, de James Cameron, será el próximo filme en el que lo veamos.

Como conclusión éste puede ser un nuevo comienzo para McG, quien debe esconder sus dos primeras cintas y mostrar ésta como su debut, ya que Terminator Salvation es un buen comienzo para esta saga que nos narra el final de la historia aunque sólo eso, ya que a pesar de que sirve para dar partida y se sostiene, no logró consolidarse para emocionar a los espectadores y desear con ansias lo que viene. Es un punto de partida rescatable, que salva a la franquicia, recupera un poco el prestigio del director y quizás nos dé un poco de esperanzas que las próximas entregas, en donde todo llegará a su fin, nos soprendan con nuevos efectos especiales, un guión más redondo y encontrar al final un sentido más coherente a tanta destrucción entre máquinas y humanos.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

Más allá de los vampiros

2009-07-31T09:22:00.000-07:00

Siempre se agradecerá que existan propuestas refrescantes en lo que se refiere al tema de vampiros, y la película sueca Déjame Entrar (Låt den rätte komma in) dirigida por Tomas Alfredson deja un buen sabor de boca a pesar de algunas fallas.

La trama nos introduce en la vida Oskar, un chico solitario, amante de la literatura policiaca, de padres divorciados y algo misterioso, el cual sufre de las agresiones de sus compañeros de escuela por ser diferente y ven en el chico un blanco perfecto para desatar sus instintos violentos. A su edificio se muda una chica un poco más grande que él, de nombre Eli, con la cual trabará una amistad que poco a poco mutará a en amor, sin embargo, Eli tiene un secreto que no tardará mucho en ser revelado, sobre todo cuando la sangre se haga presente.

Los aciertos de la cinta son varios, el primero de ellos es manejar un suspenso elegante, hacer que primero conozcamos a los personajes y todos sus posibles matices, no se aventura a la sangre innecesaria desde el comienzo ni a la acción desmedida, la presenta en cuotas medidas y cuando debe golpear al espectador con una escena impactante. La fineza nunca se pierde, visualmente la cinta logra clavarse en la memoria no con grandes efectos, sino con la sutileza de la nieve o con una mirada que abandona la ingenuidad para transformarse en un ser atormentado por miles de años, ruidos de estómago y pequeños hilos escarlata por la piel son suficientes para generar impacto. Uno de los mayores logros es que durante la mayor parte del tiempo la cinta se mantiene sobria.

Sin embargo, lo mejor del filme es que a pesar de tocar el tema del vampirismo y que por momentos cae en los clichés del género (el sol que los aniquila por ejemplo) se acerca a estos seres como personajes en decadencia que sufren para adaptarse y para poder subsistir tienen que asesinar. Esto hace que la relación que se establece entre Oskar y Eli vaya más allá del vampiro y el humano, cobra fuerza y la empatía se da al ser dos relegados de la sociedad que tendrán que aprender que sólo con la violencia pueden combatir a los humanos que demuestran ser más agresivos que los propios vampiros. No hay nada contenido en la cinta, la esencia de ambos personajes está destinada a liberarse, así como consumar, en una escena deliciosamente tierna en la cama su relación como "novios"; más que establecerse como una pareja y darse besos cursis, unen sus bocas manchadas de sangre, lo que se valora, ya que no se trata de generar asco, sino de establecer una unión entrañable y que es difícil de olvidar al salir del cine.

Aunque a los aciertos también se une un lado poético y se nota que está basada en una novela (escrita por John Ajvide Lindqvist), la cinta tiene sus fallas y radican principalmente en la ejecución más que en la idea. Hay varias escenas que quizás en el guión lucían correctas pero a la hora de llevarse a pantalla, sobre todo en una película de poco presupuesto, terminan por debilitar a la cinta (gatos atacando una mujer, la escena final que no es de gran manufactura, un vampiro en llamas) creo que al tocar los terrenos comunes de otro tipo de filmes de vampiros la cinta pierde elegancia y se vuelve (por momentos) igual que aquellas películas mediocres de las que se distingue por su historia. A Déjame... le bastaba con el suspenso sin grandes ambiciones, ya que por momentos para algunos espectadores (lo cual puede ser error o no de la cinta) causa risa en vez de miedo.

Más allá de esto la parte visual será recordada por varias escenas, por una fotografía desoladora y fría, momentos de real oscuridad, un buen maquillaje en las cambios de Eli y el abandono de ese lugar que parece olvidado por el resto del planeta. La nieve albina contrastando con el rojo de la sangre...

Otro aspecto fuerte del filme es que a pesar de basar casi todo su tiempo en actores jóvenes y debutantes, ya que no habían trabajado en absolutamente nada antes de esta cinta , éstos salen muy bien librados. Kare Hedebrante interpeta con solidez a Oskar y nos hace creer su personaje de chico tímido, misterioso, atormentado y con ganas de vengarse, de convertirse, quizás, en uno de esos asesinos de los que tanto lee. Aunque quien se lleva las palmas es Lina Leandersson, quien da vida a una maravillosa Eli, con todos sus matices, sádica, tierna, bromista, triste, incapaz de adaptarse, enamorada, una gran actriz a pesar de sus catorce años de edad y esperemos continúe con su carrera y verla en otros proyectos, incluso fuera del cine sueco, para no perderle la pista. Sabemos que Matt Reeves (director de Cloverfield) quien en este momento filma el remake de la cinta seguramente no tomará en cuenta a la actriz sueca y seleccione a una juvenil del mundo de Hollywood, lo cual ya sería su primer error. Esperemos que en otros aspectos logre captar y dejar intacta la esencia del filme original y mejore aquellas escenas de ejecución pobre.

Con un poco más de cuidado Déjame Entrar hubiera sido una joya difícil de criticar y se hubiera convertido en una favorita de este año, sin embargo algunos momentos la hacen más débil y no disfrutable en su totalidad. Se agradece la propuesta y el esfuerzo por llevar a los vampiros más allá de la cursilería y estupidez de cintas como Crepúsculo. Gotas poéticas de sangre y una relación que no se olvida nos dejan estos colmillos suecos que se clavan profundo en nuestro cerebro.

CALIFICACIÓN: BUENA

El príncipe maduro

2009-07-23T09:47:00.000-07:00

Tras realizar un filme regular y poco trascendente con Harry Potter y La Órden del Fenix en 2007, David Yates continúa a cargo de esta saga y este 2009 entrega un producto más maduro con Harry Potter y Misterio del Príncipe (Harry Potter And The Half-Blood Prince), lo que hace del más reciente filme del mago (ya adolescente) uno de los más adultos hasta el momento.

La trama nos narra el sexto año de Potter en Hogwarts. Dentro de su afán por aprender, se encontrará con un libro de magia avanzada que le pertenece a un tal Principe Mestizo, de esta manera Harry ganará poder. Al mismo tiempo, Voldermort ha elegido a Draco para matar a alguien importante, plan en el que está involucrado Snape, quien parece en esta cinta descubrir finalmente su verdadero rostro. Por otra parte, Dumbledore encarga a Harry acercarse más al nuevo profesor de pócimas Horace Slughorn, quien tras varios años regresa a la escuela de magia y a través de ganarse la confianza y entrar en sus recuerdos, Harry podrá descubrir secretos de la infancia de Voldemort, un paso importante para poder derrotarlo, ya que él es quien debe hacerlo. Aunado a esto, la cinta también agrega elementos románticos y por primera vez los tres personajes principales se ven vulnerables respecto al amor, principalmente Harry y Hermione, ya que como siempre, en Ron todo luce con tintes cómicos.

Uno de los principales aciertos que le veo a la cinta, más allá de no haber leído la novela, es que a comparación de las cinco anteriores se nota una intención real de hacerla un poco más oscura y madura, plantear a los personajes con verdaderos problemas humanos, más vulnerables y sin necesidad de mostrarlos poderosos. Otro aspecto importante es que la cinta es un poco más contenida, se toma su tiempo y se acepta a sí misma como un filme de transición rumbo a las dos entregas finales. El ritmo no es vertiginoso y eso se agradece en esta ocasión, ya que aunque muchos les parecerá aburrida por falta de acción, considero que es bien manejada y se aleja de la complacencia infantil en muchas ocasiones, aunque no del todo. La cinta luce bien estructurada, y como parte de un rompecabezas interesante.

Sin embargo hay fallas que le restan fuerza, a pesar de que no hay gran acción y eso me complace ya que el tono de esta entrega varía al de las anteriores, los efectos especiales que impactan en la secuencia inicial son poco utilizados a lo largo de la cinta, quizás explotarlos un poco más (sin abusar) y oscurecer así más el filme, le hubiera dado mayor personalidad. Considero que las escenas más disfrutables de este filme se presentan cuando aparecen personajes como Bellatrix (interpetado por Helena Bonham Carter), este tipo de secuencias son las mejor logradas cinematográficamente.

Aunque es humor inglés y quizás la novela lo maneje de esa forma, considero que para concretar un filme que pretende ser oscuro y apartado de la vena infantil de las demás entregas, el humor tendría que salir sobrando o presentarse en cuotas mínimas y aunque en esta cinta disminuye, aún es molesto para un filme con un final que se acerca a la tragedia.

Hablando del final, me parece que para ser un hecho tan relevante en la saga le faltó más impacto, más preparación, emoción, efectos especiales más imponentes. La cinta parece no darle tanta relevancia a un hecho importante y la conclusión es anticlimática a pesar de lo que ocurre.

En lo que se refiere a la parte visual, la cinta no se supera a sí misma, y no es novedosa, rescato la secuencia inicial, pero este tono desaparece. Lo mejor radica en el plano actoral. Por primera vez Daniel Radcliffe, Ruper Grint y Emma Watson son capaces de demostrarse como actores adultos, expresar sentimientos diferentes, se les nota la experiencia y el dominio de su personaje, así como una gran química entre ellos que hace muy creíble su camaradería, en verdad transmiten su amistad de años y cada uno lleva su papel al mejor punto hasta el momento, sobre todo Radcliffe a quien se le nota que ha adquirido experiencia en el teatro y que si logra despojarse de los anteojos de Potter podrá ser un gran actor. No menciono a los adultos porque todos se mantienen en su condición aceptable, Alan Rickman (Spade) sobresale al tener mayor relevancia su personaje.

Finalmente, considero que esta película, junto con la cuarta entrega (Harry Potter y El Cáliz de Fuego) han sido las mejores hasta el momento, las más maduras y las que en verdad pretenden acercarse a la oscuridad. Ahora sólo resta esperar por el final de la saga, aunque la mayoría de los potenciales espectadores ya sabe cómo concluye, por lo que el qué no será tan relevante como la manera de presentarlo. De cualquier forma, ninguna obra fílimica de Potter hasta el momento puede ganarse el adjetivo de memorable o de una obra importante en el cine, quizás sea porque el libro no le permite llegar más allá, caso contrario a lo ocurrido con El Señor de los Anillos que con menos cintas y novelas logró una mayor fuerza. Quizás, también la causa se deba a que Potter ha estado siempre (a excepción de Cuaron) en manos de directores menores. Más allá de esto, siete libros y ocho películas es demasiado para una historia que durante muchos momentos cinematográficos resultó cansada, aburrida y que recién ahora cobra algo de fuerza. Potter es una de esa sagas que sólo los fanáticos son capaces de disfrutar totalmente.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Un golpe necesario a la fe

2009-07-17T10:38:00.000-07:00

Afortunadamente Reli...qué? (Religulous) no fue censurada de forma abierta en nuestra ciudad, aunque sí se le dio muy poco espacio y publicidad con toda la intención de que pasara desapercibida en estas tierras que aprentan ser santas y cubiertas bajo el manto de Dios, esta es la nueva forma de impedir que películas no "aptas" para nuestras mentes sean expuestas.

El filme es dirigido por Larry Charles, el mismo a cargo de la escatológica y repugnante, pero al mismo tiempo divertida, Borat. En esta ocasión se embarca en un proyecto más maduro, punzante y que sirve para reflejar el mal que le hace a la humanidad el tener un pensamiento religioso.

El documental está basado en diferentes entrevistas que el comediante Bill Maher (guionista de la cinta) realiza a personas involucradas con diferentes religiones, desde los simples fanáticos católicos, personajes con mayor poder en la Iglesia, así como a judíos, mormones, musulmanes, cienciólogos, nuevas religiones, y en donde ninguno de ellos puede defender con alguna mínima pizca de razón sus creencias, ya que todas se basan en dogmas , en la fe, y resulta fácil ridiculizarlas, ya que al analizar los diferentes libros sagrados, además de encontrar semejanzas en ellos, se perciben, sin ir muy a fondo, aseveraciones ridículas como una serpiente que habla o una concepción inmaculada.

Así, Maher viaja a través de diferentes países, se involucra en charlas divertidas y conforme avanza la cinta no sólo nos hace reír al estilo de Michael Moore, sino que nos demuestra lo endeble que son las religiones cuando se las invita a la argumentación, además de dejarnos en claro que no son más que un negocio.

Otro de los aciertos de esta cinta es mostrarnos la relación existente entre el poder religioso y político. Al evidenciar a varios senadores norteamericanos que desdeñan la teoría de la evolución de Darwin o que están en contra del homosexualismo o del aborto por simple convicción religiosa más allá de analizar lo que implican estos temas para la sociedad. Incluso, Maher nos da a conocer lugares en donde se pretende que un ser humano "revierta" sus preferencias sexuales y regrese al buen camino de la heterosexualidad, cuando se sabe que hay genes gay. No sólo ataca a los religiosos de las Iglesias, sino también a científicos que a pesar de estar involucrados en un terreno donde debería entrar la razón, dejan a un lado sus estudios para tratar de fundamentar su fe cuando en realidad es insostenible.

Otro aspecto importante es que subraya la violencia que generan las religiones, los fanatismos capaces de provocar muertes, cuando supuestamente los libros sagrados pregonan mensajes de paz y amor, punto que también se cuestiona al mostrarnos pasajes de la Biblia o del Corán que son realmente agresivos.

El puntualizar la semejanza entre todas las culturas, dioses y diferentes aspectos de cada religión no hacen más que probar que todo es producto de un pensamiento original necesitado de dioses, todo nace de los miedos de la humanidad, en la mayoría de las creencias hay alguna mujer inmaculada, un mesías salvador, un sacrificado, cuestiones muy puntuales que sólo demuestran que todo es parte de lo mismo, aunque cada religión se crea original y única.

Maher también se atreve a cuestionar los milagros y mentiras como Santa Claus, esa infancia judía-cristiana en la que fue educado y en donde lo llenaron de mitos. Este punto termina por llevarnos al razonamiento de que las supuestas ilusiones infantiles sólo están basadas en mentiras y será más doloroso cuando el niño descubra lo real, ¿no sería mejor hablar con la verdad desde el principo, no imponer creencias si no se tiene certeza de ellas?, ¿no sería mejor que cada quién decidiera su religión?

No encuentro fallas en el guión, aunque quizás le faltó ser más serio, profundizar y ser menos agresivo en las bromas, no porque sea un error, sino para evitar a aquellos detractores que sólo ven una mofa en esta cinta y no analizan su sentido complejo. Le faltó ir hasta las entrañas para tener durante toda la cinta ese golpe fuerte y fulminante que logra al final. No darle respiro al espectador y así impedir que los fanáticos vean en esta cinta una burla en vez de un trabajo que puede servir para que muchos se sientan incómodos, y quizás, abran los ojos.

En la parte visual la cinta es dinámica, entretenida y durante las entrevistas se hacen referencias a películas religiosas para generar la risa y aparecen textos en la pantalla que van desmintiendo con argumentos sólidos lo que el entrevistado responde a las preguntas incisivas del comediante.

En sí, Reli...qué? es una cinta que (aludiendo a su título en inglés) deja en ridículo a las religiones, las hace ver como cuentos de hadas, historias demasiado bobas, basadas en libros supuestamente sagrados y además (lo más importante), nos demuestra el peligro que representa el pensamiento religioso para la humanidad, si el fin del mundo llega pronto en mucho tendrán que ver las religiones. Ya que no es cierto que el que cree no le hace daño a los demás, ya que las sociedades se manejan en gran parte a las normas morales de la religión, a sus estatutos, se juzga conforme lo que es pecado o no, la gente discrimina a los no religiosos, la fe es intolerante, por eso y coincido con Maher, lo mejor que le podría pasar a la humanidad es liberarse de las cadenas religiosas y ser libre, la gente creyente debe dejar de ser cómplice de sus líderes y permitir que la raza humana evolucione y despojarse para siempre de serpientes que hablan, de vírgenes falsas, de santos patéticos, en fin, de las mentiras...

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

Hielo desgastado

2009-07-11T23:25:00.000-07:00

El hielo ha perdido frescura y se está derritiendo. Este año llegó La Era del Hielo 3 (Ice Age: Dawn of the Dinosaurs) dirigida por Carlos Saldanha, quien participó como co cirector en la primera entrega y en la segunda parte ya se hizo cargo del proyecto, dejando claro que la historia del mamut, el tigre y el perezoso sólo funcionó cuando era original, lo demás es sólo ganancia económica.

La trama es la más incoherente hasta el momento (hace coincidir a dinosaurios con los animales de la era del hielo) y nos narra la vida en familia de Manny el mamut, quien se prepara para tener a su bebé junto a su pareja Ellie. Diego (el tigre) está envejeciendo y decide que lo mejor será separarse de sus amigos, ya que necesita una nueva aventura, Sid (el perezoso que dejó de ser tierno para convertirse en insoportable) se ve afectado ante esta desintegración de grupo y adopta a tres huevos de dinosaurio, los problemas comienzan y las persecuciones se desatan cuando la verdadera madre busca a sus hijos arropados por Sid.

La cinta tiene pocos aciertos, y si hay que encontrarle uno es que logra las risas de los niños, con caídas, bromas simples, un torpe perezoso y una obstinada ardilla que ahora pelea por su bellota con una hembra de su raza. Blue Sky Studios, a lo igual que Dreamworks, han demostrado que su mercado son los niños y no les interesa añadir un toque de arte a sus obras como lo hace Pixar, cumplen con su objetivo de buscar las risas y han reducido sus proyectos al disfrute del público infantil. Las carcajadas de los pequeños es el único aplauso que recibe esta entrega.

Fallas hay varias, más allá de la incoherencia de épocas al involucrar dinosaurios. El mayor error es que la trama ya no da para más, lo único que se conservan son los personajes y no me extrañaría pronto verlos fuera de la era del hielo, o en cualquier situación extraña, ya que esta tercera entrega llega al extremo con tal de hallar una nueva aventura para esta manada heterogénea. La cinta no aburre y quizás logra más risas que su antecesora pero luce desgastada, sólo sabe a fórmula vieja y ya no hay novedad ni sorpresa en los personajes, se desdibuja como le ha pasado a Madagascar y a Sherk, quizás por eso Pixar no sea muy devoto a las secuelas, sólo lo han hecho con Toy Story debido a que es su producto más exitoso y el cual se ha vuelto entrañable, sin embargo en cada cinta los juguetes con vida evolucionan y es justificado que ya pronto llega a las pantallas la número 3.

Toda la frescura de La Era del Hielo no apareció en la segunda parte y se desvanece en la tercera, dejando a sus personajes sólo como un pretexto para una historia de pastelazos y persecuciones. En esta cinta no se encuentra ningún interés de novedad o creatividad, mucho menos artístico como sucede en las obras de Pixar. En La Era... cuando los personajes parecen llegar a un momento conmovedor la acción regresa para recordarnos que en esta cinta no se vale pensar, todo se reduce a entretenimiento, dejándola a años luz de escenas conomvedoras de filmes como Up, Ratatouille o los treinta minutos iniciales de Wall-E que rayan en la obra maestra.

En lo que respecta a la calidad de la animación, La Era del Hielo sí ha sabido superarse a sí misma, las texturas de cada uno de los personajes es mucho más real así como de los paisajes en un principio cubiertos de hielo y conforme avanza la cinta al presentarnos un nuevo mundo selvático e impresionante que es parte importante del filme. La edición más vertiginosa hacen que la historia también transcurra con menos pausas y casi no hay momentos relajados en el filme, lo cual sirve para atrapar al espectador, sin embargo no es suficiente, entretener ya no basta en el cine dirigido para niños, la innovación debe ser el siguiente paso y en este caso no está presente.

Sin duda habrá más entregas de esta cinta, falta ver el desarrollo de personajes como Sid y Diego en nuevas facetas, observar cómo se las arregla Manny como nuevo padre y ver qué cantidad de incoherencias se les ocurre a los guionistas de esta trama que ya perdió la frescura, se derrite, y no hay cómo salvarla, ya no es un hielo, es una roca sólida y desgastada, muy lejana a su frío brillo original.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

La búsqueda de un clásico

2009-07-08T09:01:00.000-07:00

Michael Mann presenta en este 2009 Enemigos Públicos (Public Enemies), el director es conocido principalmente por trabajos como Fuego Contra Fuego, Ali, El Informante, Daño Colateral y Miami Vice, el común denominador de todas estas cintas es que no escatiman en gastos de producción y tratan de entregar una historia original que sepa mantener al espectador interesado en lo que ocurre en la pantalla. Su más reciente filme, en donde también abundan las estrellas, se une sin problemas a esa larga lista, aunque otra vez le falta la fuerza necesaria como para poder decir que Mann ha realizado su obra maestra, la cual parece no llegará.

La trama de Enemigos... nos cuenta parte de la vida de John Dillinger, uno de los asaltabancos más famosos en los años treinta, justo después de la gran crisis en Estados Unidos. Mann nos introduce a la forma de actuar del personaje, a la mafia existente en aquellas épocas, a la corrupción policiaca y a la creación de un nuevo sistema de investigación para atrapar a estos criminales, encabezado por J.Edgar Hoover y Melvin Purvis. De ahí en más, el guión se basa en los siguientes pilares: la caza de Dillenger, su manera de asaltar, el amor que se le aparece en la vida, escenas de acción y tratar de conocer a fondo a un personaje que se vuelve una leyenda, un ídolo de la sociedad.

A pesar de que no es un gran filme, sí cuenta con varios aciertos que lo hacen disfrutable. El primero de ellos es que está construido de manera clásica, imita en ocasiones a las primeras películas de gangsters y Mann trata de crear así una cinta que alcance esos niveles. Todo esto lo hace sin alejarse del entrenimiento que requiere el espectador actual, las escenas de acción se mantienen cuidadas, lucen frescas y dinámicas. Esto hace que no SE pierda el interés en la trama, provocado esto también por lo que trasnmite Dillinger en pantalla, un "villano" que se vuelve un héroe ante nuestros ojos y logra poner al público de su lado, deseando que sea libre, que no muera, que pueda consumar su rebeldía y su historia de amor que parece de cuento de hadas.

Otro gran acierto y que se agradece, es que Mann sabe que si su cinta no llega a ser un clásico, por lo menos reconoce a las primeras películas de este género. En los minutos finales vemos durante varios minutos (en pantalla completa) escenas de Manhattan Melodrama, filme protagonizado por Clarke Gable, William Powell y Myrna Loy, en donde también se narra una historia de amor y crimen. De esta manera, Mann establece un disfrutable paralelismo y añade a su obra esa necesidad de por lo menos acariciar la gloria de aquellos filmes de los años treinta, además que la escena es clave en Enemigos Públicos, lo cual añade otro nivel de lectura al hacer cine del cine, quizás estos minutos finales sean los más aplaudibles y los de mayor logro artístico.

Sin embargo la cinta tiene fallas, a pesar de que entretiene, el espectador no sale totalmente satisfecho, el impacto de la obra no es el deseado y uno no siente haber visto un filme trascedental. La acción y quizás la sencillez de la historia hacen que se pierda complejidad y profundidad, más allá de su lado romántico el personaje de Dillinger tampoco es explotado a fondo. Lo peor que le sucede a Enemigos... es que se convierte en un filme simple, con pocos matices, más allá de esto la película funciona, pero esta falla termina por hacer que muchos trabajos no pasen al siguiente nivel y sean sólo disfrutables pero no memorables.

En el aspecto visual hay dos logros importantes, el primero de ellos es la ambientación, Mann recrea de manera casi perfecta la década de los treinta, en vestuario, manera de hablar de los personajes, gestos, decorados, vehículos, realmente el filme se establece en aquella época sin problemas, me hubiera gustado que se corriera el riesgo de presentarla a blanco y negro para lograr con mayor efectividad esa sensación de ver una cinta representativa de esos años.

Por otra parte la utilización de grabar en video varias escenas es efectiva, sobre todo a las de acción en interiores, añade a la cinta mayor realismo y capacidad de hacernos sentir dentro de esos escenarios, aunque la modernidad de esta técnica pueda desentonar por momentos con la idea de un filme clásico.

El elenco es parte importane del glamour. Los tres roles principales recaen en los hombros de Johnny Depp (como Dillinger) Christian Bale (Melvin Purvis) y Marion Cottillard (Billie Frechette, el amor del asaltabancos). Depp logra mostrarnos una cara diferente a los personajes extravagantes que venía interpretando en los últimos años, su madurez le permite desarrollar un tipo serio, violento pero al mismo tiempo sensible, lastimado por la vida y con ansiedad de mostrar su poder, su rebeledía ante un mundo que lo despreció desde pequeño, sin duda logra soportar al personaje y la efectividad del filme radica en su buen desempeño. Por otro lado Bale cumple pero está desaprovechado, sus diálogos y su interpretación de un policía correcto, incorruptible y capaz es bien desempeñada, sin embargo le faltó un mayor duelo actoral con Depp para lucir, casi no conviven en la cinta y en la pocas escenas que lo hacen se nota que pudieron hacernos disfrutar más escenas juntos. El lado femenino tiene una gran representación, Cotillard muestra que su interpretación de Edith Piaf no fue una casualidad y logra darle varias dimensiones a su personaje, desde la chica tierna y sensible, hasta una mujer ruda capaz de defenderse, tiene una gran capacidad para convencer al espectador de todos los sentimientos que expresa, además que su enorme belleza fresca y natural, aunada a la gran expresividad de sus ojos le ayudan para que sus personajes hablen sólo con gestos.

Así, Enemigos Públicos es una buen filme para disfrutarse en el verano, aunque sus intenciones quizás aspiraban a convertirse en un clásico, una obra maestra de su director que dejó ver su lado más artísitico, sin embargo aún no le alcanza para dar el golpe contundente, ese que lo lleve de un buen contador de historias con potencia visual a un autor que recordemos por su creatividad o diálogos inteligentes, quizás en las manos de un director dispuesto a correr más riesgos y con mayor sensibilidad este filme hubiera perdido acción pero tal vez hubiera obtenido esos puntos que transportan al Olimpo conematográfico, ese lugar donde las cintas se vuelven inolvidables.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Música conciliadora

2009-07-03T15:04:00.000-07:00

Eran Kolirin debuta en la pantalla grande como escritor y director con La Visita de la Banda (Bikur Ha-Tizmoret), un filme del 2007 que se estrena este año en México. La cinta resulta tan entretenida como conmovedora y seria, una combinación deliciosa que pocas veces se logra en el cine actual.

La trama es muy sencilla, una banda de música clásica, pertenenciente a la fuerza policíaca de Alejandría, llega a Israel al ser invitados para la inauguración de un centro cultural árabe en este país, sin embargo, al arribar descubren que no están en la ciudad correcta, están perdidos y es ahí donde inician sus dificultades culturales para comunicarse y desenvolverse en un terreno que aparentemente no los ve con buenos ojos.

La película tiene varios logros, el primero de ellos es que la comicidad que alcanza es en base a gestos, a situaciones cotidianas, a las expresiones contenidas de los integrantes de la banda egipcia y las reacciones de los israelís que deciden ayudarlos, la confrontación de personajes tan disímiles provoca por momentos carcajadas. A pesar de las diferencias al mismo tiempo se encuentran grandes semejanzas en los sentimientos humanos de los grupos, ya que las emociones no son exclusivas de ninguna zona, el dolor y el amor atacan a cualquiera por igual sin importar la cultura o la religión. La película se hace poética, contenida, alegre, vive en la pasividad, en cada emoción reprimida.

A pesar de que no abundan los diálogos y el filme prefiere navegar acompañado del silencio, cuando los personajes hablan lo hacen para decir algo importante, para narrar historias que los han marcado o que los afectan en el presente, dialogan para expresar todo aquello que la música quizás no pueda o sea demasiado doloroso como para dejarlo encerrado en el corazón.

La soledad en cada uno de los miembros de la banda es evidente, sobre todo en el coronel Tawfiq, líder de los músicos, quien carga con una tragedia familiar en los hombros, un personaje entrañable debido a que se asemeja a un caracol metido en su concha y conforme avance la cinta lo veremos asomar la cabeza, atreverse a la valentía, dejar el pasado atrás, incluso conocer el amor y cargar un poco de esperanza hacia el futuro, y todo esto gracias a la relación que establecen con tres israelís que deciden alojarlos en sus hogares debido a la falta de hoteles en la ciudad donde han quedado varados. Dina, una de las pocas mujeres en la cinta, pasará una noche inolvidable junto a Tawfiq, unas cuantas horas que podrán cambiar la vida de ambos.

El tiempo en el que se mueven los personajes no es más que un día, un momento, las horas que esta banda estuvo perdida en algún lugar de Israel, sin embargo es maravilloso todo lo que puede ocurrir cuando la soledad obliga a confrontarse con los sentimientos.

Pero quizás lo más importante de este filme es su bandera conciliadora entre árabes y judíos. Durante los noventa minutos de su duración, no hace más que mostrarnos que a pesar de las diferencias hay muchas más similitudes, el ser humano se ve envuelto en los mismos padeceres, es capaz de disfrutar del mismo arte, apreciar la cultura del supuesto enemigo, se agradece que el guión y esta historia sean capaces de mostrarnos sólo como humanos, alejados de cualquier discurso que pueda separarnos, y lo más valioso es que la cinta logra este mensaje sin ser obvia, lo hace con sutilezas, mostrando sólo la capacidad que tienen los humanos para convivir cuando lo único que importa es ayudar al prójimo. La película es refrescante y un baño de verdadera esperanza, no esa que sólo es una ilusión, falsa, sino aquella que permite darle el beneficio de la duda a nuestra raza.

En lo que respecta a las actuaciones tanto Sasson Gabai (Tawfiq) y Ronit Elkabetz (Dina) llevan el peso de la cinta, sin embargo todos los miembros de la banda así como los otros israelís logran crear personajes divertidos, memorables y lo más importante: en ellos abunda la naturalidad.

En lo que respecta a la parte visual, más que mostrar novedades es efectiva al interesarse por plasmar la desolación de algunos lugares de Israel, esos sitios donde la soledad abunda y el tiempo camina muy lento. Los detalles de los rostros y grandes silencios permiten apreciar cada gesto, ya que son tan importantes como las palabras en esta cinta.

Finalmente es gratificante poderse encontrar con estas pequeñas joyas del cine israelí que cada día confirma la calidad de sus producciones contemporáneas, poniendo el acento en historias que conmuevan. Es totalmente cierto lo que dice Eran Kolirin de su cinta: "Siempre me ha fascinado la música árabe. Por esa forma tan solemne y estricta que los cantantes tienen de interpretar canciones que, por otra parte, son trágicas y melodramáticas. En ese sentido, funciona de forma opuesta al rock, donde las letras no dicen nada pero son interpretadas con teatralidad. Quise que la película funcionara como una canción árabe, que en términos de lenguaje fuera contenida, pero que, a la vez, se sintiera la presencia de un melodrama que trata de aflorar.". Su filme es contenido, bello, pero quizás no tan melodramático, la comedia, y la carga de esperanza la hacen disfrutable y dejan un poco olvidado al sufrimiento, lo cual en cintas de este tipo se agradece, un aplauso a Kolirin y a su canto en celuloide.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE

Muerte al tirano

2009-06-26T17:17:00.000-07:00

Siempre será un placer ver a Monica Belluci en la pantalla, no sólo por su hermosura de diosa, sino porque ha demostrado ser una excelente actriz y quizás la última gran diva de Italia.

Aunque el filme es del 2006, este año llega a la ciudad N (Io e Napoleone), una producción conjunta entre Francia, Italia y España dirigida por Paolo Virzi. La trama se centra en el periodo que Napoleón pasó durante su exilio en la isla italiana de Elba en donde es recibido con todos los honores y las esperanzas de los habitantes locales crecen al relacionar su llegada con el progreso. Sin embargo, en el lugar también habita Martino Papucci, un escritor idealista que odia a Napoleón y sueña con asesinar al gobernante y militar al cual considera un asesino despiadado y que no le importa ver morir a los suyos con tal de cumplir sus sueños de conquista.

El filme acierta en no ceñirse totalmente a lo histórico ni pretender relatar la vida de Napoleón, su historia es conocida por lo que la cinta prefiere enfocarse en su periodo en Elba así como en la obsesión de Papucci por hacer justicia, la clave de la película está en acercar a los dos antagonistas a tal punto de que quizás sea imposible ya para el escritor acabar con lo que odia. El conflicto está en los propios demonios de Papucci, quien siente que el destino le ha enviado esa misión sin importar que esto pueda afectarlo en otros factores de su vida como la relación con su familia.

N acerca al espectador a un Napoléon frío pero a la vez vulnerable, lo ubica en una posición neutra, no es retratado como alguien cruel y vil, pero tampoco nos hace compadecernos de él, simplemente lo transparenta. Papucci, quien deberá trabajar como escribano del ser que odia y capturar las memorias y pensamientos del gobernante, redescubre al personaje que había visualizado sólo a la distancia y lo confrontará para mostrarlo frágil.

Otro de los mayores logros que tiene la cinta es la ambientación. El espectador se siente realmente en la isla italiana a principios del Siglo XIX, los olores pueden percibirse a través de la pantalla, los vestuarios y la recreación de cada detalle muestran el cuidado en la producción.

Lo que respecta a las actuaciones el filme no corre riesgos, ya que los tres protragonistas saben llevar por buen puerto a sus personajes. Daniel Auteuil, actor fráncés de larga trayectoria, logra un Napoleon de varios matices, atormentado, cómico, inteligente, vulnerable, estratega, capaz de dominar su figura pública y conmoverse ante la estética del mundo. Un personaje muy bien construido y disfrutable. Papucci es interpretado por el romano Elio Germano, no tan sólido como Auteuil pero es capaz de transmitir a un joven apasionado, fresco, que palpita la justicia, nos comparte su desenfreno. Mención aparte merece Monica Belluci, lleva a la vida a la baronesa Emilia Speziali, amante de Papucci y quien se encuentra en problemas económicos. Es un peso femenino importante, la actriz italiana se luce en momentos cómicos, llantos conmovedores y hace burla de su edad, una diosa en decadencia, el personaje de Belluci representa el pasado, al antiguo poder que se tuvo, la estética eterna.

Aunque por momentos pareciera que las actuaciones tanto de los intérpretes protagonistas como de los secundarios lucen exageradas y con toques de farsa, esta apreciación se derrumba por completo al conocer la forma de comportarse de los italianos, en donde para ellos la exageración, los gritos, y el humor mezclado con el drama es cosa de todos los días, al contrario, los personajes lucen deliciosamente naturales.

Si el filme comete algún error es que por momentos camina demasiado lento, punto que se admite en su género pero que en ocasiones puede confundirse con la incapacidad de generar interés. Sin embargo, el mayor error es conformarse con ser una película modesta, sencilla y que no buscó mayor trascendencia que contar un momento y una historia. Es de esas obras que nacieron para disfrutarse pero no para ser recordadas dentro de las joyas cinematográficas. Faltó una historia más compleja, tal vez con más giros, y con escenas un poco más desgarradoras que lograran impactar al espectador, hacer que esta película se volvería inolvidable y no se diluyera de los cajones de la memoria.

N es un buen filme para mostrarnos que los personajes históricos tienen más de una cara, que los tiranos pueden ser sólo consecuencias de las sociedades que reflejan sus deseos en los gobernantes para luego culparlos, es un acercamiento novedoso a un ser tan complejo como Napoleón.

CALIFICACIÓN: BUENA

Pixar en las alturas

2009-06-16T11:03:00.000-07:00

Con Up, la décima película realizada por Pixar, se confirma lo que han sido catorce años de realizar largometrajes con una excelente calidad, desde que Toy Story revolucionó las películas de animación en 1995.

El director de esta cinta fue Pete Docter quien ya se había encargado de conducir los hilos de Monsters Inc, otra de las joyas de Pixar. Una vez más, el estudio logra intercalar el mundo de los adultos y los niños, al realizar una cinta madura pero que al mismo tiempo contenga elementos simples que puedan hacer reír a los más pequeños y dejarles en la memoria personajes entrañables.

Up nos adentra en la vida del vendedor de globos Carl Fredicksen, un hombre de la tercera edad que acaba de sufrir la muerte del amor de toda su vida y que está a punto de perder su casa. Para evitar que la misma sea destruida y ser encerrado en un asilo, el viejo ata miles de globos a su vivienda para que ésta se eleve a los cielos y así realizar un viaje hacia Sudámerica, lugar de aventuras y de animales fantásticos, sitio al que nunca pudo llegar en compañía de Ellie, su amada. Sin querer, a esta aventura se le une Russell, un niño explorador con algunos problemas familiares y que busca ayudar al viejo para obtener la condecoración que le falta. De esta manera, el filme se eleva y nos internará a mundos extraños, en donde los perros hablan.

Son varios los aciertos de la cinta en lo que se refiere a su trama. El primero de ellos es que toma el riesgo de elegir a un anciano como su personaje principal, un ser que está en el final de su vida y que ha recibido un golpe muy fuerte, sin embargo, el hecho de tomar la decisión del escape, de la ultima aventura, revitalizan a un ser que carga con su pasado, que prefiere trasladarse con su casa para no dejar nada atrás, ese hogar es el recuerdo viviente de Ellie, significa todo los que construyeron juntos. Queda muy claro el simbolismo que se establece de la casa, el viejo la carga con ella durante gran parte del filme, es decir, lleva el pasado sobre sus hombros, la muerte le pesa, le es difícil olvidar y seguir adelante, quiere cumplir una promesa que hizo con el corazón. La cinta es conmovedora, elegante y profunda. El tema de la muerte es constante y se agradece en una película infantil, aunque también, por supuesto, la película nos muestra momentos entretenidos para no llenarse de sombras. Up es una invitación a continuar el viaje sin importar la edad, a dejar atrás el pasado y atreverse a vivir, a crear nuevas promesas.

Ya en la aventura, el ave enorme como representación del misterio hecho realidad divierte, pero quienes agregan realmente comicidad al filme son los perros parlantes, podemos escuchar sus pensamientos y Dug, un can un poco temeroso, agrega la cuota de ternura necesaria.

El personaje de Russell, un ñiño entusiasta, distraído, tiene más de una capa; no es simplemente el empuje del viejo o quien lo ayudará a seguir adelante, él también cojea y necesita del soporte de los demás, a pesar de ser un niño que se divierte, en Russell hay una gran necesidad de afecto que trata de sustituir con deliciosos chocolates.

Otro personaje interesante y que es motor de los acontecimientos en la cinta es Charles Muntz, un aventurero. Gracias a él Carl y Ellie soñaron con viajar con Sudamérica, sin embargo cuando Carl llega al sitio y lo encuentra, descubrirá que a los ídolos es mejor no conocerlos.

Up es emotiva y disfrutable, su trama se desenvuelve sólida y sin baches. Hay momentos de maestría, la película narra desde la infancia de Carl hasta su vejez con silencios, sin diálogos, una secuencia genial en donde sólo con imágenes podemos atrapar la vida de un ser.

No encuentro fallas en Up, es una de las películas más maduras que han creado en Pixar y no comete por tantos minutos el error de Wall-E, en donde una cinta que salía de todos los esquemas termina al final rompiendo con su estilo inicial para complacer al público infantil. Up es más sincera desde el comienzo y nunca maneja dos líneas diferentes, se sabe que habrá risas pero siempre se mantiene el tono maduro, la idea de la muerte y soledad rondan todo el tiempo.

En cuanto a la calidad de animación sigo pensando que Ratatouille es casi insuperable, a pesar de que las expresiones y los lugares presentados en Up son maravillosos, la sensación de realidad que logró compartir el filme de la rata chef al casi hacernos oler los platilllos no la he percibido en otra cinta, sin embargo a Pixar sólo se le puede comparar con ella misma, Dreamworks ha quedado muy lejos de ser una competidora, ya que en animación está lejos y en historias a años luz. Up demuestra que Pixar está en las alturas, los globos los han llevado muy lejos.

Es un placer observar de cintas como Up, en pocos filmes se logra una comunión tan interesante entre el público adulto e infantil, desde Ratatouille se nota que el estudio se preocupa más por los adultos, dejó hacer sólo películas diferentes y con ideas originales para agregar a sus cintas elementos y emociones con los que un adulto, incluso una persona de la tercera edad, pueda verse reflejado y lo lograron sin perder a los niños que pueden divertirse al ver a un perro hablar o una casa en pleno vuelo, persecuciones, un ave haciendo bromas. Up es la síntesis del objetivo, es el punto a donde querían llegar y lo hicieron con éxito.

Su próximo filme anunciado es Toy Story 3, esperemos que puedan llevar a este clásico a niveles más altos y no pierdan el toque, ya que la primera parte de esta saga es una obra maestra, otra óptica de lo que significan los juguetes. Bien por Pixar, ya que han logrado desde hace tiempo que el cine para niños sea algo más que princesas o animales en una selva, adentro del sistema han ido esparciendo esos virus llamados sentimientos reales entre todos esos personajes que habitan mundos fantásticos.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

Star Trek: la definición del verano

2009-06-10T10:42:00.000-07:00

J.J. Abrams es uno de los hombres más exitosos de la televisón estadounidense al escribir, dirigir y producir series como Alias, Lost y Fringe. En este año se encargó de dirigir y llevar a la pantalla grande la serie clásica de los años sesenta, Star Trek. Abrams, al realizar este filme, volvió a aplicar la fórmula correcta para emocionar y entretener, esa que le ha dado grandes resultados, otra vez su reputación de generar éxitos sigue firme y las taquillas se lo agradecen.
La trama de esta nueva cinta intergaláctica nos adentra a los comienzos de todo. Los dos personajes clásicos y más importantes, Kirk y Spock, son desarrollados desde la infancia (con cuestiones breves pero que definen su destino y personalidad) hasta el momento de encontrarse en la nave USS Enterprise en la cual tendrán que luchar contra Nerón, líder de los romulanos, los villanos de esta cinta, quienes buscan venganza y destruir los planetas asociados a la Federación para vivir libres. Nerón ansía recuperar un lugar para vivir, ya que acusa a Spock de haber destruido su planeta. De ahí en más, viajes en el tiempo, teletransportación, rivalidades entre los personajes y uno que otro monstruo será parte de esta aventura que no da descanso al espectador.
Uno de los aciertos de J.J. es respetar elementos de humor y el estilo de la serie para los fans de la misma, los cuales son los primeros críticos cuando una película no es fiel a la esencia. Las personalidades de Kirk y Spock no sólo se mantienen sino que se acentúan, uno como un ser arrogante, aventurado pero al mismo tiempo consciente de su responsabilidad y el segundo con una gran inteligencia y renuente a mostrar sus sentimientos. A la materia prima original el director agrega mejores efectos especiales y una excelente banda sonora que modernizan a la cinta, otra vez los sonidos son de gran importancia en un trabajo de Abrams.

Hay varios aciertos en el filme, el principal es que la cinta nunca deja de ser entretenida para el espectador, es ágil y no se estanca. El manejo de la acción y del suspenso son bien llevados y la película crece segundo a segundo en aventuras y en pocos minutos, aunque no seamos fans, ya estamos adentro del mundo Star Trek, es admirable que esta película pueda ser apreciada por cualquier cinéfilo más allá de que se pertenezca o no a los seguidores de la serie, quienes sabrán apreciar los detalles. Los personajes están bien trabajados para el fin que busca la cinta que es la emoción y lo logra sin necesidad de caer en escenas de acción desproporcionadas. El humor está presente pero no llega a ser molesto como en otros trabajos que buscan momentos relajados, aquí se sienten naturales y parte del mundo que rodea al filme.

A pesar de estos logros, si la cinta tiene una falla es no querer ser más. Se conforma con representar bien a los filmes de verano y entregar un buen paquete de diversión, acción y emociones, sin embargo faltó un poco de mayor profundidad a los personajes, ensombrecer por momentos la cinta con mayor conflicto y tomarse un respiro para desarrollar más a los personajes, darles un toque de mayor complejidad, aunque, claro, esto no fue algo que omitieron sin saberlo los creadores, se nota la intención de ser rápidos y en pocos minutos estar en el grano, quizás en las secuelas puedan tomárselo con más calma, un filme un poco más adulto hubiera llevado a esta cinta a otros niveles en lo que respecta a la ciencia ficción.

En cuanto a las actuaciones, los dos jóvenes que llevan el peso son Chris Pine como Kirk y Zachary Quinto interpretando a Spock. El primero es casi un novato en el cine, aunque había tenido participación en pocos capítulos de diversas series como Six Feet Under o ER. El segundo, con mayor experiencia, tiene su mayor trayectoria en las series, destacando su labor en 24 y en Héroes, en donde interpreta a Sylar. Ambos están bien, no maravillosos, pero cumplen, el primero muestra un personaje que se hace odiar al mismo tiempo que va enseñando las características de héroe que le vienen por genética. Quinto sobresale debido a que Spock es un personaje maravilloso, un ser que debe controlar sus sentimientos y que su conflicto interno es mayor al ser hijo de una humana y un vulcano, debe aprender cuándo ser paciente y cuándo estallar, su destino también lo marca y Quinto logra explotar bien las características de Spock. Dos actores con más experiencia dan soporte al filme, Eric Bana interpretando al villano Nerón. Entre tanto maquillaje Bana se pierde y no da una de sus mejores actuaciones, el personaje tampoco le da para mucho, el "malo" de esta cinta es uno de los personajes más flojos y le faltó mayor tiempo en pantalla y conocer más su problemática para, si no justificar, sí comprender con más claridad su móvil, su maldad. Una sorpresa es encontrarnos con Winona Ryder como madre de Spock, ya se la ve madura. Y aunque su personaje es pequeño logra mostrar su experiencia actoral, quizás con este trabajo pueda volver al estrellato de sus inicios, ya que a pesar de que no ha dejado de actuar ha perdido brillo y presencia en los grandes proyectos. Un agasajo para los fans es la presencia de Leonard Nimoy, quien fuera el Spock original en la serie, interpreta al mismo Spock sólo que el del futuro, lo que emparenta a este filme con la tradición de la que proviene.

Así, J.J. Abrams logra un buen primer filme de lo que será una nueva saga de Star Trek, la siguiente cinta planea su estreno en 2011. Quizás profundizando más, adentrándose en la ciencia ficción, conflictuándo más a sus personajes y haciéndolos ver vulnerables como ocurre en Lost, Abrams logre que Star Trek se transforme en una película más madura y la haga trascender. Por ahora se ha conformado con ser simple entretenimiento, eso sí del bueno, y que sirve para definir lo que es una película de verano.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Un Wolverine destructible

2009-06-04T21:54:00.000-07:00

X-Men Origins: Wolverine no es decepcionante debido a que era de esperarse que este filme que funciona como precuela de la saga de los X-Men no tendría la fuerza de los anteriores, mucho menos de las dirIgidos por Bryan Singer.

El director encargado de esta cinta fue Gavin Hood, el sudafricano es conocido por Tsotsi, filme que en 2006 se llevó el Oscar a Mejor Película Extranjera, sin embargo no se puede decir que salga bien librado en esta cinta que nos narra el inicio del personaje más popular de los X-Men.

Como señalaba anteriormente, la historia se centra en cómo Logan, un mutante indestructible y con capacidad de recuperarse de cualquier herida se transformará en Wolverine, ese ser con un esqueleto de adamantiun debido a los experimentos de William Stryker para formar el soldado perfecto. La cinta también se basa mucho en la relación entre Logan y Victor (Sabertooth) hermanos (en el cómic no tienen este parentesco) que han luchado toda su vida juntos pero que en un punto no podrán seguir unidos debido al instinto asesino del segundo. Cabe señalar que el origen de la tradicional rivalidad entre ambos sí está incluido en la cinta y tiene que ver más con el asesinato de alguien querido para Logan.

Comenzaré con las fallas del filme ya que me pareció encontrar varias significativas. La primera de ellas es la falta de profundidad en el mensaje que habían alcanzado sobre todo las dos primeras cintas de esta saga, las cuales se preocuparon por ver a estos héroes como seres marginados de la sociedad por ser diferentes, aquellas películas trascendían de mostrarnos sólo personajes de cómic, eran simbólicas de todos aquellos que en la sociedad son apartados por no pertenecer a la mayoría. En Wolverine no se aborda este tema que es un hilo conductor en los X-Men. Otro gran error es que la película tiene muchas dosis de humor que no son necesarias, en las otras entregas se podían apreciar estos momentos pero no eran forzados, además que lucían más sutiles dentro de la armonía del filme, aquí se notan las partes cómicas que sólo buscan la risa, son secuencias para aligerar un filme que tiene alto contenido dramático y cargas de romance. Con los hechos que ocurren en la trama se pudo haber construido un personaje más oscuro y atormentado, no un héroe que es indestructible y que sólo busca venganza. La mezcla de géneros no resulta. Otro error es que todo ocurre muy rápido, por momentos pareciera que Wolverine va contra el tiempo y tiene que contarnos todo en cierta cantidad de minutos. Desde los créditos iniciales la cinta ya se "come" parte de una historia que pudo ser narrada en mayor cantidad de minutos, el comienzo nos dice "no tengo mucho tiempo, voy al grano".

Otro punto a destacar es que más allá de que la cinta sea fiel o no al cómic, hay personajes que no lucen. Los mutantes mostrados aquí no son de gran impacto, comparado con las anteriores entregas en donde cada personaje estaba bien definido. Se agradece la incursión por primera vez de Gambito, uno de los favoritos de los fans, sin embargo el tiempo en pantalla es muy poco. Se espera que pueda haber una cinta dedicada exclusivamente a él o que tenga un rol más importante en próximas entregas de los X-Men. Siguiendo en el tema de los personajes, Deadpool es uno de los peores logrados, ya que su traje característico no está presente, además de que sólo tiene un rol importante en la parte final del filme. Detalles como éste podrían pasar desapercibidos si la cinta funcionaría por sí sola, más allá de estar basada o no en un cómic, con o sin ningún contexto es débil. La última falla e importante es que las secuencias de acción no son espectaculares, ni muestran originalidad estética, algo muy diferente a los que vimos por ejemplo en Watchmen, donde el estilo es una de las mayores preocupaciones de los creadores.

Es por eso que este nuevo filme relacionado con mutantes no está al nivel de ninguno de los tres anteriores, en donde los personajes estaban mejor construidos y la cinta trataba de proyectar una idea más allá de la acción. Considero que X2 es la mejor lograda hasta el momento, se conjunta la acción con el mensaje de los seres marginados; en ese entonces, Singer se mostraba como un gran director, después se involucró en el bodrio que fue Superman Regresa y su película de nazis mediocre Operación Valquiria, quizás si él se hubiera mantenido a cargo del proyecto X-Men la saga podía haber sido más larga en varias aventuras que aún faltan por contar con estos personajes como la aparición de villanos como Apocalipsis, Siniestro o los Centinelas.

Si hay aciertos en Wolverine es que a pesar de todo lo anterior, la cinta no suelta al espectador y lo mantiene interesado en la trama. Es una película que no quiso trascender y se conformó con ser un simple entretenimeinto de verano, lo cual logra, pero no sorprende ya que sólo se esperaba eso de ella.

Actoralmente a Hugh Jackman se lo ve bien, domina varios géneros y ya conoce a su personaje, sin embargo no alcanza los niveles de Christian Bale en Batman porque Wolverine se nos ha presentado más simple. Quien tiene una destacada actuación es Liev Schreiber, como Sabertooth, al mostrarnos a un humano que poco a poco se transforma en bestia.

Wolverine sirve para confirmar que el camino de Marvel es la sencillez, entretener y punto, desde hace mucho dejó de interesarse por el estilo o por contar historias que convelleran algo más que personajes de acción. Ejemplos sobran: Spiderman 3 (lo que pudo ser oscuridad total se convirtió en comedia), The Incredible Hulk (2008) (se preocupó por mostrar peleas entre monstruos y se alejó del estilo dado a esta misma cinta por Ang Lee) o Iron Man (un despliegue de tecnología que muestra a un ricachón borracho peleando contra otra bestia robótica). Se entiende que estas cintas van dirigidas principalmente a un público joven, pero Batman El Cabellero de la Noche mostró a dónde pueden llegar las películas basadas en superhéroes y en personajes extraídos de cómics, es por eso que se debe exigir a estos filmes mantener el nivel de entretenimeinto pero sin omitir la madurez. Es una lástima que la película basada en el mutante más famoso no haya sorprendido y nos dio los que se esperaba, simple entretenimiento. Si este X-Men es casi indestructible, la cinta basada en él será hecha trizas por la memoria.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

Un espacio para las letras

2009-06-01T11:08:00.000-07:00

Una pasión secreta (The Reader), es un filme que demuestra que la literatura puede encontrar un lugar en cualquier persona y el placer que genera la lectura va alejado del pasado o los crímenes cometidos, las palabras al oído quizás puedan resultar un alivio.
El director Stephen Daldry (Billy Elliot y Las Horas) da otro paso seguro en su carrera con este filme, quizás no supera a sus anteriores dos cintas, sin embargo le sirve para consolidarse y acercarnos desde otra perspectiva al nazismo y a las implicaciones que tuvo durante la Segunda Guerra Mundial.
La trama, que da inicio en 1995 pero que en instantes nos remonta a 1958, se centra en la relación entre el joven Michael Berg y Hanna Schmitz, ella por lo menos quince años mayor que él. En un encuentro casual ella atiende a Michael que se siente mal mientras camina cerca del departamento de ella; luego de tres meses de recuperación, él la buscará para agradecerle y ambos entablan una relación amorosa pero al mismo tiempo extraña, ella es autoritaria con él, no lo trata con ternura, sin embargo lo inicia en el arte del sexo, a cambio el joven tiene que leerle novelas de diferentes autores para poder acceder al cuerpo e Hanna. Tras una separación repentina, que deja dolido a Michael, él descubrirá años después que su amor de verano está siendo juzgada por crímenes cometidos contra los judíos durante la guerra.
Uno de los principales aciertos del filme es el desarrollo del personaje de Hanna, una mujer con varios matices, que al mismo tiempo que nos muestra su cara dura, misteriosa y en donde se puede evidenciar que hay algo oculto, aunque por momentos se nos revela como alguien sensible, capaz de conmoverse hasta las lágrimas con diversos pasajes literarios y que llega a sentir amor por este chico que refresca su vida. En Hanna podemos ver a una mujer llena del sentido de responsabilidad y el deber a pesar de sus desconocimientos. El tema del analfabetismo en el personaje de Hanna es clave para captar la lectura completa de la cinta, ella necesita de alguien que la acerque a ese mundo lejano de libros y palabras, alguien que a través del conocimiento le haga comprenderse a ella misma y le quite ese escudo de la ignorancia que carga.
Daldry maneja de forma correcta los tiempos, nos introduce primero a una historia de amor casi prohibida, retorcida, sin embargo poco a poco sentimos atracción por ambos personajes y su relación oculta, cuando el principal tema del filme es destapado la cinta adquiere otro tono y se vuelve más seria, profundiza en lo que significa la justicia. Otro logro es mostrar cómo una persona puede marcar la vida de otra. A pesar del poco tiempo compartido entre Hanna y Michael, él se verá afectado para siempre por esos meses, su vida no podrá dejar atrás a esa mujer misteriosa que le encantaba que le leyeran.
En cuanto a los errores de la cinta yo destacaría dos. El primero de ellos que sea hablada en inglés. No me cansaré de defender en este espacio la postura de que las películas deben ser habladas en el lenguaje de dónde son originarios los personajes. Los alemanes deben hablar en alemán y no con acento británico. La cinta pierde fuerza y le pasa lo mismo que a El Niño Con El Pijama de Rayas. Esta película en alemán hubiera adquirido mayor personalidad y honestidad, una visión desde el centro de los hechos. Otro error es que la cinta tampoco llega a conmover con gran fuerza, no se pide llevar al espectador a las lágrimas, pero sí tener más puntería hacia los sentimientos para que resulte una obra desgarradora, al final del filme nos sentimos sólo como testigos de una historia y no tanto parte de ella, la cinta no golpea la mente, sólo pasa enfrente de nosotros como una triste postal. Las críticas han señalado que es un error pretender ternura o sentimientos en alguien que perteneció a la SS, para mí no esto no es un falla, al contrario, aplaudo esta óptica y que se pueda abordar el tema desde otro ángulo.
En lo que respecta a las actuaciones, Kate Winslet como Hanna y Ralph Fiennes como Michael cumplen. Sin embargo no me parece que Winslet merecía por esta interpretación el Óscar, su trabajo no alcanza a ser ni la mitad de bueno que lo logrado por Meryl Streep en La Duda. De hecho Winslet luce más sólida en Sólo Un Sueño (cinta dirigida por Sam Mendes). No hay en fallas en su trabajo en Una pasión... sin embargo tampoco luce brillante ni logra un alto impacto, además la caracterización de sus últimos años tampoco le ayuda para mostrar a una Hanna acabada por el tiempo. La actriz cumple porque el personaje resulta complejo en el sentido que contiene varias facetas, aunque no dan ganas de darle un premio al finalizar de ver el filme. Fiennes como siempre, certero, sabe de lo que se trata su personaje y lo desarrolla sin problemas, es un buen apoyo en el que la cinta se sostiene para narrar la vida de Michael de adulto y ver cómo lo ha afectado su pasado, sin embargo al actor se le recuerdan mejores momentos, por ejemplo Spider de David Cronenberg o más recientemente en La Duquesa, sin olvidar, por supuesto, su destacada participación en La Lista de Schindler.
En la parte visual, el mayor acierto es la correcta ambientación en los años cincuenta, los tranvías, el vestuario, las calles de Alemania, los veranos europeos. Los saltos de presente a futuro también le dan al filme una movilidad interesante, sin embargo faltó mayor fuerza en la historia que nos muestra al Michael mayor.
Daldry se sigue mostrando como un director interesante, sin embargo, en este filme le faltó la oroginalidad y potencia dramática mostrada en Las Horas (una historia a la que no se podía ser indiferente) o la frescura de Billy Elliot, que conmovió con su sencillez. The Reader no será el filme por el que se lo reucerde aunque tampoco es un paso en falso. Me quedo con el goce de las palabras, con esa relación que la cinta establece entre las letras y el sexo, con ese escape infinito que se encuentra en los libros.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Secretos deslucidos

2009-05-25T22:51:00.000-07:00

Después de presentarnos El Último Rey de Escocia en el 2006, filme que si no fue una gran obra, dejaba ver que el director Kevin Macdonald era capaz de producir cintas con fuerza interpretativa por parte de los actores, en este 2009 llega a los cines Los Secretos del Poder (State Of Play), película que lamentablemente nos muestra a un Macdonald más tibio, incapaz de aprovechar a su reparto y a cargo de un guión que se diluye conforme avanzan los minutos, además de ser carente de originalidad.
La trama se dispara con el asesinato de Sonia Baker, amante del congresista Stephen Collins (Ben Affleck), ex militar y quien investiga los negocios ilícitos de PointCorp, una compañía privada la cual vende armas al Gobierno de los Estados Unidos, formando un monopolio y haciendo de la guerra un negocio. Al parecer la muerte de Sonia busca amedrentar a Collins. Cal MacAffey (Rusell Crowe), reportero del Washington Globe (amigo de Collins) se encarga de investigar el asesinato para su periódico, desde ahí poco a poco se irán descubriendo las pistas que nos llevarán a enterarnos de la verdad.

Comenzaré hablando de los aciertos del filme. Macdonald sabe manejar el ritmo de la cinta, no la hace trepidante pero tampoco cae en el aburrimiento que obligue al espectador al bostezar, la película puede llegar a sentire larga, sin embargo los filmes que se centran en la resolución de un misterio logran mantener la atención del espectador si la información se va soltando poco a poco. Un segundo acierto serían las temáticas planteadas: la guerra como negocio, la corrupción, el filme también busca cuestionar a los medios, discernir de aquello que es información o no, el periodismo como un arma para que la verdad salga a la luz, el periódico impreso como algo tangible ante el avance del Internet, los medios ýa transformados en un negocio preocupado cada segundo por vender, la relación de los jefes editoriales con aquellos políticos que buscan ocultar la verdad. El atreverse a hablar de estos temas se aplaude, sin embargo al final del filme uno no se lleva más que un intento de ser confrontador.

La cinta no termina por desarrollar ninguno de estos temas, el principal error es dejar de denunciar para convertirse en una película que roza la acción y el suspenso, transforma al personaje de Crowe en un héroe, lo convierte en un ser casi intachable, cuando se conoce que los periodistas de nuestros días tienen poco de heroicos, ya sea por su ego, porque los sueldos no lo ameritan o simplemente porque no pueden escapar del sistema, los medios para los que trabajan no son tan democráticos como lo presenta el filme al final de cuentas, la critica a los medios se queda en sólo una simple mención, el cuento de la democracia permanece intacto tras observar el filme y esto lo hace débil, no es contundente con la crítica inicial, el enredo de los personajes diluye y aleja el objetivo, la critica a las compañías que hacen de la guerra un negocio se pierde entre tanto misterio y pistas ocultas, todo se reduce a un personaje. Repito, Los Secretos es una cinta tibia, temerosa.

Otro gran error es el plano actoral. Conociendo las capacidades de parte del elenco no queda más que adjudicar el error a Macdonald y al guión que no apoya a los intérpretes. El personaje de Crowe, un periodista con experiencia, pasado de peso y por momentos despreocupado, está correctamente caracterizado, el neo zelandés construye físicamente bien a su personaje, sin embargo por momentos no luce convincente, sobre todo en una escena de acción. Lo peor de Cal MacAffey es que termina siendo un personaje gris, que le da pocos momentos a Crowe para mostrar todo lo que sabe hacer. Helen Mirren, quien interpeta a Cameron Lynne, editora del Wshington Globe, está desperdiciada en uno de esos personajes que sólo sirven como un contrapeso para el actor principal, cualquier actriz pudo ponerse en los zapatos de ese personaje, no era necesaria una ganadora del Óscar para algo tan deslucido. De Affleck más vale no hablar, de él no se puede pedir mucho, no le recuerdo una actuación digna de aplausos, entre películas de acción y comedias románticas el actor que empezó como una promesa junto a Matt Damon, no se acerca a los niveles interpretativos que le hemos visto a su ex compañero.

En la parte visual el filme no aporta, está narrado de una manera tradicional, hay poco que destacar en este aspecto.

Los Secretos del Poder es una película decepcionante no porque se esperara mucho de ella antes de verla, sino porque en el transcurrir del filme uno puede advertir que la cinta será un golpe duro al sistema, que alguien saldrá mal parado, que realmente se cimbrarán las bases y no sólo se soplará un viento débil para hacernos creer que realmente se denuncia. Este es un filme que nos demuestra que cuando se quiere atacar a alguien debe hacerse con toda la fuerza, sin concesiones, porque si no la simulación termina volviendo al filme parte de esa manera de jugar llena de trampas que pretendía denunciar en un principio.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

Bajo el embrujo de la muerte

2009-05-18T22:05:00.000-07:00

Tras un largo ayuno cinematográfico debido a esta rara Influenza, por fin los cines abrieron sus puertas y este blog vuelve a la vida.

En Brujas (In Bruges), largometraje debut del inglés Martin McDonagh, resultó ser un filme soprendente, cautivador, conmovedor y que llena de golpe todas las ansias de sentarse frente a la pantalla grande que había en nuestra ciudad.

El filme acompaña a Ray y a Ken, dos mafiosos británicos que son mandados por su jefe a Brujas para desaparecer por un tiempo, debido a que cometieron un error muy grave en un último trabajo, de ahí en adelante, la trama se vuelve una bola de nieve que poco a poco, sin vertigos exagerados, va creciendo de tamaño.

Uno de los principales aciertos de la cinta son los diálogos y la relación que se establece entre los personajes de Ray y Ken, el primero es el novato atormentado por su error y que encuentra en Brujas no un paraíso o cuento de hadas como la mayoría de los turistas, para él, esta ciudad llena de misterios, pasados, museos y alma medieval no representa nada más que estar atrapado en un infierno del cual quiere escapar, un sitio que sólo logra deprimirlo y le impide escapar de los demonios que guarda adentro de él.

Por el contrario, Ken, de mayor edad y experiencia asesinando personas, muestra en Brujas su lado cultural, disfruta cada centímetro de la ciudad, aprovecha el sitio para relajarse, llevarse las cosas con calma, conocer a Ray.

El filme acierta al mezclar humor negro, drama, comedia y diálogos que pasan de lo superficial a indagar en cuestiones más profundas como el destino, la crítica a la religión, la constante preocupación por redimirse, por afrontar el castigo que la culpa desea. En Brujas logra hacer reír al espectador, sin embargo esta ciudad, en todo momento, así como la cinta, lleva escondida en su en su bruma de fantasía, un olor a tragedia que se impregna en la piel de los personajes, no hay momento de paz que no esté matizado de una porción de pesadumbre, de nostalgia por lo que no se fue, de querer apretar un gatillo para explotar el propio cerebro.

El filme también aborda varios temas políticos, se atreve a hablar de forma absurda y al mismo tiempo comprometida sobre el rascimo y como buena cinta británica muestra un refrescante desprecio hacia la cultura de los Estados Unidos.

Los diálogos excelentemente construidos acuden en varias ocasiones a hablar del Infierno, Purgatorio y Cielo, lugares más allá de la muerte pero destinados para ejecutar ese castigo que estos criminales deben recibir. El destino de la muerte los persigue, los vigila de cerca a pesar de estar rodeados de una ciudad sacada de un sueño antiguo.

En cuanto a la parte actoral, Colin Farrell como Ray logra mostrarnos a un asesino a sueldo con varios matices, atormentado por sus errores, entregado a los vicios para olvidar sus penas, deseoso de escapar de un lugar que le resulta un encierro para su necesidad de no pensar, de aislarse de él mismo, un lugar tan tranquilo lo obliga a enfrentarse a él. Por otra parte, el experimentado Brendan Gleeson nos muestra un asesino capaz de alcanzar altos grados de sensibilidad artística y espiritual, es todo lo opuesto a lo que esperaríamos de alguien que ha dedicado toda su vida a matar, sin embargo descubrimos en él a un ser entrañable, capaz de entender la belleza y la amistad, quiere entregarle a Ray la oportunidad que quizás él no tuvo. Ralph Fiennes se agrega en la parte final de la cinta interpretando a Harry, jefe de los anteriores, un hombre rudo, sin piedad, dispuesto a que sus códigos sean cumplidos. Los tres logran llevar a buen puerto a sus personajes, destaca Farrell, quien carga el peso de la cinta y ha demostrado que cuando tiene un buen director tras de sí logra grandes interpretaciones. Ray de En Brujas nos recuerda por momentos a Terry de Los Inquebrantables, película dirigida por Woody Allen, en donde también su personaje se ensucia las manos y la culpa llega.

En el aspecto visual, la cinta no tiene fallas, de hecho es perfecta. La cámara logra pasearnos con suavidad por cada aspecto, cada construcción de Brujas, descubrimos su arquitectura, sus canales, el arte, esos callejones en donde es fácil matar a alguien. Se nota que McDonagh tiene experiencia teatral, ya que sabe explotar el dramatismo de cada escena con secuencias largas, no basa el resultado en una edición vertiginosa, desde la cámara testigo ya obtiene lo que busca, captar la tragedia, atrapar el destino con la lente.

Así, En Brujas es la huella de un camino que apenas comienza para McDonagh, que de seguir por este sendero logrará grandes obras maestras, por lo pronto su ópera prima es un filme excelente, que transporta al espectador por todas las emociones, lo divierte y conmueve, lo lleva a mundos mágicos y poéticos, pero sobre todo, le demuestra que el Infierno está en la Tierra, aunque Brujas se cubra con la máscara de Paraíso.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE.

Ese monstruo de mil caras

2009-04-26T22:02:00.000-07:00

La directora española Isabel Coixet (La Vida Sin Mí) llega a México este año con Elegy un filme basado en la novela The Dying Animal de Philip Roth. Como dato curioso, el título de la cinta fue pésimamente traducido al español, ya que al nombrarla La Elegida cambia de inicio el sentido del filme, el cual pretende presentarse como una elegía, es decir, como un canto o composición poética hacia los muertos.
La trama ce centra en el personaje de David Kepesh, un crítico y maestro de literatura el cual ya ronda los sesenta años y que suele tener relaciones sexuales con sus alumnas. Un hombre que escapó a su matrimonio, abandonó a su hijo y no cree en las ataduras de las relaciones convencionales, un ser que ha vivido bajo el manto del placer y que ve cómo la vejez se le presenta como un obstáculo para continuar con su estilo de vida. Sin embargo, llegará a su clase una alumna que le dará vuelta el mundo, que con su belleza logrará dominarlo y hacerlo caer en esas garras dolorosas del amor y los celos, quizás la primera a la que le pueda decir te amo sin dudarlo, Consuela Castillo, una latina que le brindará la locura de la pasión a Kepesh y lo hará sentir como un frágil adolescente.
Los mayores aciertos del filme radican en los temas que maneja: la vejez como una etapa cruel, el cuestionamiento del matrimonio como un lugar en donde pueda habitar el amor, la admiración por la belleza femenina y el placer, la capacidad de entregarse al amor que al mismo tiempo que es hermoso esconde bajo sus alas un lado que puede ser destructivo, la diferencia de edades como un obstáculo para consumar una relación. En el desarrollo de estos temas el filme se desenvuelve cómodo a través de los diálogos, ya que en ellos se encuentra la sustancia fundamental de la cinta, es evidente que el filme es originado por una novela, debido a la construcción de los personajes, a su profundidad y a la manera de expresarse.
La cinta es fuerte, desesperanzadora en ocasiones, muestra a los seres humanos frágiles a pesar de sus conocimientos intelectuales lo cual no necesariamente hace fuerte emocionalmente, el personaje de Kepesh es un solitario que sólo cuenta con George, un amigo poeta el cual le funciona como una especie de consciencia. Otro aspecto interesante del filme es que no aplica una mirada moralista ni crítica a ningún estilo de vida, muestra a los personajes libres, débiles en el manejo de sus sentimientos, Elegy pondera la honestidad con nosotros mismos sin importar lo que eso signifique.
En cuanto al lado actoral, Ben Kingsley (interpretando a Kepesh) y Penélope Cruz en el papel de Consuela hacen una buena pareja en pantalla, juntan experiencia con fuerza y pasión, en este sentido el filme se desarrolla seguro, no hay fallas en ninguno de los dos. Él nos entrega con credibilidad a un tipo solitario, ávido de placer y lleno de temores en su vejez, ella a una chica que desborda pasión y sensualidad pero al mismo tiempo soñadora e influenciada por las costumbres de su familia, en ella vive la esperanza que el perdió hace tiempo. Kingsley es garantía y Penélope con cada filme sigue demostrando su calidad como actriz, más allá de haber participado en algunos proyectos en Hollywood que no le redituaron más que posicionarse en el mercado y muchos dólares. Otro que suma a este filme es Dennis Hopper, un excelente actor que en los últimos años había estado perdido en proyectos de no tanta relevencia y que con su interpetación del poeta George O'Hearn nos muestra a un cínico pero que tiene muy claro cada uno de los detalles de la vida y del comportamiento humano.

A pesar de todos sus logros, Elegy es una película que prometía para más, los grandes diálogos del inicio, la presentación de sus personajes y los temas a abordar eran material suficiente para entregarnos un filme con solidez, sin embargo la forma de contarlo hace que decaiga. Los pocos escenarios, escenas repetitivas, momentos que parecen estar sólo como relleno y que son usados más de una vez hacen que se vuelva un filme cansado por momentos. Al ser una historia que no basa su fuerza en los hechos sino en el cambio interno de los personajes, el filme trata con escenas poéticas sostener un ritmo que no canse aunque no siempre lo logra, es una historia que es difícil llevar a la pantalla y al ver el filme se antoja más leer el libro que seguir viendo la película que se vuelve aburrida. Hay secuencias demasiado largas y la cámara y la edición no juegan lo suficiente como para despabilarnos.

Más allá de esta gran falla, Elegy es un filme que golpea a todos aquellos que se encuentran en la edad madura y que no le han dado oportunidad al amor, un cinta que nos obliga a concentrarnos en los detalles y en la belleza del momento, nos invita a dejar de preocuparnos por ese futuro que nunca aparece, que siempre es incierto y tratar de perder el miedo a ese monstruo de mil caras llamado amor.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

El pasado bajo las piedras

2009-04-14T22:17:00.000-07:00

Observar Un Secreto, película dirigida por el francés Claude Miller, es como adentrarse a una cebolla e ir descubriendo sus capas.
No quisiera hablar mucho de la trama debido a todo lo que hay que descubrir en este filme y que el mismo título anticipa, sin embargo, podemos decir que la historia se centra en el personaje de François Grimbert (interpretado por Mathieu Amalric, el actor francés de moda) quien ya como adulto recuerda su infancia en una Francia rodeada por el nazismo.
A pesar de hablar de la guerra y de las implicaciones que tuvieron para los judíos franceses, el filme trata de escapar del tema adentrándose más en la historia de amor de Tania y Maxime, los padres de François y en la relación de éste con ambos padres. Él tiene mayor afinidad con Tania, ya que su papá solía rechazarlo, hacerlo menos e ignorarlo. Una sombra del pasado se ubica en la infancia de François que poco a poco irá descubriendo.

Todos los personajes están bien construidos, cada uno muestra bien sus traumas, sus ideologías, el sentirse o no orgulloso de ser judíos, ver Un Secreto es similar a leer una novela que capítulo a capítulo nos interna en una historia cada vez más compleja que pasa de los traumas de un niño, a los problemas amorosos de una pareja, a la situación de los judíos en Francia rodeada de un nazismo implacable.

La belleza y la fragilidad del amor son otros dos aspectos bien planteados en el filme, Tania (interpretada por una hemosa Cècile de France) y Hannah (Ludivine Sagnier, no menos bella) envuelven la vida de Maxime, la cinta presenta a la belleza como esa capacidad de quebrar cualquier atadura impuesta por la moral.

Otro acierto del filme es que no tiene que enfocarse en la guerra o centrarse de lleno en el tema de los judíos para establecer la postura de los personajes, con detalles y siendo sutil la cinta se transforma de una simple hsitoria de amor en una película más relacionada con los conflictos bélicos y de razas.

Un Secreto es una lucha entre los problemas sentimentales y el entorno, quizás el desamor es más doloroso que una bomba...

En el aspecto visual la cámara sirve como un ojo al pasado, a todo aquello que no puede borrarse de la memoria de François. Es un acierto presentar la época moderna a blanco y negro y los años de la infancia del personaje principal a color, no sólo porque la mayor parte de la trama transcurra en el recuerdo, sino porque la adultez representa algo más oscuro, algo pesado de cargar por todos esos colores del pasado que aún brillan en la mente, por esa imágenes vívidas de sus padres jóvenes, ese pasado que aún respira con todos sus colores en Francois.

Este filme francés es valioso porque nos adentra a esos secretos que descubrimos de pequeños y que nos afectarán toda la vida, porque nos introduce de una manera diferente al tema de la guerra, es una historia bien narrada que no soltará al espectador, ya que, repito, es una obra en muchas capas, compleja, que va mutando conforme pasan los minutos.

No hay mucho que criticarle al filme, ya que narra con eficacia la historia que plantea y no hay momentos débiles, las actuaciones no son magníficas pero son aceptables, el guión es redondo y aunque el filme no alcanza los niveles de excelencia nunca se cae.

Un Secreto nos muestra que el pasado simplemente no se borra, es algo que vivirá por nosotros siempre, que modificará nuestro futuro, cada segundo de la infancia es clave para acumular amor o rencores, sin embargo puede que en el presente haya tiempo para quitarse las anclas de los dolores, de la culpa y tratar de llenar de tibios colores el futuro.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Monstruos debiluchos

2009-04-13T16:46:00.000-07:00

Este año Rob Letterman (El Espanta Tiburones) nos presenta Monstruos vs. Aliens (Monsters vs. Aliens), una película que si bien se salva del aburrimiento no logra convencer y termina cayendo en la mediocridad.

La trama se centra en un grupo de cinco monstruos: una chica que sufre un accidente y se vuelve gigante, un pez-hombre que es un eslabón perdido, una cucaracha muy inteligente, una gelatina sin cerebro y un insecto enorme quienes han sido mantenidos en secreto por el gobierno estadounidense, pero un ataque de extraterrestres hará que estos seres monstruosos sean los encargados de salvar a la humanidad.

Una de las debilidades de este filme es que la historia es plana, poco entretenida para los niños y sin una profundidad crítica o que busque una moraleja como en varias de las películas de Pixar, en sólo pocos momentos alcanza los terrenos del humor negro, sólo unas pequeñas puntadas que hacen ver al gobierno estadounidense como idiota son los momentos más rescatables del filme que pasará a ser intrascendente en la historia de las cintas de animación. La risa se encuentra pocas veces y la calidad de la animación tampoco alcanza los niveles logrados por Pixar quien sigue estando muy lejos de todos los intentos que ha hecho Dreamworks por generar algún filme que alcance los niveles de maestría de Pixar, sin embargo más allá de la primera entrega de Shrek o la primera parte de La Era del Hielo la productora del niño en la luna no ha logrado filmes memorables ya que sus guiones no son completos y suelen ser menos disfrutables para los adultos debido a que no se piensan como obras bajo todo un concepto artístico más allá de buscar la risa fácil. Madagascar 2 fue un claro ejemplo del deterioro en los guiones en los que suele caer Dreamworks.

Volviendo a Monstruos... el filme quizás pueda salvarse debido a que le ayuda que está siendo proyectado en tercera dimensión, lo que hace que esta aventura sea un poco más entretenida y disfrutable en las salas cinematográficas, ya que las sorpresas que provocan los relieves nos hacen olvidarnos por momentos de las pocas emociones y risas generadas por el filme.

A la cinta le faltó ser más crítica con el gobierno sin caer en el aburrimiento o en el tono adulto, también se requería que los personajes fueron desarrollados con menos vértigo para lograr una mayor empatía con los mismos, además de engoblar a la cinta en un concepto o en una moraleja importante en este tipo de filmes infantiles, ya que en este caso la cinta pudo ser algo más que una aventura divertida en donde extraterrestres malos se enfrentan a monstruos buenos. Dreamworks se vuelve a quedar lejos de Pixar que con ejemplos como Wall-e o la próxima Up confirma que está ya a otro nivel, llevando la animación a nuevos terrenos más allá del simple divertimento infantil.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

Nostalgia por lo clásico

2009-03-31T21:41:00.000-07:00

Tras El Sustituto, un filme con el que Clint Eastwood había dado un gran tropezón, el director nos presenta ahora Gran Torino, una cinta que lo confirma como un excelente creador de filmes que logran atrapar al espectador con personajes inolvidables y bien diseñados, característica esencial de Eastwood.

La trama se centra en el personaje de Walt Kowalski, un estadounidense de origen polaco que peleó para los Estados Unidos en su juventud en la guerra entre las Coreas y tiene que convivir con los fantasmas del pasado. La cinta arranca en el momento en el que Walt se queda viudo, por lo que tendrá que aprender a convivir con la soledad y adaptarse a esa vida en su barrio que hace mucho tiempo que ya no le pertenece sólo a los ciudadanos estadounidenses.

El filme tiene muchos aciertos en su guión al plantear varios temas y profundizar en todos ellos. Para comenzar la cinta nos habla de la vida y la muerte, las certezas y dudas que hay a pesar de la experiencia acumulada. El personaje de Kowalski también confronta constantemente a la Iglesia, es un tipoalejado de los templos, de los sacerdotes, de esos señores con sotana que buscan arrancarle una confesión y que logre arrepentirse por todos sus pecados.

Kowalski es un hombre que se protege tras su cara ruda, su coraza le funciona para alejarse del mundo moderno, de esos hijos que quiere pero que no tienen nada que ver con él, que se han adaptado a la globalización, al mundo de los autos japoneses, que han perdido su personalidad con tal de permanecer en su puesto de trabajo y se han vuelto insensibles con tal de adquirir más riqueza o sacar algún provecho de su padre.

El filme simboliza el aferrarse a lo antiguo, a lo clásico, a esas costumbres aprendidas por Kowalski de pequeño y que representan todos los valores norteamericanos que en su juventud estaba alejada de tantas influencias latinas u orientales, el personaje principal se pregunta si valió la pena luchar contra los asiáticos si al final su barrio sería copado por habitantes pertenecientes a otras razas.

El filme puede parecer racista, hay varios insultos hacia los chinos y latinos por parte del personaje de Kowalski, sin embargo su viaje emocional es tratar de abrirse a esas nuevas culturas que ahora se han depositado como sus nuevos vecinos, tratar de encontrar en su vejez un lugar para la aceptación, para entender al otro, a ese extraño tan diferente pero que al final de cuentas padece las mismas dudas y problemas existenciales que acosan a la raza humana. El personaje de Eastwood aprenderá al no generalizar, a distinguir que el bien o el mal no es cuestión de razas sino de individuos.

Eastwood tomó una gran decisión al encargarse él mismo del protagónico, quizás no haya en el cine alguien que represente con mayor eficiacia a la cultura noretamericana que Clint, por eso este personaje parece confeccionado a su medida, quizás bajo sus mismas ideologías, un hombre rudo, un personaje cerrado a los demás, un héroe falso que sabe defenderse pero a la vez vive atormentado por las crueldades realizadas en otros tiempos, un tipo que tratará en su vejez de dar una última mano, de adaptarse con resignación a un mundo cambiante que no respeta aquellos patrones que la gente mayor pensaba inmutables.

La actuación de Eastwood es genial, su interpretación pasa por muchos matices, se lo ve sarcástico, rudo, meláncolico, tierno, enfermo, en su mirada se conserva la potencia de un hombre fuerte aunque su cuerpo ya no le permita en ocasiones seguir adelante. Si se equivocó rotundamente a elegir a Angelina Jolie para el rol principal en El Sustituto, el director sabía que no había nadie más que él para el protagónico de Gran Torino, su fuerza actoral hace al personaje totalmente creíble, fresco, como cualquier vecino chapado a la antigua.

Visualmente la película no se preocupa por ser espectacular, la cámara simplemente recorre los diferentes aspectos del barrio, no hay grandes escenas de acción ni se trata de convertir a Kowalski en un héroe. Los planos sirven para mostrarnos poco a poco el enlace entre el personaje de Eastwood y la familia de chinos que vive a su lado, específicamente pertenencientes al grupo étnico Hmong que se ubican en el sureste de China, y debido a problemas políticos han emigrado a países como Vietnam, Laos o Tailandia.

La principal relación que se establece en el filme es entre Walt y Thao, un adolescente vecino de Kowalski, el chico obligado por una pandilla intenta robar el Gran Torino, un coche antiguo perteneciente al personaje de Eastwood. Este hecho comenzará a unir la vida de ambos, el muchacho funcionará como ese enlance entre Walt y el mundo exterior, a pesar de empezar con el pie izquierdo, una relación de amistad comenzará entre ambos.

A pesar de que el filme puede ser catalogado de racista por diálogos y actitudes del personaje principal hacia la cultura asiática, no hace más que presentar una realidad. La cinta no puede ser criticada en este punto ya que presenta la visión de ese norteamericano que se siente invadido por asiáticos, latinos, que percibe cómo sus espacios se ven reducidos por estas culturas que buscan en Estados Unidos alguna esperanza. El filme es crudo, real, pero se protege de ser tachada de racista al entregarnos a un personaje bien delineado al que se puede entender a pesar de no estar de acuerdo con su rechazo a los extranjeros.

El filme es un símbolo de lo perdido, de la nostalgia por lo clásico como el vehículo Gran Torino que se quedó en el pasado, la cinta muestra las consecuencias que ha generado la globalización y cómo los países que se han vuelto potencias económicas de alguna forma pagan su imperialismo al tener que recibir a todos esas culturas que han pisoteado.

En la vejez aún hay tiempo para derribar prejuicios, para animarse a probar nuevas comidas, sonreír con alguien a quien despreciamos en un principio, tratar de aprender de las diferencias a pesar de estar anclado a todo aquello del pasado que nos sabe mejor, es lo que puede rescatarse de este filme que nos hace entender que no hay peor demonio que esa soledad que no es buscada.

De esta manera Eastwood nos demuestra que a pesar de sus setenta y ocho años sigue estando en forma actoral, en lo que quizás haya sido su despedida frente a la cámara, la última escena de este filme puede ser una confirmación de lo anterior, sin embargo como director sigue produciendo, ya estamos a la espera de The Human Factor, un filme que retratará un periodo de la vida de Nelson Mandela, con Morgan Freeman (gran amigo de Clint) en el rol protagónico, Eastwood produce a pasos veloces para ganarle la carrera al tiempo.

La nostalgia por el pasado abrazó a Eastwood, y en su vejez nos entregó una historia que podría definirlo, que nos hace pensar que aún siente nostalgia por los héroes, por un puñado de dólares, por ser el bueno, el malo o el feo, por esos Gran Torino que ya nadie fabrica, la vejez ha hecho que Clint prefiera mirar hacia atrás, ya que el futuro muestra una cara que nadie quiere conocer.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

Una muerte sin gracia

2009-03-30T17:25:00.000-07:00

No siempre las películas que buscan las lágrimas del espectador lo logran, y Una Muerte Inesperada (Grace is Gone), debut cinematográfico como director de James C. Strouse , no termina por convencer al ser una historia plana, aburrida y poco comprometida.

La trama narra la vida de Stanley Philipps un vendedor expulsado del ejército por problemas visuales quien está a cargo de sus dos hijas, debido a que su esposa Grace (también miembro del ejército) se encuentra peleando por los Estados Unidos en la guerra de Iraq, desde el título se nos adelanta la muerte del amor de Stanley, por lo que la película se enfoca a un viaje en el que el padre tratará de reunir fuerzas para decirle a sus hijas que su madre ha muerto.

El problema con esta cinta es que la fuerza del guión es muy débil como para sostenerla por varios minutos, hay escasez de hechos, todo se basa en una situación para ver de qué manera una familia es afectada por la muerte de un ser querido y aprender a aceptar la ausencia, conocerse como familia.

El guión nunca se compromete a meterse de lleno en los temas políticos, en si es correcto o no perder a un familiar por pelear una guerra, la cinta es temerosa y no toma una postura, este debate de haber sido mayor explotado le hubiera dado al filme más fuerza y una carga ideológica que la hubiera hecho menos olvidable, el personaje de Stanley al haber pertenecido al ejército se prestaba para hacerlo entrar en conflicto sobre este tema, sin embargo el guión optó por otros rumbos en donde no se encontraba la sustancia más poderosa.

Al poseer un formato de road movie la cinta requería que el paisaje y los entornos se lucieran más y estos espacios geográficos fueran influenciando a los personajes, sin embargo la mayor parte de la cinta transcurre en una camioneta, vehículos o centros comerciales, lo que hacen poco atractiva visualmente.

A nivel actoral John Cusack carga con todo el peso del filme, apoyado por Shélan O'Keefe y Gracie Bednarczyk, quienes interpretan a Heidi y Dawn las dos hijas de Stanley. Cusack se salva de que su actuación se califique de mala, sin embargo continúa sin convencer, parece que nunca alacanzará el nivel de los mejores actores de su generación, este filme podría haber incrementado en calidad sin un intérprete con mayor dominio de su profesión, de la emociones y que luciera más natural se hubeira encargado de dar vida a Stanley. Las dos actrices jóvenes no lo hacen mal, sin embargo a la película no le alcanza con este trío.

No hay mucho que rescatar del filme, es simplemente un viaje en donde se busca aceptar a la muerte, mostrarnos cómo Stanley tiene que luchar contra la ausencia de Grace, cómo un padre tiene que ocupar los dos roles cuando él hubiera querido ser el que estuviera peleando y no su esposa, aunque el filme tampoco profundiza en este tema de roles cambiados.

El hecho de que la cinta se sustente sólo en torno a tres personajes tampoco le ayuda, es un guión muy débil que no se dio cuenta que potencialmente la cinta se hubiera podido convertir en una crítica dura a esas guerras sin sentido que destruyen miles de familias, el filme se hubiera podido alzar como una voz más poderosa, sin embargo es un susurro débil que trata de mostrar la fragilidad de un padre pero no se sostiene al estar apoyado en los hombros de un actor que conmueve muy poco.

Finalmente, la película se diluye buscando nuestras lágrimas, trata de que podamos sentir el frío de la muerte, un padre confundido, lo difícil que es pronunciar que alguien se ha muerto, sin embargo, repito, la película no se compromete, se mantiene en la tibieza por lo que está muy lejos de ser desgarradora, un filme al que realmente se le perdió la gracia.

CALIFICACIÓN: MALA.

Una joya desde el ring

2009-03-23T16:36:00.000-07:00

Darren Aronofsky (Pi, Requiem Por un Sueño, La Fuente de la Vida) vuelve a demostrarnos que es un excelente director, uno de esos genios que con cada película logra sorprendernos y emocionarnos, con cada obra logra superarse y conmover de diferentes maneras al espectador, apelando en ocasiones al intelecto y en otras al corazón.

El Luchador ( The Wrestler), la obra que nos presenta este año, es hasta el momento su filme más emotivo , más simple, sin embargo en esta sencillez el director encuentra su golpe más certero hasta el momento.

La trama narra la vida del profesional de la lucha libre Randy "The Ram" Robinson, quien tras ser una figura en la época de los ochentas, veinte años después se encuentra en la pobreza, peleando en escenarios pequeños y apenas consiguiendo dinero para sobrevivir, todo esto aunado a los problemas de salud que sufre debido a su vida de excesos tanto adentro como fuera del ring.

El director nos acerca a de "The Ram" como si estuviéramos viendo un documental que nos permite adentrarnos a todos sus hábitos, al vestidor de la lucha libre en donde los encargados del espectáculo se encargan de preparar el show, ese lugar en donde se ponen de acuerdo para los golpes falsos y el manejo de la pelea, de cómo todo se prepara, sin embargo esto no evita que la sangre aparezca o que los luchadores tengan que provocarse heridas para hacer el show más espectacular.

El personaje de "The Ram" es la encarnación de la decadencia, de todo aquella gloria que se fue alguna vez, representa la falta de esperanzas en el futuro, los errores del pasado que deben de pagarse, la soledad, el tener que trabajar en supermecados para sobrevivir porque la lucha ya no deja suficiente dinero. "The Ram" es ese perdedor que no puede ser más de lo que es, un ídolo que el tiempo va desgastando, transformándolo en una imagen del pasado que es insuficente para soportar los años que quedan por vivir, un ícono con sabor a otra época.

A pesar del estilo documental, el guión da espacio para que la cámara también nos introduzca a momentos conmovedores, por ejemplo la escena en la que "The Ram" busca salvar la relación con su hija a quien abandonó de pequeña. El filme visualmente no es espectacular, sin embargo es efectivo al narrar la historia como debe ser contada, desde la perpectiva del personaje principal, la cámara cercana a él, a su rostro demacrado por el tiempo, nos acerca a sus heridas, a su espalda de luchador siempre expectante a enfrentarse a un público.

Musicalmente la película es un culto a los años ochentas y al metal de esa época, "Cobain lo arruinó todo, los noventas apestan" es una frase dicha por "The Ram" y que puede ejemplificar la nostalgia del filme por esos años de glamour, de excesos, de una juventud que en su música apelaba más al desenfreno y se apartaba del existencialismo o de la depresión que llegaría en la voz de Nirvana, Pearl Jam, entre otros.

La actuación de Mickey Rourke como "The Ram" es simplemente magnífica. Aunque prometo no volver a mencionar los errores recurrentes de la Academia, volvieron a fallar a darle a Sean Penn el Oscar este año por su labor en Milk y no entregárselo a Rourke quien logra un trabajo femonemal. Su interpretación requiere un gran despliegue físico, al mostrarnos a un ser solitario, un luchador no sólo en el ring sino de la vida, un ser atrapado en el tiempo, su rostro rudo está plagado de emociones que nos hacen entender el gran vacío de "The Ram", es una de las mejores actuaciones de todos los tiempos, ya que Rourke logra transformarse en un ser complejo, uno de esos personajes inolvidables y que marca el regreso de un gran actor. Un gran soporte para Rourke en este filme es Marisa Tomei, quien interpreta a Cassidy, una stripper quien poco a poco irá enamorandose de "The Ram", quien lá admira más allá de sus curvas, dos seres que comparten la decadencia, la nostalgia de tiempos mejores, el personaje de Tomei representa esa esperanza que puede dar el amor para continuar en la vida.

De esta manera, Aronofsky nos presenta un filme completo, sin fallas, excelente desde cada punto analizable, ejecutado a la perfección, ya que a través de un profesional de la lucha libre nos entrega el símbolo de la lucha que es la vida, de la crueldad de la vejez, de la salud frágil, un sistema que creó un mundo para los jóvenes, de esas épocas que ya nunca volverán, que sólo se quedan en la memoria, clavadas en una foto, en un póster, la gloria de la juventud desvanecida en los años. Ver El Luchador es lanzarse desde la tercera cuerda y caer ahí, en en ese suelo duro, lleno de piedras e intransitable, ese sitio de dolores que la mayoría solemos llamar vida.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA.

El poder de los bancos

2009-03-16T21:57:00.000-07:00

El alemán Tom Tykwer ha demostrado ser uno de los mejores cineastas de la actualidad, su compromiso con la obra y con él mismo ha quedado de manifiesto en cada una de las películas que ha dirigido (El Perfume, La Princesa y El Guerrero, Corre Lola Corre), y en este 2009 nos presenta Agente Internacional (The International) una obra sin fallas, dinámica, crítica y que vuelve a demostrar la capacidad de Tykwer para manejar los ritmos de sus cintas y emocionar al espectador.

La trama se centra en un agente de la Interpol, Louis Salinger, quien se encuentra indagando la relación de un banco importante con la fabricación de armas, mientras realiza su investigación comenzarán a ocurrir muertes relacionadas con este caso para evitar que se descubran los intereses de los bancos y sus negocios ilícitos.

La película tiene grandes logros en su guión y en su trama, el primero de ellos es que es un filme valiente al apuntar su crítica contra los bancos, desnudarlos completamente, hacerlos ver como los grandes manejadores del mundo, capaces de provocar conflictos internacionales, dominar cada decisión política, controlar el sistema al hacerlos intocables; se los muestra maquiavélicos, apoyan revoluciones sin importar ideologías con tal de provocar la deuda en los países del tercer mundo, su misión es que la deuda nunca desaparezca, son dueños del dinero y gozan de un poder ilimitado. En su crítica a este sistema bancario, la película de paso también golpea todas las estructuras capitalistas de los diferentes gobiernos del planeta que han permitido que se llegue a estos abusos.

El filme también juega con la búsqueda de la justicia, el personaje de Salinger (interpretado por un estupendo Clive Owen) ansía que las instituciones bancarias sean castigadas, quiere llevar hasta el extremo su objetivo a pesar de descuidar los aspectos personales de su vida, es un agente que aún cree que puede haber lugar para la justicia en el mundo aunque todo le diga lo contrario, incluso la misma Interpol está involucrada con los bancos, los protege, por lo que deberá actuar fuera de la ley para aspirar a la justicia la cual parece ya no existir.

Como mencionaba anteriormente, la actuación de Owen es una de las mejores en su carrera, debido a que logra mostrarnos a un agente creíble, desgastado por su profesión, por los errores de su pasado, por un sistema al cual no puede vencer, un profesional absorbido por su trabajo y por la obsesión de derrotar a esos poderosos que parecen intocables, Owen nos demuestra a un tipo rudo pero al mismo tiempo vulnerable, capaz de caer en cualquier momento. La actuación de Naomi Watts como Eleanor Whitman, compañera en la investigación de Salinger, también cumple al representar ese lado más racional y no tan instintivo en búsqueda de la justicia. En lo que se refiere a los villanos, no hay clichés y todos están bien delineados, en todo momento de la película lucen creíbles y no son caricaturas que representan a la maldad o la ambición. En el aspecto visual la película también es epléndida, varias locaciones europeas como Berlín, Milán, Lyon son retratadas con lujo. La película también se transporta a Nueva York para seguir la búsqueda de un criminal. Tykwer sabe rescatar los mejores aspectos de cada ciudad y las hace mostrarse en todo su esplendor.

Las escenas de acción son muy bien manejadas por una edición que añade suspenso, además de que el filme se abstiene de representar secuencias que sean totalmente inverosímiles para el espectador y se mantiene en un tono realista, aleja a Owen del status de superhéroe y lo mantiene siempre al borde de la muerte.

El director alemán ha mostrado que sabe adaptarse al estilo visual que requiere cada una de sus películas y manejarlo a la perfección, no se ha casado con una forma de narrar sus imágenes, a pesar de que muchos se enamoraron de él por la vanguardia que representó Corre Lola Corre, conservada por algunos momentos en La Princesa y El Guerrero y que desapareció en El Perfume para ponderar que cada imagen pudiera casi olerse, efecto que logró. En su más reciente filme, sabe que las ciudades son el marco para ir desarrollando su trama, se deja abarcar por la majestuosidades de los lugares, por las escenas de acción y por la complejidad de su personaje principal. Sin embargo, un punto en común pueden tener estos filmes: Tykwer logra generar imágenes inolvidables en cada uno de ellos.

Si algún día las películas de James Bond se animaran a dar un paso más radical del que ya han dado con las últimas entregas, deberían convertirse en algo parecido a Agente Internacional, una película sin miedos, entregada a la crítica más que a prorizar secuencias de acción increíbles, un filme que denuncia, en sí, una cinta inteligente, que nos demuestra que los bancos nos tienen en su poder, dominan a los gobiernos y no se cansan de acumular riqueza, de reclamar rescates financieros que cada ciudadano terminará pagando, no hay duda que la justicia está muy lejos, poseída por las garras del dinero dictador.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE.

Salir del clóset

2009-03-11T16:20:00.000-07:00

Gus Van Sant, un director de amplia trayectoria, reconocido por películas como Elefante, Mente Indomable, Paranoid Park o el remake de Psicosis, presenta en su más reciente filme parte de la vida de Harvey Milk, el primer hombre abiertamente gay que fue elegido a un cargo público en los Estados Unidos.

La historia narra desde que el político decide mudarse de Nueva York a San Francisco en 1972 y toda su carrera como activista gay hasta llegar a ser supervisor en 1977, en donde promovió y logró establecer leyes que respetaran los derechos de los homosexuales.

La cinta transita por terrenos seguros, Van Sant no corre grandes riesgos en cuanto al estilo narrativo, se encarga de retratar la vida de Milk en retrospectiva, ya que el político recuerda su trayectoria frente a una grabadora debido a que sabe que su vida corre peligro y que puede ser asesinado, como ocurriría unos días después.

Leyendo la biografía de Harvey Milk, el director no hizo más que apegarse a los hechos, a los documentos tanto escritos como visuales, por momentos imágenes de archivo aparecen en la cinta para darle un toque más realista. Van Sant coloca a su cámara cerca de los rostros, una cámara en movimiento, inquieta, que está adentro de los mitines, de las marchas, se interna en la lucha de Milk y busca con esto que la ficción se evapore, que nos parezca estar observando un documental.

No hay duda que lo mejor del filme es la actuación de Sean Penn, ya que al interpretar a homosexuales se corre el riesgo de ridiculizarlos o sobreactuar, sin embargo, Penn nunca pierde la sutileza, nunca confunde la sensibilidad de su personaje con movimientos exagerados, su rostro nos revela a una persona homosexual pero al mismo tiempo a un luchador social, a alguien apasionado por lograr justicia, sin duda es una de sus mejores actuaciones. Hablando de este tema, James Franco también debe llevarse las palmas al interpretar a Scott Smith, la pareja más importante de Milk a lo largo de su vida, un hombre veinte años menor que él pero que supo acompañarlo en su camino hacia el triunfo, primero como amante y luego como amigo. La relación que se establece entre ambos es tierna, dulce y Van Sant logra reflejar el amor en pantalla, más allá del sexo de los involucrados.

Otro punto importante del filme es que sirve para mostrar a la sociedad de los años setenta en Estados Unidos, llena de personajes y políticos conservadores que veían en los homosexuales a pervertidos, a enfermos mentales que había que curar y que no tenían los mismos derechos. La película es apasionada y sensible, refleja claramente la lucha para ganar espacios por parte de los gays, la necesidad de mostrarle al mundo que la sexualidad de cada persona es libre y el amor no tiene porqué limitarse a lo que dice la Biblia.

Si el filme no alcanza a ser una gran obra es quizás porque por momentos resulta un poco lenta y repetitiva, sin embargo Van Sant logra obtener todo lo que se puede de esta biografía y emociona al mostrarnos no sólo a un luchador, sino a un personaje sensible, afecto a la ópera y que también tenía ese vicio humano de dejarse envolver por el poder, de verse absorbido por su sueño logrado, de transformarse de un simple luchador a un "homosexual con poder". Milk era simplemente una historia que tenía que contarse fielmente, un retrato de una época que nos hace cuestionarnos si realmente la aceptación para los homosexuales ha llegado cuando aún los seguimos señalando con miradas en las calles, cuando se cuestiona la sexualidad de sus artistas, cuando muchos padres siente miedo al pensar que su hijo pueda ser homosexual. Aún muchas personas tienen que esconderse porque la sociedad juzga y sigue decretando lo que está bien o mal, sociedad enferma de religión que establece juicios en base al pecado escrito en un libro viejo. Aún estamos a años luz de que el homosexualismo se llegue a ver como algo normal, aún siguen siendo insultados en nuestras sociedades machistas, falta mucho camino, muchas leyes que algún día les permitan casarse o adoptar a un niño en cualquier parte del mundo, es por eso que un filme como Milk sigue siendo actual y debe penetrar en las consciencias.

Van Sant logró llevar a buen puerto la vida de un político que se convirtió en mártir, en ícono, en un símbolo de lucha, su muerte recuerda lo cerrada que puede llegar a ser la mente del hombre, la intolerancia que nace en la imposición de lo bueno o lo malo.

Como filme el director nos deja casi un documental sobre los años del político, una película que en su simpleza logra trasnmitir el mensaje pretendido, los gays deben salir del clóset y la sociedad debe entender que el amor tiene mil caras y que un ser humano nunca se definirá por lo que haga en la cama.

CALIFICACIÓN: BUENA.

Héroes y excesos

2009-03-10T15:48:00.000-07:00

Sin duda Los Vigilantes (Watchmen), es un paso adelante en la filmografía de Zack Snyder, quien con 300 había logrado mostrar sus pretensiones estéticas y se instaló como un director innovador en el plano visual, aunque la historia de los espartanos por momentos resultó plana y con fallas.

Ahora, tomó el comic escrito por Alan Moore (mismo realizador de V de Vendetta), una historia basada principalmente es seis héroes (Silk Spectre, Dr. Manhattan, Ozymandias, Rorschach, The Comedian y Nite Owl) , diferentes al prototipo de los más populares, ya que sólo uno de ellos tiene superpoderes (Manhattan). La historia toma la muerte de The Comedian como punto de partida y Rorschach, un personaje atormentado que cubre su cara con un máscara con manchas negras que cambian constantemente de forma y cuya mentalidad oscila entre la locura y la necesidad de imponer justicia a cualquier precio, buscará que los Watchmen se reúnan para descubrir porqué alguien está matando a los enmascarados. Todo esto ocurre en los años ochentas, teniendo a la guerra fría y un posible holocausto nuclear latente debido a los conflictos entre Estados Unidos y Rusia.

Dando una revisada al comic original, el cual se puede descargar en internet, nos damos cuenta que Snyder prácticamente llevó a pantalla cuadro por cuadro los doce tomos que conforman la trama, añadiéndoles vida y parte del estilo del que ya habíamos sido testigos en 300.

El soundtrack de la película es genial y lo más destacable, cada canción es precisa y agrega gran emotividad a toda la acción de la cinta. Snyder es un gran inovador en cuanto a edición y manejo de cámaras, no hay duda que tiene un estilo propio, algunas cosas heredadas de Matrix, pero bañadas de un halo más realista, sin importar la cantidad de sangre que se salpique en la pantalla. Se agradece que la cinta sea para adultos, que no haya concesiones en ese sentido. Visualmente el filme es una joya debido a su originalidad, ya que con Snyder descubrimos a un director único, inconfundible y que sabe lo que quiere en cada secuencia.

Por otra parte, lo mejor del guión es la definición de los personajes, de cada uno conocemos su lado oscuro, su visión de la vida, muy diferente en cada personaje, cada héroe tiene su concepto de lo que es la justicia y las formas de llegar a ella. Por ejemplo, para El Comediante todo es una farsa, jugar a los héroes, a mantener un sistema podrido y contaminado, mientras que Rorschach cree fervientemente en imponer la ley, a mano dura, casi de un modo fascista. Nite Owl, es el héroe más común, ése que sólo se ha anquilosado en la burguesía, sin embargo es uno de los menos atormentados. Snyder nos presenta a cada personaje y se toma su tiempo al hacerlo con flashbacks, de esta forma nos va quedando claro poco a poco el origen de cada héroe.

Mención aparte merece el personaje del Dr. Manhattan, un héroe que rompe con ese lado terrenal de la cinta, aunque es clave en el comic, en ocasiones luce como un personaje de otra historia, al ser el único capaz de todo, al adquirir poderes casi de un dios tras sufrir un accidente en un labortorio. De esta forma se vuelve capaz de poder cambiar de forma, viajar por el universo y ver el futuro, un héroe cuya única debilidad es no entender a los humanos. En cuanto a concepción e idea Manhattan funciona, al ser una gran contradicción, un héroe poderoso pero a la vez despreocupado. sin sentimientos, a la hora de participar en la historia, el gran poder de Manhattan destroza la incertidumbre y la vulnerabilidad de Los Vigilantes. Más allá de esto, todos los personajes están bien delineados, casi todos con la misma fuerza.

Otra cuestión valiosa son ciertos diálogos o momentos poéticos dentro del filme, más allá de ser un gran show de violencia, la cinta conserva la profundidad, aunque son tantas las ideologías manifestadas que Los Vigilantes pueden ser definidos como nihilistas, fascistas anti comunistas, maquiavélicos, despreocupados y por momentos, sólo por momentos heroicos, impartidores de justicia en los que no puede confiarse. Sobre todo en el Dr.Manhattan es donde se notan más estas contradicciones, ya que por momentos uno no comprende cómo su ojo científico puede estar cargado de tanto misticismo.

La forma de narrar emociona y mantiene al espectador ansioso, la pantalla está tan llena de elementos, incluso saturada, que hay que estar bien atentos para no perder detalles, tanto visuales como en los diálogos.

Más allá de la joya en cuanto a lo visual que puede ser esta película, se detectan tres fallas que hacen que este filme no sea excelente.

El primero de ellos es que Snyder vuelve a cometer el mismo error que en 300: la redundancia. Su estilo es excelente, pero termina por cansar al ser un sistema empleado en todo el filme, algo parecido a lo que pasó sobre todo con las dos últimas entregas de Matrix. La excesiva violencia, gratuita en ocasiones, risible en otras, la misma estética en las batallas, le dan una personalidad al filme, pero también lo vuelven excesivo, Snyder ganará en experiencia y sabrá que quizás con menos conseguirá más.

El segundo error son las actuaciones, más allá del buen trabajo de Jeffrey Dean Morgan como El Comediante (sin duda el mejor personaje de la cinta), los demás actores no muestran grandes momentos interpretativos.

Finalmente, noto una resolución acelerada, quizás Snyder hubiera requerido más de una cinta para este cómic, tal vez en varias entregas se hubiera disfrutado más y con menos vértigo una película que no da respiros, un filme de excesos, tanto de imágenes como de héroes, abundancia de ideologías, una película que se asemeja a una gran fiesta, un enorme banquete lleno de platillos y mujeres preciosas, una orgía visual de la que uno puede salir recordando miles de orgasmos o grandes dolores de cabeza.

CALIFICACIÓN: BUENA.

El sustituto de Eastwood

2009-03-09T16:09:00.000-07:00

Después de entregar joyas como Río Místico y Golpes del Destino no se puede entender que Clint Eastwood sea el director de El Sustituto (Changeling), ya que el filme parece realizado por un novato.
La película está llena de fallas en todos los aspectos que la convierten en una de las grandes decepciones del año, quizás la mayor, sobre todo al esperar tanto de un director consagrado.
La historia, ubicada en los años veintes en Estados Unidos, se centra en el personaje de Christine Collins (interpetado por Angelina Jolie), una telefonista la cual un día pierde a su hijo y tras algunos meses de búsqueda la Policía de Los Angeles aparentemente lo encuentra, sin embargo, sólo es un niño que se hace pasar por Walter, el hijo de Christine. Paralelo a estos hechos poco a poco nos vamos enterando de la existencia de un psicópata el cual roba niños para asesinarlos.
El principal error está en el casting, Eastwood sabe bastante de actuación como para pensar que Jolie podía entregarle credibilidad. Este filme requería de una actriz que supiera conmover (¿Hilary Swank quizás?), que nos compartiera su dolor de perder un hijo y así sufrir con ella, Angelina quiere lograr esto con lágrimas y gritos exagerados, con una actuación de telenovela que sólo da risa a los espectadores y no permiten involucrarse con la trama. Además, Jolie no pierde el glamour, su boca excesivamente maquillada distrae constamente, su manera de vestir, de arreglarse, nunca refleja el dolor de una madre que quizás nunca vuelva a ver a su hijo, es increíble que sea justamente dirigida por Eastwood cuando Angelina da una de sus peores actuaciones, inclusive en Tomb Raider la actriz lucía más convincente. Es increíble que haya estado nominada al Oscar por esta interpretación.
Por otro lado, el guión no aporta en mucho, el que está basado en hechos reales es lo único que lo hace creíble. La trama transcurre a pasos lentos, la historia del asesino trata de agregarle un poco de dinamismo e intriga, sin embargo todo es demasiado predecible. Ver El Sustituto es enfrentarse a un filme sin novedades, sin sorpresas, incluso se gana el adjetivo de aburrido, ya que pocas veces el espectador recibe emociones desde la pantalla.
En cuanto a estilo Eastwood tampoco aporta mucho con este filme, la cámara trasnsita por terrenos seguros a lo igual que la edición. El soundtrack del filme tampoco es memorable. Lo más logrado en el plano visual es una buena adaptación de la ciudad de Los Angeles en 1928.
Lo único rescatable de la cinta es la crítica que hace Eastwood a la Policía de Los Angeles y a su ineficacia, a la corrupción, a la falta de capacidad para reconocer los errores. Además, también ejemplifica cómo eran algunos centros psiquiátricos y la manera en la que trataban a las mujeres, en donde cualquier comportamiento rebelde era considerado locura. Lo más valioso es que es una cinta femenina, que trata de reivindicar a la mujer, de mostrar el machismo extremo de las primeras dos décadas del Siglo XX.
La historia del psicópata hubiera podido convertir a este filme en uno más oscuro, sin embargo, Eastwood no escapa a los clichés del loco que mata casi por diversión y también se vuelve risible.
Lo peor que le puede pasar a una cinta es aburrir y Eastwood lo logra, incrustando en su filme un juicio moralista y con diálogos desgastados, todo esto mientras Angelina trata de convecernos con su sufrimiento.
Es una lástima que un buen director haya dado un paso tan hondo, profundo, casi a un abismo, del cual seguramente saldrá por su calidad, por esa capacidad de contar historias crudas y emocionantes de principio a fin como las dos cintas mencionadas al principio de esta crítica. El director sólo tiene que tener más cuidado a la hora de elegir a sus actores, ya que quizás con una actriz más convincente esta cinta no se hubiera salvado del aburrimiento pero sí de la risa del espectador, quizás hubiera llegado a conmover.
Sólo queda pensar que tras la cámara el director no era Eastwood, era un sustituto, un impostor que pensó que Angelina era capaz de hacernos llorar con sus lágrimas que provocaron carcajadas.

CALIFICACIÓN: MALA.

La entrañable transparencia

2009-03-05T13:57:00.000-08:00

Tengo que confesar que acudí con reservas a ver Che (Che: Part One), dirigida por Steven Soderbergh, quien en los últimos años había dedicado su carrera a películas como las tres entregas de La Gran Estafa y su premiada Tráfico, proyectos en donde el estilo visual, tanto en la edición como en la fotografía importaba más que una historia coherente o impactante, Soderbergh trató en estas cintas de mostrar sus habilidades como director pero los guiones de estos filmes podrían ser definidos de ridículos, lo mismo le sucedió en Erin Brockovich. Es por esta razón que cuando supe que se haría cargo de la dirección de una cinta en donde se retratara la época guerrillera de Ernesto "Che" Guevara no pude más que temblar y esperar lo peor, sin embargo ocurrió que me llevé una grata sorpresa que cambiaron mis juicios sobre el director, quien entre tantos adjetivos se gana el de valiente tras terminar de ver la primera entrega del Che.

Uno de los principales aciertos del filme es que se acerca de lleno al lado humano de Guevara, a sus comienzos como guerrillero, nos hace ver que a pesar de la violencia que puede existir en alguien que decide tomar las armas ésta puede justificarse si se pelea por una causa, si se sabe por lo que se está luchando, el lado humano y hasta tierno del Che se refleja en pantalla, el personaje se hace entrañable conforme avanza cada minuto.

La cinta también es comprometida y valiente, no hay censura en la ideología anti imperialista del Che, en sus discursos que son retratados casi como un documental, la dignidad buscada por Cuba se subraya, el personaje está delineado como un ser con ideales, no sólo como un simple guerrillero, como un héroe y el lado humano nos aleja del mito. El filme rescata varias frases contundentes de Guevara que nos hacen reflexionar sobre el capitalismo, la situación actual de crisis a la que éste sistema económico nos ha llevado en donde pocos, muy pocos, son los que han logrado acaparar las riquezas.

Otro prejuicio que tenía sobre la cinta era acerca de su reparto, Benicio Del Toro es un buen actor, sin embargo su dificultad para manejar el español podría haberle significado problemas para desarrollar el personaje (situación que se evidenció en Tráfico), sin embargo al encarnar el Che son pocos los momentos en donde puede percibirse alguna falla en el lenguaje, Del Toro aprendió a dominar tanto el acento argentino como el cubano y se preocupó más por mostrar en su rostro el lado humano del guerrillero y reflejar la potencia y fortaleza del Che, aunque no es una actuación espectacular, su aspecto físico ayudan a Benicio a realizar un trabajo sin fallas y en donde se logra olvidar al intérprete y se refleja transparente el personaje histórico. Otro actor que me causaba dudas era Demián Bichir, sobreexplotada su imagen en el cine mexicano y actuaciones poco contundentes hacen que la presencia del actor suela cansar en la pantalla, sin embargo cumple al interpretar a un Fidel Castro apasionado.

Otro acierto es que el filme también tiene momentos de acción, pero estos son realistas, sin grandes explosiones o con sonidos y ediciones trepidantes, los enfrentamientos entre el ejército cubano y la guerrilla son verosímiles, sin adornos como si estuviéramos en la selva o en las calles de Cuba.

Soderbergh logra así un filme valioso en su primera parte porque nos muestra el lado humano, entrañable y admirable de Guevara, ese rostro e ideales que le ganaron tantos seguidores, que lo hicieron un sinónimo de lucha, justicia y esperanza , una imagen que significaba la búsqueda de la dignidad que había perdido América Latina. Este filme valiente, el mejor en la carrera del director, nos muestra que este mundo necesita más personajes como El Che para recobrar la esperanza, quizás las armas sean el único medio para lograr cambios, para revolucionar, este presente exige a gritos miles de Guevaras, esos seres inolvidables, únicos, una especie casi extinta.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

La elegancia de dudar

2009-03-02T09:47:00.000-08:00

Tras casi veinte años sin colocarse en el puesto de director, cuando estuvo a cargo de Joe Contra El Volcán (primera película en donde actuaron juntos Meg Ryan y Tom Hanks), el escritor John Patrick Shanley se puso atrás de las cámaras para dirigir en 2008 La Duda (Doubt), obra que también escribió y que supo llevar con grandes aciertos a la pantalla grande.

La trama se desarrolla en los años sesenta, tras la muerte del presidente John F. Kennedy, un momento desesperanzador para los Estados Unidos. La historia nos introduce a una escuela católica en donde la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep) , directora del plantel, sospecha del padre Brendan Flynn (Philip Seymour Hoffman), quien al parecer abusó del único niño afromericano de la institución. El principal acierto de la película es la elegancia con la que es manejado el tema del posible abuso sexual, el acto de instalar a la duda como principal factor hace a esta cinta un filme que sólo nos acerca como observadores, como testigos, capaces de interpretar la culpabilidad o no del padre Flynn. En el guión nunca hay momentos en donde se pretenda juzgar, la falta de certezas, de pruebas, hace que sólo ciertos guiños o actitudes nos permitan emitir un juicio que tal vez pueda ser erróneo. El no tomar una postura, el no entregarnos culpables a los que haya que juzgar, hacen que este filme se vuelva un rompecabezas con una pieza faltante que se encuentra en manos del espectador, la culpabalidad o la inocencia se interpretará dependiendo incluso de la moral de cada persona que se acerque a esta película.

Más allá de culpar, el guión nos entrega grandes diálogos en los que se pone en balanza lo correcto o incorrecto. Una escena memorable, es aquella en donde el personaje interpretado por Streep, habla con la madre del niño en cuestión. Aquí hay varias frases que quedan en la memoria, ya que la reación de la madre (interpetada por una espléndida Viola Davis) no es la que cualquiera esperaría, seguramente una escena que podrá estar entre las mejores del 2009.

A la elegancia de la trama se unen varios símbolos utilizados por Shanley, como plumas de un almohadón en el viento para representar a los rumores, las hojas del otoño que se asemejan a un mundo que está despareciendo, que todo se va, un mundo cambiante para aquellos que aman la tradición como la hermana Beauvier, en este tipo de elementos se nota su mano de escritor, el valor que le da a la poesía de las imágenes para no dejarlas atrapadas en el texto y también llevarlas a la pantalla, quizás otro director alejado de la obra hubiera obviado estos detalles que hacen de este filme un lugar lleno de imágenes refinadas.

La actuación es otro punto a destacar del filme, tanto Streep como Hoffman lucen geniales. Ella interpetando a una monja amante de las tradiciones, de la disciplina, estricta, y que un comienzo el espectador comienza a odiar por su trato a los jóvenes, sin embargo poco a poco su personaje se transforma. En busca de la verdad y sin más pruebas que su capacidad de observación y de conocer a las personas, la hermana irá hasta el final con tal de comprobar que el padre Flynn abusó del niño. El rostró de Streep, sus gestos, cada mueca, cada entonación son una clase, dan ganas de aplaudirle al final de la cinta. Por su parte, Hoffman interpeta a un sacerdote que al parecer sólo quiere ayudar, dar esperanzas a su congregación, apoyar a los jóvenes, darle amor a un niño que está en un lugar extraño. Su actuación es perfecta, ya que es capaz de convercernos de su inocencia, como al mismo tiempo dejar escapar a través de su rostro señales que nos hacen dudar, gestos que huelen a culpa. Como apoyo, Amy Adams interpretando a una monja joven y Viola Davis como madre del niño son un soporte muy fuerte del filme, pocas veces logra verse en el cine un nivel de actuación tan elevado, la Academia fue coherente al nominarlos a los cuatro, sin embargo, es increíble que no haya estado entre las cinco mejores películas, quizás su incorreción al cuestionar no sólo la iglesia, incluso la fe, la alejen de la esperanza mostrada en Qusiera Ser Millonario.

Para finalizar, Shanley debe estar contento con su resultado y quizás atreverse a estar más seguido en el papel de director, ya que logró un filme sutil y a la vez crítico, una cinta que cimbra sin juzgar, que nos hace ver que la simple duda es capaz de ser el mayor cuestionamiento hacia una Iglesia estricta e hipócrita; con pocos hechos, Shanley nos muestra que incluso sacerdotes y monjas son capaces de dudar pero no sólo de si alguien es culpable, ellos mismos se cuestionan esa fe en Dios que parece no darles muchas certezas.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE

Premio a la esperanza

2009-02-26T10:22:00.000-08:00

Es difícil describir a una película tan exótica como Quisiera Ser Millonario (Slumdog Millonaire), la más reciente entrega de Danny Boyle (Trainspotting, The Beach, Sunshine) y que el domingo pasado se agenció ocho Óscares, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.

La trama nos envuelve en la vida de un joven llamado Jamal que ingresa a un programa de concursos en donde podría convertirse en millonario, increiblemente sabe todas las respuestas cuando su condición social y educación no le permitirían contestarlas de manera correcta, por lo que se piensa que hizo trampa, de ahí en más (a través de flashbacks) nos dedicaremos a conocer la infancia de Jamal y nos daremos cuenta porqué es capaz de responder.

A través de la infancia de Jamal y su hermano Salim, Boyle hace un recorrido por la realidad de la India, retrata la miseria, el abuso infantil, la basura, casi nos hace respirar los malores olores. La corrupción y la violencia también son reflejadas de manera cruda, la cinta por momentos no es más que un espejo de la realidad, casi un documental de dos niños luchando por su vida en un ambiente hostil que no les ofrece un futuro seguro. A la cinta también la rodea una historia de amor -clave en la trama, entre Jamal y Latika, una niña que conoció en su infancia, ambos víctimas de la explotación.

Las virtudes técnicas del filme son enormes, la edición frenética o calmada según lo requiera la emoción del momento, el manejo de cámaras en planos poco utilizados con regularidad y toda la musicalización le dan un ritmo impresionante que no suelta al espectador y hacen al filme inolvidable, impactante al cerebro y fácil de colocarse en la memoria. En lo que se refiere a estilo la cinta no muestra fallas. Boyle logra perfectamente lo que quiere visualmente, tanto al momento de retratar la realidad de la India como a la hora de situarnos en el programa de concursos. Este es uno de los mayores aciertos del filme, ya que Boyle nos hace sentir como si en verdad estuviéramos viendo un programa de televisión e incluso como si nos encontraramos en el set, de hecho en la sala de cine se genera la misma tensión en los espectadores que la que existe entre los asistentes al show que ansían que Jamal se haga millonario. El director británico logra así, de manera extraordinaria, retratar paralelamente una realidad de miseria junto al sueño de escape, que van convirtiendo en a Jamal en una celebridad que representa las esperanzas de todo un país.

Sin embargo, Slumdog no es un filme sin errores, ni perfecto, mucho menos la mejor obra de Boyle a pesar de ser multipremiada. Son varias fallas las que pueden apreciarse, comenzando con la actuación, por más natural que puedan presentarse todos los actores locales, ninguna interpretación es memorable, simplemente cumplen.

El guión trata de darnos a entender el poder del destino ante la adversidad, el valor de los sueños, el amor ante el dinero y sin embargo el final de la cinta no es congruente ni con la idea del destino (y apela más a la suerte) ni deja en segundo plano el convertirse en millonario.

La película se cae al final no tanto por la resolución, más bien porque la conclusión no es coherente con una trama tan cruda, realista y termina por hacerse superficial, convirtiéndose más en una historia de amor y superación, algo que encanta a la Academia y es por eso que fue tan premiada. Más allá del homenaje al cine de Bollywood, una historia tan poderosa requería un final más sólido, menos superficial y que no se asemejara a una telenovela de las diez de la noche, repito, no hablo del destino de los personajes, quizás se necesitaba ser más crítico o incluso más poético.

La escena final de baile durante los créditos es entretenida pero termina por hacer aún más superficial una cinta que en su parte final parece olvidarse de la realidad planteada en todos los minutos iniciales.

Boyle realizó una película más agradable para los ojos de la Academia porque en el fondo no es crítica, es sólo un espejo donde habita la pobreza pero siempre estará el destino y la esperanza para levantarnos, contrario a Trainspotting en donde se criticaba al capitalismo, al consumismo, en donde se era más transgesor y se mostraba un mundo decadente.

Sin duda, aunque presuma premios, Slumdog... no es más que Trainspotting ni que Sunshine (un fracaso comercial en donde en la búsqueda del sol se encontraba el humano a él mismo), casi siempre los directores suelen llevarse premios por trabajos más complacientes y menos críticos. Por citar sólo dos ejemplos, Scorsese no fue galardonado ni por Pandillas de Nueva York o por La Ultima Tentación de Cristo y sí por Los Infiltrados, una cinta perfecta en manufactura pero menos crítica. Y los hermanos Coen fueron reconocidos con Sin Lugar Para Los Débiles, una película regular en su filmografía y que sólo retrata una situación violenta, alejada de la belleza existencialista y obra maestra que presentaron en El Hombre Que Nunca Estuvo.

No hay duda que Boyle se merece estos premios por su carrera, sin embargo me gustaría saber si Quisiera... se hubiera llevado tantos reconocimientos si la esperanza final no existiera en su guión, sin esos sueños que el destino guarda incluso para el más marginado.

CALIFICACIÓN: BUENA.

¿Historia alemana?

2009-02-16T22:09:00.000-08:00

Tras su fallido y decepcionante Superman Regresa del 2006, Bryan Singer vuelve este año con Operación Valquiria (Valkyrie) una historia que narra cómo en el año de 1944 un grupo de soldados alemanes planearon una traición a Hilter para detenerlo y acabar con la Segunda Guerra Mundial.

Más allá de que la trama esté bastante apegada a la verdadera historia del coronel Claus von Stauffenberg (personaje interpretado por Tom Cruise y uno de los principales ejecutores de esta traición) el filme muestra más fallas que aciertos y pasa a convertirse en otro fracaso para el ya no tan joven director que sorprendió a todos con Sospechosos Comunes en 1995.

Lo poco rescatable de Operación... es que cuenta un ritmo narrativo que no suelta al espectador y lo involucra en la historia. La dirección en cuestiones técnicas no tiene fallas, el manejo de la cámara logra generar la tensión que requiere la trama, el lenguaje cinematográfico utilizado por Singer es el idóneo para este proyecto confeccionado al clásico estilo de Hollywood, de ahí en más es difícil encontrar algo rescatable en esta cinta.

Principalmente hay tres errores que terminan por hundir al nuevo filme de Singer, el primero de ellos es que la cinta está hablada en inglés, como lo mencioné en la crítica de El Niño con el Pijama de Rayas, el alemán es un idioma único, fuerte y debe respetarse en estas películas históricas, por lo que escuchar a soldados alemanes hablando inglés llega por momentos a provocar risa.

El segundo gran error es que Tom Cruise esté en la pantalla, ya que nunca ha sido un actor que pueda generar convencimiento en el espectador y tiene pocas actuaciones memorables en su carrera (quizás su participación en Magnolia sea la más destacada), todo el tiempo su personaje tiene el mismo rostro, no hay varias emociones reflejadas, y por momentos Cruise parece un actor malo de telenovelas. Estoy seguro que Singer hubiera preferido a alguien más para su personaje principal, si en él hubiera estado la decisión.

El último error, y quizás el más importante, es que a pesar de que la trama nos involucra con un personaje de la historia alemana, el tratamiento que se le da al mismo es como si fuera un héroe de la historia norteamericana, ya que no llega a sentirse su personalidad germana. En la cinta, Stauffenberg es un personaje plano, incorruptible, poco atormentado y demasiado acartonado, parece que estamos en presencia de un estadounidense que busca salvar a los alemanes y al mundo, pocas veces el filme nos hace sentir que nuestro héroe es un alemán, y al final de cuentas alguien que también estuvo de acuerdo en sus inicios con el nazismo. Además, se conocen pocos aspectos del coronel en el filme que nos hagan entender su filosofía, por ejemplo, que pertenecía a la aristocracia, que tenía familiares judíos y que se hartó de las atrocidades cometidas por los nazis. El guión desperdicia la oportunidad de conocer más a fondo a este personaje histórico y sólo reduce la trama al hecho de la traición y la búsqueda de acabar con Hitler.

Finalmente, no queda más que decir que con Operación Valquiria queda demostrado que Bryan Singer ha decidido enfocar su carrera hacia las grandes producciones y dedicarse a ser un artesano más que un artista, su inteligencia cinematográfica le permitirá realizar películas que técnicamente sean impecables, sin embargo le urge participar en un proyecto donde el fondo sea mayor a la forma y donde la cantidad de dólares en su cuenta bancaria no sea el principal objetivo, aún está a tiempo de regresar al buen camino, de no perderse para siempre entre las garras de la industria.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

Sueños memorables

2009-02-10T22:46:00.000-08:00

Henry Selick , director de filmes como El Extraño Mundo de Jack y James y El Durazno Gigante, vuelve a demostrarnos, ahora con Coraline, su capacidad para crear magia e imágenes que simplemente no pueden borrarse de la mente.
Es difícil aventurarse a decir si Coraline podrá volverse un culto como El Extraño Mundo... sin embargo su estética, trama, y mundo de oscuridad le dan las herramientas necesarias para colocarse como una de las mejores películas de animación de los últimos años.

La trama aparentemente es simple, una niña poco común que se muda de casa. La pequeña está harta de su vida aburrida y gris y a través de una puerta secreta que encuentra en su nuevo hogar, podrá acceder a un mundo en donde cada detalle es como ella quiere, sus padres, sus amigos, la comida, y todo su entorno simplemente son como se lo había imaginado, sin embargo sabemos que nadie obtiene sus sueños sin dar algo a cambio...

Esta historia le sirve a Selick para hablar de temas como la inconformidad, el deseo de ser diferentes, la falta de comunicación con los padres, la búsqueda obsesiva por tener alguien a quien amar, la ilusión de los sueños y comprender que las personas que tenemos cerca son valiosas por el afecto que nos tienen más que por su personalidad.

Coraline tiene guiños de Alicia En El País de las Maravillas, incluso un gato como guía, sin embargo el filme conserva su personalidad propia, ya que más que adentrarse en un mundo totalmente fantástico, la nueva aventura de Selick se interna en un universo paralelo donde aparentemente todo podría ser mejor, ése lugar real en donde los sueños de una niña se hicieron realidad.

En lo que respecta a la animación es excelente, se usaron técnicas de stop motion o cuadro por cuadro lo que brinda grandes texturas a los personajes y objetos, además de filmar desde varios ángulos cada escena para poder apreciar como realmente ve el ojo humano, es decir en tercera dimensión.

El director además le da su toque personal a la cinta, no se adentra de lleno en el sello casi patentado por Tim Burton, quien lo acompañara en la realización de El Extraño Mundo..., hay sensaciones más vívidas en Coraline, más frescas a pesar de que por momentos veamos ciertas similitudes con filmes como El Cadáver de la Novia.

Lo más valioso de la cinta es que tras abandonar la sala el espectador queda satisfecho por el riesgo tomado. Coraline no se forzó para adoptarse al público infantil, no es condescendiente, no traciona su profundidad y oscuridad con tal de complacer a los niños, queda claro que este filme no buscó la aceptación masiva o una gran explotación comercial, muchos pequeños que sólo buscan una historia que los haga reír quizás no la disfruten, incluso hay imágenes que pudieran asustar a varios, lo que es admirable en Selick.

Es un filme que debe verse porque nuestro cerebro no puede permitirse ignorar el jardín fantástico de Coraline, ese donde una mantis religiosa es un robot y puede montarse como un caballo, donde hay flores en forma de dragón que muerden. Ese mundo paralelo en donde los ojos se cambian por botones (quizás para evitar las expresiones, quizás para robar el alma a través de la ventanas), ese sitio donde un gato habla, donde los perros tienen alas, y los ratones son dueños de un circo espectacular, ese lugar de escarabajos-chocolates.

Coraline es un baño de sueños, una cascada de imágenes memorables que por más que tratemos de olvidar no podremos, el mundo paralelo de esta pequeña llega a nuestra mente y nunca más se irá.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA.

Pijamas superficiales

2009-02-09T09:07:00.000-08:00

A pesar de que confieso no haber leído todavía la novela de John Boyne, El Niño con el Pijama de Rayas (The Boy In The Striped Pyjamas), la película del mismo nombre dirigida por Mark Herman me dejó varias sensaciones que no me motivan a leer el libro.

La trama nos introduce a la vida de Bruno, un niño alemán hijo de un soldado nazi durante la Segunda Guerra Mundial. El pequeño debe mudarse con su familia a las afueras de Berlín para que su padre pueda controlar de cerca uno de los tantos campos de concentración que sirvieron para matar a los judíos. Bruno conocerá así, a través de una reja de por medio, a un niño de su edad, Shmuel, quien está preso dentro del campo de concentración.

El primer error del filme es que está hablado en inglés, la película pierde toda la fuerza que podría haber tenido si los personajes hablaran en alemán (un idioma mandado a hacer para el autoritarismo), y así, de entrada, la cinta aleja al espectador, con personajes que lucen falsos y huecos desde su manera de hablar.

Sin embargo, este error podría pasarse por alto si el guión fuera sólido y convincente, si en verdad pudiéramos creer lo que estamos viendo en pantalla. El principal problema es que este filme confunde la ingenuidad casi con la estupidez, ya que el personaje de Bruno es un niño de ocho años que no sabe nada de lo que ocurre a su alrededor, un pequeño totalmente alejado de su realidad y esto resultaría creíble tal vez si fuera menor, o si no estuviera rodeado de un familiar que vive día a día la guerra; además la actuación de Asa Butterfield como Bruno no resulta conmovedora. El mundo de fantasía de este niño no está bien desarrollado como para que el espectador le conceda su total desconocimiento de lo que sucede a su alrededor, lo que lo termina convirtiendo en un personaje superficial más que ingenuo.

La Vida es Bella de Roberto Benigni sí fue una gran clase de cómo retratar un tema tan difícil bajo el prisma de la ingenuidad, ver un problema como un juego, y apartar de esta manera a un niño de cuatro o cinco años (más pequeño que Bruno, lo cual hace comprensible la incomprensión) del drama que vivieron los judíos. Mientras que el filme de Benigni conmueve a muchos hasta las lágrimas, éste es frío y la relación entre los dos pequeños no llega a ser tan fuerte como la de padre-hijo de La Vida...

Como lo mencionaba anteriormente, las actuaciones no son sólidas, terminan por perderse en un drama poco creíble, en un guión poco entrañable y falto de profundidad en un tema tan complejo, además hay que ser demasiado condescendientes para poder creer los hechos que se narran.

La cinta tampoco destaca en aspectos como fotografía o dirección, ya que es un filme realizado aparentemente con pocos recursos y que se desarrolla en dos o tres locaciones, además de no haber gran lenguaje cinematográfico a través de la cámara.

Volviendo a la trama, el filme trata de salvarse con un golpe final que deje helado al espectador, sin embargo no es suficiente para rescatar a la cinta de sus vacíos, primero porque resulta increíble y segundo porque quiere ser castigador con aquellos que se merecen aprender una lección.

El Niño con el Pijama de Rayas muestra que es difícil atreverse a contar historias tan crudas desde una perspectiva sutil e ingenua, ya que se corre el riesgo de acabar en la superficialidad como en este caso y la historia del cine nos ha mostrado que películas como la Lista de Schindler o El Pianista lograron grandes resultados al no tratar de suavizar lo que sucedió con los judíos. En este caso, la óptica infantil no funciona porque la ingenuidad se confunde con estupidez, al contrario de La Vida es Bella en donde ignorar un problema no significaba su desconocimiento, solamente la evasión para hacer la vida un poco más tolerable antes de que llegara el inevitable final.

CALIFICACIÓN: MALA

Vacío desesperanzador

2009-02-02T21:23:00.000-08:00

La nueva película de Sam Mendes, Sólo Un Sueño (Revolutionary Road), es otro triunfo del director en su intento por mostrar las frustraciones que reina en varios habitantes estadounidenses que aparentemente deberían ser felices con su trabajo, la vida confortable y la familia que han formado.

La trama nos introduce en la vida de Frank (Leonardo DiCaprio) y April Wheeler (Kate Winslet) un matrimonio en el cual las heridas de las frustaciones van desgastando la relación. Ella no pudo ser la actriz que siempre quiso y debe resignarse a fungir como ama de casa, por otro lado, él está hundido en un trabajo carente de motivaciones y que no tolera, sin embargo dos hijos y mantener un nivel de vida aceptable lo obligan todos los días a ser uno más, ponerse la cobarta, el sombrero y salir rumbo a la gris empresa en la que labora.

A pesar de estar ubicada en los años cincuentas, el filme es totalmente atemporal, ya que varias mujeres y hombres en la actualidad son parte de estos matrimonios en donde ambos deben sacrificar sus sueños y potenciales para permanecer en una relación vacía, sin esperanzas.

El guión en sólido y uno de sus principales aciertos radica en no mostrar a ningún género más afectado que el otro, el matrimonio se va desmoronando igual por ambas partes, ella al no poder escapar de su vida de ama de casa comprensible, callada, sumisa y él ante esa obligación de ser el hombre que debe encargarse que nada falte en el hogar y asegurar el futuro de la familia, un tipo lleno de miedos a ser lo que quiere, con temor a renunciar a la seguridad que le ofrece un trabajo agobiante aunque bien remunerado.

La hipocresía de las familias felices es otro tema abordado en el filme, ya que no todos los matrimonios se toman el tiempo como Frank y April para reflexionar sobre su infelicidad, para cuestionarse, y simplemente viven como si todo estuviera bien, en una sociedad en la que atreverse a romper los esquemas es considerado algo semejante a la locura, estado que se encarna en el personaje de John Givings (interpretado por un espléndido Michael Shannon), un hombre que cayó en la locura y ha perdido la hipocresía, un ser que habla con la voz de la verdad aunque ésta suene imprudente, desestabilizadora.

El filme tambien cuestiona los valores de la sociedad norteamericana tradicional, esa que ve en el aborto un acto atroz, a pesar de que un nuevo hijo no sea querido por ninguno de los padres, éste debe venir al mundo. La cinta retrata la falta de libertad de la mujer para decidir sobre su cuerpo al estar sometida a hombres que imponen sus opiniones por la fuerza. Un hijo que lo único que representa es atarse más a una relación ya podrida por las frustraciones.

Aunque no con un discurso directo, la cinta también es una crítica al sistema económico y político de los Estados Unidos, ya que muestra a la sociedad norteamericana más preocupada por la acumulación de riqueza que por disfrutar cada momento, la gente termina por sólo existir en vez de sentir, de vivir.

En lo que se refiere a las actuaciones, Kate Winslet tiene bien ganada su nominación al Oscar como mejor actriz, ya que su rostro nos muestra a una mujer que poco a poco va perdiendo los sueños, las ganas de vivir, una esposa que transforma sus ilusiones en odio. En lo concerniente a Leonardo DiCaprio desde que era un niño su capacidad actoral está más que demostrada, sus filmes junto a Martin Scorsese también lo hicieron madurar y me atrevería a decir que está mejor que Winslet. DiCaprio se merecía más la nominación que Brad Pitt por su Benjamin Button, ya que hace mucho más sin necesidad de maquillaje, sin embargo este filme fue poco considerado por la Academia, Sam Mendes también fue ignorado, quizás por los temas que toca y al ser un golpe al estilo de vida americano, este filme no fue reconocido como merecía.

Es difícil encontrar una falla en Sólo..., Mendes hace una excelente adaptación y ambientación de la novela de Richard Yates y logra mantener la tensión con los problemas de un matrimonio de clase media.

El director muestra madurez con este filme, que quizás para muchos no sea mejor a Belleza Americana, sin embargo es un paso que reafirma a Mendes como uno de los mayores críticos de la clase media norteamericana, su más reciente cinta es poderosa, perturbadora y memorable.

Como punto final, tal vez el tema que trata pueda parecer superficial cuando hay millones de personas que ni siquiera tienen tiempo de reflexionar si están desesperados o frustrados y sólo luchan por sobrevivir día a día, sin embargo para aquellos que tienen cubiertas sus necesidades básicas este filme servirá para cuestionarlos, para que se pregunten si son felices con sus casas de dos pisos, su familia, su perro, su trabajo de corbata, ser madres dedicadas y dejar los sueños empolvados porque quizás no había otra opción más que convertirse en lo que un hombre y una mujer están destinados a ser en estas sociedad donde el dinero nos mueve como títeres.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA

Tallarines tiernos

2009-01-28T22:45:00.000-08:00

La ternura cuando es manejada de forma correcta y sin caer en la manipulación suele ser irresistible para los espectadores en las salas de cine.

El Pequeño Tallarín (Noodle), producción israelí dirigida por Ayelet Menahemi, utiliza como principal arma la inocencia y ternura de un niño chino el cual queda en manos de una aeromoza israelí de nombre Miri, quien vive con su hermana y sobrina. Debido a que la mamá del pequeño y empleada doméstica de la aeromoza no vuelve por su hijo al ser regresada a China, Miri verá su vida cambiada en un instante con el objetivo de que el pequeño Noodle pueda reencontrarse con su madre.

Los aciertos del filme radican en hacernos encariñarnos con el personaje de Noodle gracias a una buena actuación del pequeño BaoQi Chen, somos testigos de cómo poco a poco la familia israelí, sobre todo Miri, logra enamorarse de un niño que ha quedado perdido en la incomunicación con una familia de otra cultura que es lo único que tiene en el mundo; conforme el pequeño extraño logra el afecto de esa nueva madre, al mismo tiempo va ganando la simpatía del espectador gracias a las dosis de ternura que lo hacen adorable.

Más allá de no ser una película que pretenda mostrar de manera cruda los problemas sociales y opta por un lado más amable, en el filme queda expuesto el tema de los trabajadores ilegales, la globalización de la pobreza, y la falta de comunicación entre culturas tan diferentes como la china y la israelí.

Otro gran acierto del filme es su sutileza, ya que al no sólo centrarse en la historia de Noodle, el guión aprovecha para adentrarnos a las vidas de Miri y de su hermana Gila, sus problemas amorosos, sus sufrimienos como mujeres, los miedos a los que se enfrentan, el pasado que las ha marcado, sobre todo a Miri, quien ha perdido dos maridos por los conflictos en su país, y el filme más que mostrarnos la situación de violencia, pone de manifiesto las huellas que ha dejado en sus habitantes, quienes conviven con el miedo a perder a sus seres queridos por lo que deben acostumbrarse al desapego y a los vacíos generados por la soledad.

Si el filme tiene fallas es que quizás algunas situaciones poco verosímiles ocurren en los minutos finales, sin embargo estos descuidos del guión no afectan su fortaleza que radica en trabajar de gran manera con emociones generadas por una maternidad negada, amores perdidos, relaciones fallidas, encontrar el valor cuando es difícil de hallar entre la tragedia del pasado.

El pequeño... nos hacer ver que las barreras de los idiomas pueden romperse con facilidad cuando el amor va creciendo, cuando se pueden dejar atrás los demonios del pasado para animarse a vivir de nuevo y emprender una misión alimentada con tallarines de inocencia y de ternura.

CALIFICACIÓN: BUENA

Cero perdón

2009-01-26T16:44:00.000-08:00

El cine argentino sigue mostrando en algunos de sus filmes que le será imposible borrar el pasado, ése en donde la dictadura militar dejó una gran herida marcada en la memoria de los que lograron sobrevivir a esta época.
Cordero de Dios (2008) dirigida por Lucía Cedrón nos muestra sin ser muy gráfica una parte de lo que significó para los jóvenes de los años setentas este periodo lleno de terror y torturas.
La trama se basa en un secuestro ocurrido en el 2002 (durante una de las mayores crisis de Argentina) a un hombre (Arturo) de alrededor de sesenta ó setenta años, su hija (Teresa) y nieta (Guillermina) tratarán de conseguir dinero para liberarlo, sin embargo lo importante es descubrir la historia que nos hace entender porqué Teresa odia a su padre y quizás preferiría verlo muerto antes que liberado.
Los aciertos de Cordero de Dios radican en reflejar la diferencia de ideologías de las tres generaciones, ya que muestra a los jóvenes de veinte años totalmente pragmáticos haciéndolos ver más parecidos a sus autoritarios abuelos que a sus propios padres, una generación única que pensó que podía cambiar al mundo y pelear por sus convicciones.
A través de flashbacks la historia narra la juventud de Teresa, la relación con su padre, su participación activa como opositora a la dictadura y todo lo que ésta le hizo perder, cómo cambió su vida para siempre.
El filme está bien estructurado, los silencios, los viajes al pasado, van conformando una historia que no es cruel pero para quienes fueron parte de ese momento les traerá malos recuerdos con tan sólo unos pequeños guiños de lo vivido durante la dictadura.
A nivel cinematográfico el bajo presupuesto no permite al filme grandes despligues, las actuaciones salvan a la cinta aunque tampoco son memorables, lo más importante en Cordero... es su guión, ya que sirve para confeccionar una historia en donde nos damos cuenta que en esta vida el perdón no siempre tiene cabida, por más lazos de sangre, por más que el tiempo parezca curar las heridas, hay huellas muy grandes que simplemente no podrán borrarse.
Quizás todo mundo merezca una oportunidad para ser perdonado, para arrepentirse de las atrocidades cometidas, sin embargo este filme nos enseña que hay personas que se merecen el rencor, la venganza, el odio, ya que durante toda su vida supieron sembrarlo.

CALIFICACIÓN: BUENA

Vaqueros sin fuerza

2009-01-21T22:30:00.000-08:00

Tras terminar de ver Entre la Vida y la Muerte (Appaloosa), segunda película de Ed Harris como director, en la cual también actúa en uno de los roles principales, queda la sensación que cuatro grandes actores nos hubieran podido dar un filme memorable si el guión hubiera estado a nivel de ellos.

El comienzo de la cinta es interesante, nos plantea a dos pistoleros, impartidores de justicia interpretados por Ed Harris y Viggo Mortensen que llegan al pueblo de Appaloosa para liberarlo de la manos de Randall Bragg (interpretado por Jeremy Irons) quien se ha apoderado del lugar y no le importa eliminar a los comisarios que intentan imponerse en su camino, por lo que sólo la violencia y leyes implacables de los justicieros Virgil Cole y Everett Hitch (Harris y Mortensen respectivamente) será capaz de detener a Bragg.

En los primeros minutos del filme se nota que Harris aprendió de David Cronenberg el manejo de la violencia y en el humor negro que la rodea, sin embargo la trama no logra sostenerse mucho tiempo, se vuelve simple, monótona, ni siquiera el elemento femenino que aporta el personaje de Renée Zellweger como esposa poco fiel de Cole logra generar algo de interés.

La película transcurre lenta, con pocos motivos que emocionen al espectador, además que tampoco se aprovecha el gran reparto con el que se cuenta. Harris y Mortensen cruzan miradas y diálogos que sólo son una pizca de lo que pueden dar como actores, Irons está reducido a un forastero ambicioso y corrupto y tampoco despliega todo su potencial.

El filme trata de hacer hincapié en la amistad, en la justicia, en definir lo que está bien o mal, sin embargo no profundiza en estos temas y tampoco tiene secuencias de acción que emocionen a quienes esperan la diversión que promete el western. Este género ha regresado en los últimos años con filmes como El Asesinato de Jesse James (Andrew Dominik) o 3:10 Misión Peligrosa (James Mangold) y Entre la vida... no está al nivel de las anteriores, mucho menos del filme de Mangold, el mejor de los tres.

La violencia y el encanto de los personajes de Harris y Mortensen se va diluyendo conforme avanza la película, ya que no tienen un guión sólido en el cual sostenerse como actores y dejan de ser disfrutables pronto. La cinta termina cayéndose, la violencia y humor a lo Cronenberg prometida en las primeras escenas desaparece.

Harris sigue ejercitándose como director, Pollock fue un buen comienzo y con Appaloosa dio un mal paso al pensar que sólo con su reparto podía sostener un filme que se hunde en la intrascendencia al no contar con un guión memorable, no ahondar en los temas que plantea y desperdiciar cuatro pesos pesados de la actuación en una historia mediana y que se le olvidará fácilmente a los espectadores.

Es una lástima que Mortensen y Harris no hayan generado lo que lograron Russell Crowe y Christian Bale en 3:10 Mision Imposible, ya que esta última no basó su éxito en estas estrellas, estaba asentada en una buena historia, con emoción hasta el final y bajo la dirección de un experto como lo es Mangold.

No hay duda que hay vaqueros con fuerza, hay otros que simplemente se perderán en el polvo de pueblos como Appaloosa.

CALIFICACIÓN: MALA

¿La olvidará el tiempo?

2009-01-18T21:09:00.000-08:00

El Curioso Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button) dirigida por David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Alien 3) es una de la primeras grandes producciones que llega a México este 2009 y sale bien librada, sin embargo, queda la sensación que pudo ser una joya y simplemente se quedó en el intento.

El principal acierto en la historia es retratar la brevedad del tiempo, lo rápido que la vida vuela sin importar hacia dónde corran las manecillas del reloj. El filme también está cargado de varios simbolismos como un colibrí representando el infinito que le agregan diversas lecturas, logrando conmover por varios momentos, sobre todo a las personas de mayor edad que pueden verse más reflejadas al saber lo que significa el peso de toda una vida, los pocos años que quedan por vivir, el dolor de envejecer, sentir que la muerte se acerca y no hay forma de esconderse de su visión cazadora.

Visualmente Fincher no tiene fallas, sigue siendo espléndido en ese sentido, cada una de las épocas vividas por Button, desde 1920 hasta aproximadamente el año 2000, son retratadas fielmente. El director muestra a la cinta como si estuviera quemada o maltratada en las partes iniciales para darle ese toque antiguo y hacernos sentir que en realidad estamos viendo un filme por el que ha pasado el tiempo. En cuanto a dirección de arte y maquillaje esta cinta podría ser premiada en los Óscares, ya que no hay fallas en cuanto a la ambientación de las épocas y en el crecimiento hacia la juventud de Button, de hecho, ya ha recibido nominaciones de este tipo en premios como los BAFTA.

A pesar de sus más de dos horas y media El Curioso... no se siente tan pesado, aunque hay momentos que quizás están de más a falta de otros detalles de la vida de Benjamin en los que hizo falta profundizar.

Considero que la edad adulta de Button y sobre todo su etapa de vejez (es decir cuando físicamente es joven) es abordaba de una forma muy rápida, lo que impide al espectador descubrir cómo se enfrenta Benjamin a sus años finales, cómo un joven convive con una mente vieja y la experiencia que puede mostrar a pesar de parecer un joven por el exterior, la cinta al enfocarse más en la historia de amor del personaje descuida por momentos los dilemas de Button en su viaje hacia la juventud.

Más allá de que le sigamos el juego al filme y aceptemos lo que nos plantea, en su propia realidad la historia tiene algunas fallas, ya que, por ejemplo, en la vejez física de Button lo muestra con el deseo sexual de un joven pero con la capacidad física también de un adolescente, situación simplemente imposible. Aunado a esto, el crecimiento o rejuvenecimiento de Button se refleja más en lo físico que en lo mental o espiritual, la actuación de Brad Pitt es buena hasta que pierde el maquillaje, posteriormente su mirada por sí sola es incapaz de mostrarnos las emociones del personaje, el Button de cincuenta años es igual al de veinte, Benjamin parece sufrir sólo cambios en su cuerpo. Fincher confía mucho en lo que puede darle su actor fetiche (más allá de la perfección física), sin embargo considero que otro actor hubiera llevado más lejos los alcances de este personaje del cual necesitábamos conocer sus emociones a tope, al ser éste el mayor representante de lo que significa el paso de la vida. En lo que corresponde a la actuación de Cate Blanchett como Daisy, esa chica de la que Benjamin estuvo enamorado toda su vida, la actriz australiana luce sobreactuada y mostrando su aire de diva, por lo que llega a ser cansada su presencia en la pantalla a cualquier edad, con o sin maquillaje.

El Club de la Pelea es donde Fincher nos ha mostrado hasta el momento en qué tipo de cintas se lo ve más cómodo, el director se desenvuelve mejor en historias con dinamismo y una mayor carga lúdica y sorpresiva, con cabida para un lenguaje visual más arriesgado, sin embargo, El Curioso... no es un paso más en la carrera de Fincher, ya que es un filme sólido, con fallas pero que no desentona en lo general, una obra que con un poco más de profundidad, menos romance que opacara los demás alcances temáticos de la historia y otros actores principales hubiera sido una joya que no se la hubiera llevado el tiempo.

CALIFICACIÓN: BUENA

La máscara del llanto

2009-01-14T16:19:00.000-08:00

El dolor ajeno no siempre merecerá nuestra compasión, mucho menos cuando éste es falso y sirve para manipular a aquellos que nos rodean, en estos casos, la tragedia de los demás puede llegar incluso a ser repugnante. Esta es una de las ideas principales planteadas por El arte de llorar en coro (Kunsten at graede i kor), cinta danesa con la que debuta Peter Schonau Fog en la dirección.

El filme narra la vida de una familia encargada de atender una tienda de abarrotes en Jutlandia. La trama se centra en el personaje interpretado por Jesper Asholt, padre de tres hijos y casado con una mujer con la que se relaciona de manera fría y distante. El padre padece de continuas depresiones por esos golpes de realidad que da la vida y sólo se siente bien cuando hace llorar a los demás, sin embargo a pesar de que la historia del padre es la más fuerte y sobre la que giran las demás, es a través de la visión de Allan, el hijo más pequeño, que nos adentramos en esta familia que poco a poco nos va mostrando sus secretos.

Allan lo único que desea es ayudar a su padre y que éste abandone las depresiones, es capaz de hacer cualquier cosa por lograrlo, ya que para él sus acciones no tienen ninguna otra intención más que beneficiar a su papá, quien se aprovecha de su estado de ánimo para abusar sexualmente de sus hijos, quienes deben "consolarlo" para que éste deje de llorar.

El mayor acierto del filme, es tocar el tema del abuso sexual infantil y de mostrar a este padre represor bajo la mirada de la ingenuidad de Allan, de esta forma más que mostrarnos a un padre convertido en monstruo, nos presenta a una persona enferma, manipuladora y confundida, alguien que quizás pueda ganarse una pizca de compasión.

El humor negro manejado en el filme es delicioso, la película tiene escenas en donde el público ríe a pesar de estar viendo momentos tan solemnes como un funeral, la muerte no se nos presenta como algo trágico, al contrario, se nos muestra como algo capaz de dar alegría a aquellos que necesitan del dolor para estar vivos.

Las actuaciones son frescas y lucen naturales sin caer en los estereotipos, cada uno de los personajes convence y nos involucra en esta familia disfuncional y sometida por los caprichos de un ser enfermo.

El arte de llorar en coro es otra gran obra que nos llega de Dinamarca, si Thomas Vinterberg logró hacerse de un nombre por La Celebración (Festen) en 1998, (película que también abordaba el tema del abuso sexual por parte de los padres), Peter Schonau Fog da un primer paso muy sólido con su debut cinematográfico. Ambos filmes no se pueden comparar ya que el primero es más crudo y El arte... opta por los caminos de esa ingenuidad ciega que no ve a esos "monstruos" que se ocultan en los seres queridos.

Cuando observamos lágrimas en alguien, sin duda las nuestras tienden a salir inmediante, a solidarizarse con aquél que transforma su sufrimiento en líquido, sin embargo El arte nos enseña que en ocasiones es mejor dejar que algunas personas se hundan en su llanto falso, en esa debilidad ficticia que sólo sirve para lastimar a los demás, es mejor dejarlos abandonados tras sus máscaras que buscan dar lástima, este filme nos muestra con maestría que hay que saber guardar las lágrimas para esos momentos donde la vida realmente nos dé un golpe, no una suave cachetada. Llorar es un arte libre que nadie debe controlar.

CALIFICACIÓN: MUY BUENA

Destino y globalización

2009-01-06T08:46:00.000-08:00

Una prostituta turca amenazada por ejercer su profesión en Alemania, un anciano de la misma nacionalidad que tras varios encuentros con esta mujer le pide que viva con ella para exigirle exclusividad sexual son los ingredientes con los que comienza esta receta con sabor a destino y tragedia llamada A la orilla del cielo (Auf der anderen Seite), filme producido por Alemania y Turquía y dirigida por Fatih Akin.

Los otros dos ingredientes que se suman a esta pieza son los hijos de ambos personajes señalados anteriormente, la hija de la prostituta, una activista turca que exige en su país se respete la libertad de expresión, el derecho a la educación a todos los habitantes así como el respeto a las mujeres. El elemento final y que servirá de enlace entre ambas naciones es el hijo del anciano, un profesor de origen turco que trabaja en una universidad en Alemania.

A la orilla del cielo es una historia trágica de desencuentros, un mar poco tranquilo que trata de reflejar los problemas de la cultura turca, sus costumbres machistas y alejadas del mundo moderno y que a pesar de estar cerca de unirse a la Comunidad Europea y a este mundo globalizado siguen siendo parte de una cultura cerrada que tiene pocos elementos en común con los países occidentales a los que se han ido integrando.

El acierto del filme es no caer totalmente en el discurso político, prefiere mostrar los problemas de la globalización, la pobreza, la falta de libertad a través de sus personajes, los seres que transitan en la historia son un reflejo de esos paisajes de injusticia que ha pintado el mundo moderno a través de sus sistemas económicos.

El filme también enfatiza en las relaciones entre padres e hijos, los desencuentros que no permiten volver a verse para empezar de nuevo, el destino que se empeña a darle una mano a la tragedia, o quizás el mundo de hoy le permite a esta última armas para llevar la delantera.

En cuestiones cinematográficas, el filme cumple con actuaciones convincentes, un guión sencillo sin fallas y sin demasiadas pretensiones más que retratar una historia en donde el destino es el principal manipulador de los hechos. Aunque no hay muchos escenarios, los paisajes turcos y alemanes sirven para darnos cuenta de la diferencia de culturas y la cámara es sólo un testigo que nos permite acompañar a los personajes en sus recorridos.

Finalmente, aunque el filme es más desalentador que esperanzador, deja la sensación de que la lucha en el mundo actual es más por sobrevivir que por intentar cambiar el mundo o los gobiernos, que la verdadera pelea debe darse en cada individuo por tratar de modificarse a sí mismo, en el perdón, en darle menos espacios a esa tragedia para que se globalice, la revolución quizás está en saber comunicarse con cualquier persona aunque no conozcamos los idiomas, darle un espacio a la compasión, en poder entendernos como humanos sin costumbres, sin religiones, sin importar la cantidad de euros o dólares en el bolsillo, descubrir que sólo somos personas que intentan encontrar sonrisas a la hora de volver a casa, en la arena, en un mar infinito que no nos da respuestas.

CALIFICACIÓN: BUENA

Valiente pero olvidable

2008-12-28T22:57:00.000-08:00

Comenzaré hablando de lo valioso que encontré en Despereaux: Un Pequeño Gran Héroe (The Tale of Despereaux), dirigida por Sam Fell y Robert Stevenhagen. Considero que lo más importante a destacar en la película es el tema que se plantea, ya que por momentos el filme es una crítica fuerte a las sociedades controladas por el miedo, sobre todo aquellas que establecen reglas de temor para someter la libertad de sus habitantes y ven en las minorías un peligro constante de desestabilización. En el valor de Despereaux y en su incapacidad de sentir miedo (común a todos los ratones), se refleja esta diferencia, que lo convertirán en un héroe. Considero que esto es lo más memorable del filme, ya que en otros rubros no alcanza la calidad de cintas de animación como Ratatouille, Los Increíbles o Toy Story.

La calidad de animación no está al nivel de las producciones mencionadas anteriormente, y aunque se entiende que la intención de Despereaux es producir el efecto de estar contando una historia antigua, sacada de un libro, la animación no sorprende y por momentos resulta plana, impidiendo transmitir al espectador las texturas que vimos en Ratatouille a la hora de ver los pelos de las ratas o sentir el olor y los sabores de las comidas, elemento también importante en la trama de Despereaux.

Otra falla del filme es que no nos involucra desde el principio con el personaje principal, ya que la trama se desarrolla en un comienzo a través de Roscuro, una rata que desencadenará todos los problemas en el reino de Dor, lugar donde se desarrolla la historia. Al comenzar conociendo a Roscuro y el mundo de las ratas tardamos en involucrarnos con Despereaux y su vida, sus motivaciones y ambiciones, lo que no permite al espectador la identificación pronta con el personaje.

La voz en off es otro error en el filme, ya que al ser demasiadas las explicaciones del narrador, el filme parece necesitar de esa voz didáctica para seguir avanzando, aunque en la realidad es totalmente innecesaria para el espectador. Las grandes películas de animación cumplen con la misión de entretener tanto a niños como adultos, a los primeros con bromas y situaciones ocurrentes, y a los segundos con un guión inteligente y que aborde un tema profundo que logre conmover a los mayores. Lamentablmente en Despereaux, a pesar de la ternura expresada por el ratón y algunos momentos graciosos, el filme no entretiene en gran cantidad a los niños y para los adultos tampoco resulta efectivo, ya que como mencionaba anteriormente, faltó profundidad en el tema del miedo y las sociedades, lo cual hubiera sido un ejercicio interesante.

Finalmente, de Despereaux podemos decir que cumple como un cuento tierno para niños con algunos ratos de entretenimiento, sin embargo lo mostrado durante sus cien minutos de duración no le bastará para ser recordada como una de las mejores películas de animación, simplemente será una película más que no pudo alcanzar el nivel de ligas mayores establecido por Pixar.

CALIFICACIÓN: REGULAR.

Canguros a la baja

2008-12-27T00:03:00.000-08:00

Más allá de que el director autraliano Baz Luhrmann (mismo de Romeo y Julieta y Moulin Rouge) haya querido hacer una típica película de Hollywood y mostrar los problemas y un poco de la cultura de su país en la época de la Segunda Guerra Mundial, su nuevo filme, Australia, se queda en un intento mediocre, con una historia poco coherente y llena de estereotipos.

Aunque la cinta intente rescatar elementos del cine de los cuarentas o cincuentas y se note en algunos momentos que está realizada con esa intención, eso no le garantiza un éxito, ya que no siempre apelar a la añoranza sirve para seducir al espectador y Australia es un filme con una historia incoherente e ingenua, que para los ojos del Siglo XXI luce débil.

Se perdonarían las fallas en el guión, las escenas increíbles, el retratar a los aborígenes australianos como un cliché más, la magia de cuento de hadas, el melodrama de telenovela y la búsqueda a toda costa del Happy Ending si esta película hubiera sido realizada en otra época, cuando se pasaban por alto muchas fallas con tal de contar una historia deslumbrante, pero en la actualidad Australia parece no tener cabida en la categoría de grandes películas al no contar con un guión fuerte que la respalde.

Nicole Kidman y Hugh Jackman (australianos ambos) cumplen en sus roles, ella interpretando a Sarah Ashley, una mujer inglesa que intenta volver a la vida unos terrenos de su propiedad en este país de canguros que le será inhóspito la mayor parte del tiempo. Jackman, por su parte, da vida a un capataz que prioriza la libertad y el arrear su ganado ante todo, aunque poco a poco se irá involucrando en una relación amorosa con Sarah, situación que hace del filme también una película romántica. El tercer elemento es un niño aborigen, mestizo, al cual el personaje de Kidman adoptará y cuidará a lo largo de toda la cinta y que es fundamental en el desarrollo de la trama. A pesar de que la actuación es aceptable, a Jackman por momentos se lo ve ridículo y poco convincente, sobre todo en las escenas de amor y en donde se lo intenta hacer lucir como un héroe que nos recuerda a Wolverine. Kidman, como siempre, se desenvuelve sin problemas, pero tampoco es su mejor actuación, trata de ser muchos personajes y la película intenta con calzador demostrar sus capacidades actorales en todos los géneros, aunque éstas ya se conocen.

El peor error de Australia es querer abarcar todo, la comedia, el melodrama, el romance, la guerra, utilizando casi como pretexto un país que se merecía una historia más profunda, que realmente se enfocara a los problemas australianos de rascismo o discriminación y que no perdiera por lo menos una hora en trasladar unas vacas de un punto a otro.

Australia quiso ser muchas películas y no terminó siendo ninguna, no convence como comedia, como drama tampoco tocas fibras sensibles, como película romántica alcanza terrenos cursis y como filme de aventuras carece de la acción necesaria para entrener al espectador que busca explosiones.

Sí, Australia no convence porque es un cliché, porque tres australianos cayeron en el error de participar en un filme que más que dibujar a su país con profundidad en una historia que se grabe en la memoria, decidieron mostrar los estreotipos en un guión predecible. Si Australia se hubiera titulado México, no hubiera sido Luhrmann el encargado tras las cámaras, quizás el director hubiera sido Robert Rodríguez, con Salma Hayek y Gael García en los papeles estelares, y sí, los charros, los pistoleros, y algún nopal hubieran embadurnado la pantalla.

CALIFICACIÓN: MALA.

Necesidad de libertad

2008-12-23T09:20:00.000-08:00

La Duquesa (The Duchess), dirigida por Saul Dibb, es una película que a pesar de no alcanzar grandes niveles de maestría logra envolver al espectador en la trama e internarlo a la vida de Georgiana, la Duquesa de Devonshire.
Lo más relevante del filme es retratar la falta de libertad, no sólo de las mujeres sino también de los hombres, de finales del Silgo XVIII, época en donde las ideas revolucionarias estaban en auge.
La obligación de tener hijos varones por parte de las mujeres, la necesidad de olvidar los sueños ante la realidad, tener que soportar una vida carente de emociones con tal de tener privilegios económicos son aspectos que se reflejan puntualmente en el filme.
En una época donde los sueños nacían en las mentes que anhelaban un mundo diferente, éstas todavía tenían que enfrentarse con la tradición, con la necesidad de guardar las apariencias. El filme muestra la lucha ante esa realidad de la sociedad que es imposible cambiar por más grande que sea un sentimiento, por más amor que exista, los muros de la realidad no lo dejarán triunfar, ya que los finales felices sólo existen en los sueños.
La película capta la necesidad de libertad de las mujeres que eran prisioneras de sus esposos y de los hombres que también eran esclavos de las reglas sociales para mantener el poder económico y tampoco podían expresar sus sentimientos.La Duquesa, a pesar de ser un personaje aparentemente frívolo, preocupado por la moda y los juegos de cartas, refleja a esa mujer soñadora que no era capaz de demostrar todo su potencial y tenía que resignarse a ser una madre sacrificada. Las mujeres necesitaban expresarse a través de sus vestidos y sombreros ya que no tenían otro lugar para hacerlo.Por otro lado, en lo actoral, es innegable que Keira Knightley tiene el rostro perfecto para este tipo de películas, sin embargo sigue sin mostrarse convincente y por algunos momentos parece actriz de telenovela. En su actuación como Duque de Devonshire, Ralph Fiennes cumple interpretando a un hombre que tiene que reprimir sus emociones y se disfruta su trabajo en pantalla a pesar de no ser una de sus mejores actuaciones. Los vestuarios son espléndidos y quizás reciban algún premio esta temporada, uno de los mayores aciertos.Finalmente, la cinta deja grabados algunos diálogos que harán que no sea tan fácil olvidarla, ya que no todas las películas se atreven a recordarnos que los sueños son sólo eso.

CALIFICACIÓN: REGULAR